Lassen Sie uns in einige Sonett-Beispiele eintauchen und ihre Tiefen erkunden.<\/p>\n
Das Sonett verstehen: Form und Definition<\/h2>\n
Eine Struktur des Sonetts<\/a> ist eine spezifische Art von Gedicht, das sich durch seine vierzehn Verse auszeichnet. Die Struktur, insbesondere das Reimschema, variiert je nach Ursprung und Art des Sonetts. Der Begriff \u201eSonett\u201c stammt vom italienischen Wort sonetto<\/em> ab, was w\u00f6rtlich \u201ekleines Lied\u201c bedeutet. Die Einhaltung eines definierten Reimschemas verleiht Sonetten oft eine musikalische Qualit\u00e4t, wenn sie laut vorgelesen werden.<\/p>\n Historisch entwickelte sich das Sonett in Italien und England unterschiedlich, was zu Variationen bei Reimschemata, thematischem Fokus und der Gesamtstruktur f\u00fchrte. Unabh\u00e4ngig von der spezifischen Art weist jedoch jedes Sonett die folgenden Hauptmerkmale auf:<\/p>\n F\u00fcr eine detailliertere Erkundung dieser Elemente und der verschiedenen Arten von Sonetten stehen weitere Ressourcen zur Verf\u00fcgung, die tiefer in die Form des Sonetts eintauchen.<\/p>\n Die Untersuchung konkreter Beispiele ist ein effektiver Weg, um Sonette besser zu verstehen. Dieser Abschnitt stellt zehn historisch bedeutende Sonette vor, bietet Hintergrundinformationen, identifiziert die Sonett-Art und liefert eine kurze Analyse f\u00fcr jedes Einzelne. Die ersten f\u00fcnf Beispiele sind Shakespeare’sche Sonette, w\u00e4hrend die folgenden f\u00fcnf verschiedene Formen zeigen, darunter Spenser’sche, moderne englische, Milton’sche und italienische\/Petrarkische Sonett-Beispiele.<\/p>\n Es ist wichtig zu bedenken, dass Interpretationen literarischer Werke subjektiv sein k\u00f6nnen. Erg\u00e4nzen Sie diese Analysen gerne mit Ihren eigenen Lesarten oder weiterer Forschung, w\u00e4hrend Sie sich mit diesen Sonett-Beispielen auseinandersetzen.<\/p>\n My mistress‘ eyes are nothing like the sun; Coral is far more red than her lips‘ red; If snow be white, why then her breasts are dun; If hairs be wires, black wires grow on her head. I have seen roses damasked, red and white, But no such roses see I in her cheeks; And in some perfumes is there more delight Than in the breath that from my mistress reeks. I love to hear her speak, yet well I know That music hath a far more pleasing sound; I grant I never saw a goddess go; My mistress, when she walks, treads on the ground. And yet, by heaven, I think my love as rare As any she belied with false compare.<\/p>\n Dies ist eines der ber\u00fchmtesten Sonett-Beispiele Shakespeares. Wie viele Sonette dieser Zeit scheint es oberfl\u00e4chlich die Erscheinung der Geliebten zu preisen, f\u00fchrt aber eine einzigartige Wendung ein. Der Sprecher vergleicht seine Geliebte mit konventionellen Natursch\u00f6nheiten \u2013 der Sonne, Koralle, Schnee, Rosen \u2013, stellt aber ausdr\u00fccklich fest, dass sie diese idealisierten Qualit\u00e4ten nicht besitzt<\/em>. Ihre Augen sind nicht<\/em> wie die Sonne, Koralle ist roter<\/em> als ihre Lippen, und so weiter.<\/p>\n Die Volta<\/em> oder Wende tritt typischerweise im Schlusskuplett eines Shakespeare’schen Sonetts auf und sorgt oft f\u00fcr einen Stimmungs- oder Argumentwechsel. In den drei vorhergehenden Vierzeilern hebt der Sprecher konsequent hervor, wie seine Geliebte den konventionellen, \u00fcbertriebenen Sch\u00f6nheitsidealen nicht entspricht. Die abrupte Verschiebung erfolgt mit dem Ausdruck \u201eAnd yet\u201c (Und doch) im Couplet. Obwohl er zugibt, dass ihr die idealisierten Merkmale fehlen, erkl\u00e4rt der Sprecher, dass seine Liebe so selten und wertvoll ist wie jede Liebe, die durch falsche Vergleiche idealisiert wird.<\/p>\n Dieses Sonett dient als Satire auf die \u00fcbertriebenen und oft unerreichbaren Darstellungen weiblicher Sch\u00f6nheit, die in elisabethanischen Sonetten weit verbreitet waren. Shakespeare nutzt eine realistische Darstellung seiner Geliebten, um den Trend zur unrealistischen Idealisierung zu kritisieren und zu betonen, dass seine Liebe auf der Wertsch\u00e4tzung ihrer wahren Gestalt basiert.<\/p>\n Shall I compare thee to a summer\u2019s day? Thou art more lovely and more temperate: Rough winds do shake the darling buds of May, And summer\u2019s lease hath all too short a date; Sometime too hot the eye of heaven shines, And often is his gold complexion dimm’d; And every fair from fair sometime declines, By chance or nature\u2019s changing course untrimm’d; But thy eternal summer shall not fade, Nor lose possession of that fair thou ow\u2019st; Nor shall death brag thou wander\u2019st in his shade, When in eternal lines to time thou grow\u2019st: So long as men can breathe or eyes can see, So long lives this, and this gives life to thee.<\/p>\n Im Gegensatz zum vorherigen Beispiel h\u00e4lt sich dieses Sonett an das traditionelle Thema, die Sch\u00f6nheit der Geliebten mit den angenehmen Aspekten der Natur zu vergleichen. Der Sprecher findet \u201ethee\u201c (wahrscheinlich ein Liebesinteresse) sogar noch lieblicher und best\u00e4ndiger als einen Sommertag. Das Gedicht erforscht jedoch mehr als nur das \u00e4u\u00dfere Erscheinungsbild; es ber\u00fchrt auch das Thema der Jugend und ihrer Verg\u00e4nglichkeit.<\/p>\n Der Sprecher bemerkt die verg\u00e4nglichen Qualit\u00e4ten des Sommers \u2013 seine K\u00fcrze, die Rauheit st\u00fcrmischer Winde, die \u00fcberm\u00e4\u00dfige Hitze oder das ged\u00e4mpfte Licht der Sonne und den eventuellen Verfall der Sch\u00f6nheit (\u201eevery fair from fair sometime declines\u201c). Diese Reflexion \u00fcber den Wandel der Natur ist eine Metapher f\u00fcr das Altern. Der Sprecher verkn\u00fcpft Jugend mit Sommer, einer Jahreszeit, die unweigerlich in Herbst und Winter \u00fcbergeht, so wie auch Menschen \u00e4lter werden.<\/p>\n Die Volta<\/em> erscheint zu Beginn des dritten Vierzeilers mit \u201eBut thy eternal summer shall not fade\u201c (Aber dein ewiger Sommer wird nicht verblassen). Hier schwenkt das Gedicht um. Der Sprecher behauptet, dass der \u201eewige Sommer\u201c der Geliebten \u2013 ihr Wesen und ihre Sch\u00f6nheit \u2013 mit der Zeit nicht schwinden wird, weil er unsterblich gemacht wird. Das Schlusskuplett liefert das Mittel zur Unsterblichkeit: das Gedicht selbst. Durch die \u201eeternal lines\u201c (ewigen Zeilen) des Sprechers wird die Geliebte weiterleben und Tod und Zeit trotzen, solange das Gedicht gelesen wird.<\/p>\n That time of year thou mayst in me behold When yellow leaves, or none, or few, do hang Upon those boughs which shake against the cold, Bare ruin’d choirs, where late the sweet birds sang. In me thou see’st the twilight of such day As after sunset fadeth in the west, Which by and by black night doth take away, Death’s second self, that seals up all in rest. In me thou see’st the glowing of such fire That on the ashes of his youth doth lie, As the death-bed whereon it must expire, Consum’d with that which it was nourish’d by. This thou perceiv’st, which makes thy love more strong, To love that well which thou must leave ere long.<\/p>\n Dieses Shakespeare’sche Sonett, das an den \u201eFair Youth\u201c (eine Figur, die in vielen Sonetten Shakespeares vorkommt) gerichtet ist, konzentriert sich ausdr\u00fccklich auf das Thema Alter und Sterblichkeit aus der Perspektive des Sprechers. Jeder der drei Vierzeiler pr\u00e4sentiert eine andere Metapher f\u00fcr die Erfahrung des Sprechers im Alter, eingeleitet durch den wiederkehrenden Ausdruck \u201eIn me thou see’st\u201c (In mir siehst du).<\/p>\n Der erste Vierzeiler vergleicht das Altern mit dem Sp\u00e4therbst oder fr\u00fchen Winter \u2013 einer Zeit mit gelben oder wenigen Bl\u00e4ttern an kalten, kahlen Zweigen, wie ruinierte Strukturen, in denen einst s\u00fc\u00dfe V\u00f6gel sangen. Der zweite Vierzeiler vergleicht das Altern mit der D\u00e4mmerung, dem nach Sonnenuntergang im Westen verblassenden Licht, das nach und nach von der schwarzen Nacht verdr\u00e4ngt wird, dem zweiten Selbst des Todes, das alles in Ruhe versiegelt. Der dritte Vierzeiler verwendet das Bild eines erl\u00f6schenden Feuers, das schwach auf der Asche seiner fr\u00fcheren Intensit\u00e4t gl\u00fcht und sich selbst verzehrt, w\u00e4hrend es schwindet.<\/p>\n Die Volta<\/em> kommt im abschlie\u00dfenden Couplet. Der Sprecher beobachtet, dass der Fair Youth diesen Prozess des Alterns in ihm bezeugt. Diese Wahrnehmung verringert jedoch nicht die Zuneigung des Jugendlichen, sondern verst\u00e4rkt sie. Die Liebe des Jugendlichen wird st\u00e4rker, weil er die Kostbarkeit dessen erkennt, was er bald verlieren wird. Shakespeare verbindet meisterhaft menschliches Altern mit nat\u00fcrlichen Kreisl\u00e4ufen (Jahreszeiten, Tag\/Nacht, das Leben des Feuers), was darauf hindeutet, dass es ein universeller Prozess ist. Das Gedicht ermutigt dazu, Menschen und Momente wegen ihrer Endlichkeit wertzusch\u00e4tzen.<\/p>\n If there be nothing new, but that which is Hath been before, how are our brains beguil’d, Which, labouring for invention, bear amiss The second burthen of a former child! O, that record could with a backward look, Even of five hundred courses of the sun, Show me your image in some antique book, Since mind at first in character was done! That I might see what the old world could say To this composed wonder of your frame; Whether we are mended, or whe’r better they, Or whether revolution be the same. O! sure I am, the wits of former days To subjects worse have given admiring praise.<\/p>\n Ein weiteres Sonett-Beispiel aus der Fair Youth-Sequenz, dieses Gedicht, betrachtet die alte philosophische Idee, dass sich die Geschichte wiederholt und \u201enichts Neues unter der Sonne ist\u201c. Dieses Konzept, adaptiert aus Quellen wie dem biblischen Buch Prediger, legt nahe, dass Ereignisse und menschliche Erfahrungen zyklisch sind.<\/p>\n Der Sprecher setzt sich mit dieser Idee in Bezug auf das Preisen des Jugendlichen auseinander. Er hat das Gef\u00fchl, sein \u201eGehirn ist betrogen\u201c und k\u00e4mpft um \u201eErfindung\u201c (Originalit\u00e4t), weil jedes Lob, das er dem Jugendlichen darbringen k\u00f6nnte, offenbar bereits \u00fcber Personen aus der Vergangenheit ausgesprochen wurde. Er w\u00fcnscht sich, er k\u00f6nnte 500 Jahre Geschichte (500 \u201ecourses of the sun\u201c) zur\u00fcckblicken, um zu sehen, ob das Bild oder die gleichwertige Sch\u00f6nheit des Jugendlichen damals existierte und wie sie beschrieben wurde. Dieser Wunsch entspringt dem Bed\u00fcrfnis, zu beurteilen, ob die Gegenwart (oder der Jugendliche) eine Verbesserung (\u201ewhether we are mended\u201c) im Vergleich zur Vergangenheit darstellt.<\/p>\n Die Volta<\/em> im Schlusskuplett bekr\u00e4ftigt den festen Glauben des Sprechers, dass der Jugendliche trotz der scheinbar zyklischen Natur der Dinge einzigartig au\u00dfergew\u00f6hnlich ist. Er ist \u00fcberzeugt, dass \u201ethe wits of former days\u201c (Dichter und Denker vergangener Tage) Personen priesen, die \u201eschlechter\u201c oder weniger verdient waren als der Jugendliche. So argumentiert das Gedicht letztlich f\u00fcr die einzigartige, beispiellose Sch\u00f6nheit und das Wunder des Geliebten und widerlegt die anf\u00e4ngliche Pr\u00e4misse, dass nichts wirklich neu ist.<\/p>\n Das Gedicht \u201eIf There Be Nothing New, But That Which Is\u201c spielt auf das alte Sprichwort \u201eNichts Neues unter der Sonne\u201c an, ein Konzept, das in verschiedenen literarischen und philosophischen Traditionen zu finden ist.<\/em><\/p>\n Not marble nor the gilded monuments Of princes shall outlive this powerful rhyme, But you shall shine more bright in these contents Than unswept stone besmeared with sluttish time. When wasteful war shall statues overturn, And broils root out the work of masonry, Nor Mars his sword nor war\u2019s quick fire shall burn The living record of your memory. \u2019Gainst death and all-oblivious enmity Shall you pace forth; your praise shall still find room Even in the eyes of all posterity That wear this world out to the ending doom. So, till the Judgement that yourself arise, You live in this, and dwell in lovers\u2019 eyes.<\/p>\n Dieses kraftvolle Sonett erkundet das bleibende Thema der F\u00e4higkeit der Kunst, Zeit und Sterblichkeit zu \u00fcberwinden, insbesondere im Gegensatz zu physischen Strukturen. Erneut an den Fair Youth gerichtet, argumentiert der Sprecher, dass seine geschriebenen Worte \u2013 insbesondere dieses Gedicht \u2013 eine dauerhaftere Hommage sein werden als selbst die haltbarsten von Menschen geschaffenen Denkm\u00e4ler wie \u201emarble nor the gilded monuments of princes\u201c (Marmor noch die vergoldeten Denkm\u00e4ler von F\u00fcrsten).<\/p>\n Shakespeare \u00fcbertreibt die Zerbrechlichkeit physischer Objekte, indem er sie der Unsterblichkeit gegen\u00fcberstellt, die sein Vers verleiht. Er stellt sich eine Zukunft vor, in der Krieg und Zeit (\u201esluttish time\u201c) Statuen, Mauerwerk und pr\u00e4chtige Denkm\u00e4ler zerst\u00f6ren werden. Der \u201eliving record\u201c (lebendige Aufzeichnung) der Erinnerung des Jugendlichen, bewahrt im Gedicht, wird jedoch diese zerst\u00f6rerischen Kr\u00e4fte \u00fcberleben.<\/p>\n Die Volta<\/em> bekr\u00e4ftigt diese Behauptung und proklamiert, dass der Geliebte gegen Tod und Vergessenheit bestehen (\u201epace forth\u201c) wird. Sein Lob wird weiterhin durch \u201eall posterity\u201c (alle Nachwelt) \u2013 zuk\u00fcnftige Generationen \u2013 widerhallen, bis zum Ende der Welt oder sogar dem J\u00fcngsten Gericht. Das Schlusskuplett erkl\u00e4rt ausdr\u00fccklich, dass der Jugendliche \u201elive[s] in this\u201c (in diesem lebt) (dem Gedicht) und \u201ein lovers\u2019 eyes\u201c (in den Augen Liebender) wohnt, was darauf hindeutet, dass das Verm\u00e4chtnis des Gedichts seine Erinnerung und Sch\u00f6nheit durch den Akt des Lesens und Liebens fortbestehen l\u00e4sst. Dieses Sonett ist ein Zeugnis des Vertrauens des Dichters in die Kraft seiner Kunst.<\/p>\n How do I love thee? Let me count the ways. I love thee to the depth and breadth and height My soul can reach, when feeling out of sight For the ends of being and ideal grace. I love thee to the level of every day’s Most quiet need, by sun and candle-light. I love thee freely, as men strive for right. I love thee purely, as they turn from praise.<\/p>\n I love thee with the passion put to use In my old griefs, and with my childhood’s faith. I love thee with a love I seemed to lose With my lost saints. I love thee with the breath, Smiles, tears, of all my life; and, if God choose, I shall but love thee better after death.<\/p>\n \u00dcber Shakespeare hinaus pr\u00e4sentiert dieses ber\u00fchmte Beispiel der viktorianischen Dichterin Elizabeth Barrett Browning die Petrarkische oder Italienische Sonettform. Dieses Gedicht, das 1850 als Teil ihrer Sonnets from the Portuguese<\/em> ver\u00f6ffentlicht wurde, ist wohl ihr bekanntestes Werk. Ein bemerkenswerter Aspekt ist, dass es die Perspektive einer Frau auf die Liebe bietet, was in traditionellen Sonettzyklen weniger verbreitet war.<\/p>\n Die Oktave (die ersten acht Zeilen) stellt die zentrale Frage \u201eHow do I love thee?\u201c (Wie liebe ich dich?), die der Sprecher dann beantwortet, indem er verschiedene Dimensionen und Intensit\u00e4ten ihrer Liebe aufz\u00e4hlt. Sie beschreibt eine Liebe, die die Grenzen der Fassungskraft ihrer Seele erreicht, in den Alltag integriert ist (\u201esun and candle-light\u201c), frei gegeben wird und rein ist. Diese Zeilen betonen die grenzenlose und allumfassende Natur ihrer Zuneigung.<\/p>\n Die Volta<\/em> findet zwischen der Oktave und dem Sestett (den letzten sechs Zeilen) statt. Die Sprecherin z\u00e4hlt weiterhin die Arten auf, wie sie liebt, und zieht Vergleiche aus ihren fr\u00fcheren Erfahrungen \u2013 die Intensit\u00e4t der Leidenschaft, die in Trauer zu finden ist, die unersch\u00fctterliche Gewissheit des kindlichen Glaubens und eine Liebe, die sie nach einer Zeit des Verlustes scheinbar wiedererlangt hat. Das Gedicht gipfelt in einer kraftvollen Erkl\u00e4rung, dass ihre Liebe sogar \u00fcber den Tod hinausgeht, was auf ihre ewige und vervollkommnende Qualit\u00e4t hindeutet. Dieses Sonett ist eine tiefgr\u00fcndige Erkundung der Tiefe und Ausdauer der Liebe. Es k\u00f6nnte Sie interessieren, diese Struktur mit einer Stanze mit 6 Zeilen<\/a> zu vergleichen, die in anderen Gedichtformen wie dem Sestett verwendet wird.<\/p>\n One day I wrote her name upon the strand, But came the waves and washed it away: Again I write it with a second hand, But came the tide, and made my pains his prey. Vain man, said she, that doest in vain assay, A mortal thing so to immortalize, For I myself shall like to this decay, And eek my name be wiped out likewise. Not so, (quod I) let baser things devise To die in dust, but you shall live by fame: My verse, your virtues rare shall eternize, And in the heavens write your glorious name. Where whenas death shall all the world subdue, Our love shall live, and later life renew.<\/p>\n Dieses Sonett, Teil von Edmund Spensers Sequenz Amoretti<\/em> von 1595, liefert ein Beispiel f\u00fcr die Spenser’sche Sonettform. Sein Thema \u00e4hnelt Shakespeares Sonett 55 und konzentriert sich auf den Ehrgeiz, die Geliebte durch Dichtung unsterblich zu machen. Der Er\u00f6ffnungsvierzeiler schildert die wiederholten, vergeblichen Versuche des Sprechers, den Namen seiner Geliebten an den Strand (\u201estrand\u201c) zu schreiben, nur damit die Wellen ihn wegwaschen und seine Bem\u00fchungen (\u201epains\u201c) fruchtlos machen.<\/p>\n Im zweiten Vierzeiler spricht die Geliebte und bezeichnet den Sprecher als \u201evain\u201c (eitel), weil er versucht, etwas Unsterbliches zu machen (\u201ea mortal thing\u201c), das von Natur aus verg\u00e4nglich ist, genauso wie sie selbst schlie\u00dflich zerfallen und ihr Name ebenfalls in Vergessenheit geraten wird.<\/p>\n Der dritte Vierzeiler zeigt das Gegenargument des Sprechers. Er weist die Vorstellung zur\u00fcck, dass sie einfach \u201ein dust\u201c (im Staub) sterben wird, und verk\u00fcndet, dass sie durch \u201efame\u201c (Ruhm) Unsterblichkeit erlangen wird. Er behauptet, dass sein \u201everse\u201c (Vers) ihre \u201evirtues rare\u201c (seltenen Tugenden) \u201eeternize\u201c (unsterblich machen) und ihren Namen nicht in verg\u00e4nglichen Sand, sondern \u201ein the heavens\u201c (im Himmel) schreiben wird. Das Couplet bekr\u00e4ftigt dieses Versprechen und erkl\u00e4rt, dass selbst wenn der Tod die ganze Welt unterwirft, \u201eOur love shall live, and later life renew\u201c (Unsere Liebe wird leben und sp\u00e4teres Leben erneuern), was die bleibende Kraft ihrer Liebe betont, wie sie in seiner Dichtung festgehalten ist. Dieses Sonett hebt den Glauben der Renaissance an die F\u00e4higkeit des Dichters hervor, durch Verse ewiges Leben zu verleihen.<\/p>\n When I consider how my light is spent, Ere half my days, in this dark world and wide, And that one Talent which is death to hide Lodged with me useless, though my Soul more bent<\/p>\n To serve therewith my Maker, and present My true account, lest he returning chide; \u201cDoth God exact day-labour, light denied?\u201d I fondly ask. But patience, to prevent<\/p>\n That murmur, soon replies, \u201cGod doth not need Either man\u2019s work or his own gifts; who best Bear his mild yoke, they serve him best. His state<\/p>\n Is Kingly. Thousands at his bidding speed And post o\u2019er Land and Ocean without rest: They also serve who only stand and wait.\u201d<\/p>\n John Miltons Sonett, das 1673 ver\u00f6ffentlicht wurde, ist ein Beispiel f\u00fcr die Milton’sche Form, die oft die petrarkische Aufteilung in Oktave und Sestett beibeh\u00e4lt, jedoch mit weniger deutlichen \u00dcberg\u00e4ngen zwischen den Abschnitten. Dieses Gedicht wird h\u00e4ufig als \u201eOn His Blindness\u201c (\u00dcber seine Blindheit) betitelt und spiegelt Miltons pers\u00f6nliche Erfahrung mit dem Verlust des Sehverm\u00f6gens wider. \u201eLight\u201c (Licht) kann jedoch auch spirituelle oder intellektuelle Klarheit symbolisieren. In der Oktave (den ersten acht Zeilen) reflektiert der Sprecher mit Besorgnis (\u201econsider\u201c), wie sein \u201elight\u201c genutzt wurde (\u201espent\u201c), noch ehe er die Mitte seines Lebens erreicht hat. Er beklagt, dass sein wichtigstes \u201eTalent\u201c \u2013 wahrscheinlich seine poetische F\u00e4higkeit oder die F\u00e4higkeit zu dienen \u2013 aufgrund seines Zustands \u201euseless\u201c (nutzlos) erscheint, obwohl seine Seele mehr darauf bedacht ist, Gott (\u201ehis Maker\u201c) zu dienen. Er fragt, ob Gott von jemandem, dem das \u201elight\u201c verweigert wird, das gleiche Ma\u00df an aktivem Dienst (\u201eday-labour\u201c) erwartet.<\/p>\n Die Volta<\/em> erfolgt subtil, als die innere Befragung des Sprechers in eine Antwort \u00fcbergeht, die von \u201epatience\u201c (Geduld) gegeben wird. Das Sestett (die letzten sechs Zeilen) pr\u00e4sentiert diese Antwort. Die Geduld versichert dem Sprecher, dass Gott keine spezifischen Werke oder Gaben ben\u00f6tigt<\/em>, sondern vielmehr treue Unterwerfung sch\u00e4tzt (\u201ewho best \/ Bear his mild yoke, they serve him best\u201c \u2013 wer am besten sein sanftes Joch tr\u00e4gt, dient ihm am besten). Sie betont Gottes Souver\u00e4nit\u00e4t und die unz\u00e4hligen Arten, wie ihm gedient wird, einschlie\u00dflich derer, die nicht in der Lage sind, offensichtliche Handlungen zu vollziehen, sondern stattdessen \u201eonly stand and wait\u201c (nur stehen und warten) auf seinen Willen. Dieses Sonett untersucht Themen wie Pflicht, Glaube, k\u00f6rperliche Einschr\u00e4nkung und verschiedene Formen des Dienstes am G\u00f6ttlichen. Das Erkunden verschiedener poetischer Strukturen wie dieser kann Perspektiven er\u00f6ffnen, wenn man Formen wie Canto-Dichtung<\/a> oder die beste \u00dcbersetzung von Dantes G\u00f6ttlicher Kom\u00f6die<\/a> betrachtet. Dantes G\u00f6ttliche Kom\u00f6die schildert die mythische Reise des Dichters durch<\/a> H\u00f6lle, Fegefeuer und Paradies und bietet eine andere Art von struktureller und thematischer Komplexit\u00e4t.<\/p>\n What lips my lips have kissed, and where, and why, I have forgotten, and what arms have lain Under my head till morning; but the rain Is full of ghosts tonight, that tap and sigh Upon the glass and listen for reply, And in my heart there stirs a quiet pain For unremembered lads that not again Will turn to me at midnight with a cry. Thus in winter stands the lonely tree, Nor knows what birds have vanished one by one, Yet knows its boughs more silent than before: I cannot say what loves have come and gone, I only know that summer sang in me A little while, that in me sings no more.<\/p>\n Edna St. Vincent Millay, eine prominente Dichterin des fr\u00fchen zwanzigsten Jahrhunderts, bietet dieses petrarkische Sonett an, das das Thema verlorener Lieben erkundet. Die Oktave beginnt mit einem Ton der Reflexion \u00fcber vergangene romantische Begegnungen. Die Sprecherin gibt offen zu, dass sie die Einzelheiten dieser vergangenen Beziehungen vergessen hat \u2013 die Identit\u00e4ten derer, die sie gek\u00fcsst hat, die Orte und die Gr\u00fcnde. Der gegenw\u00e4rtige Moment, gekennzeichnet durch den klopfenden Regen (\u201efull of ghosts\u201c), erweckt einen \u201equiet pain\u201c (stillen Schmerz) in ihrem Herzen, nicht f\u00fcr die vergessenen Personen selbst (\u201eunremembered lads\u201c), sondern f\u00fcr die Abwesenheit der Erfahrungen, die sie repr\u00e4sentierten.<\/p>\n Die Volta<\/em> leitet das Sestett ein, das in einen Ton melancholischer Trauer \u00fcber ein Gef\u00fchl \u00fcbergeht, das verschwunden ist. Ein Vergleich vergleicht den gegenw\u00e4rtigen Zustand der Sprecherin mit einem einsamen Baum im Winter. Der Baum erinnert sich nicht an die einzelnen V\u00f6gel, die verschwunden sind, ist sich aber der Stille auf seinen Zweigen sehr bewusst. Ebenso kann die Sprecherin die spezifischen vergangenen Lieben nicht benennen, wei\u00df aber, dass das lebhafte Gef\u00fchl, das mit ihnen verbunden war, verschwunden ist.<\/p>\n Die abschlie\u00dfenden Zeilen offenbaren den Kern des Kummers der Sprecherin: Sie wei\u00df nur, dass \u201esummer sang in me \/ A little while, that in me sings no more\u201c (Sommer sang in mir \/ Eine Weile, der in mir nicht mehr singt). Dieses lebhafte, freudige Gef\u00fchl (\u201esummer\u201c), das w\u00e4hrend dieser vergangenen Lieben existierte, ist es, was sie wirklich vermisst. Millays Sonett gibt dem traditionellen Thema eine moderne, introspektive Wendung und konzentriert sich auf die subjektive emotionale Erfahrung statt auf das Objekt der Zuneigung.<\/p>\n All we need is fourteen lines, well, thirteen now, and after this next one just a dozen to launch a little ship on love’s storm-tossed seas, then only ten more left like rows of beans. How easily it goes unless you get Elizabethan and insist the iambic bongos must be played and rhymes positioned at the ends of lines, one for every station of the cross. But hang on here while we make the turn into the final six where all will be resolved, where longing and heartache will find an end, where Laura will tell Petrarch to put down his pen, take off those crazy medieval tights, blow out the lights, and come at last to bed.<\/p>\n F\u00fcr unser letztes Sonett-Beispiel wenden wir uns dem zeitgen\u00f6ssischen amerikanischen Dichter Billy Collins zu. Dieses \u201eSonett\u201c, das 1999 ver\u00f6ffentlicht wurde, ist ein Meta-Kommentar zur Sonettform selbst und reflektiert spielerisch \u00fcber ihre traditionelle Struktur und Konventionen.<\/p>\n Collins‘ Gedicht weist humorvoll auf die Schl\u00fcsselelemente traditioneller Sonette hin: die Anforderung von vierzehn Zeilen (wobei er beim Schreiben herunterz\u00e4hlt), das typische Thema der Liebe (\u201elove’s storm-tossed seas\u201c \u2013 auf den sturmgepeitschten Meeren der Liebe), die Verwendung des Jambischen F\u00fcnfhebers (\u201eiambic bongos\u201c), strenge Reimschemata und die erwartete Struktur mit einer Wende (\u201emake the turn\u201c), die zu einer Aufl\u00f6sung in den letzten Zeilen f\u00fchrt (\u201ethe final six where all will be resolved\u201c \u2013 den letzten sechs, wo alles gel\u00f6st wird). Er bezieht sich sogar auf historische Figuren, die mit der Form verbunden sind, indem er die \u201eElizabethan\u201c (Elisabethanische) \u00c4ra und Petrarch (und seine Geliebte Laura) erw\u00e4hnt.<\/p>\n Der Sinn dieser meta-poetischen \u00dcbung scheint darin zu liegen, das Sonett zu entmystifizieren und einem modernen Publikum zug\u00e4nglich zu machen. Indem er die strengen Regeln der Form humorvoll hervorhebt, feiert und verspottet Collins sie gleichzeitig sanft und suggeriert, dass zeitgen\u00f6ssische Dichter die Form trotz der Tradition mit Flexibilit\u00e4t und Verspieltheit angehen k\u00f6nnen. Es ermutigt die Leser, das Sonett nicht nur als starres historisches Artefakt zu sehen, sondern als ein lebendiges, anpassungsf\u00e4higes Gef\u00e4\u00df f\u00fcr den Ausdruck.<\/p>\n\n
![\"Dekoratives](\"https:\/\/latrespace.com\/wp-content\/uploads\/2025\/05\/body-number-10.webp\")
Dekoratives Bild, das das zehnte Sonett in der Liste darstellt.<\/em><\/p>\nZehn ber\u00fchmte Sonett-Beispiele, erkl\u00e4rt<\/h2>\n
1. \u201eMy Mistress‘ Eyes Are Nothing Like the Sun\u201c (Sonett 130) von William Shakespeare (Shakespeare’sches Sonett)<\/h3>\n
2. \u201eShall I Compare Thee To A Summers\u2019 Day?\u201c (Sonett 18) von William Shakespeare (Shakespeare’sches Sonett)<\/h3>\n
3. \u201eThat Time Of Year Thou Mayest In Me Behold\u201c (Sonett 73) von William Shakespeare (Shakespeare’sches Sonett)<\/h3>\n
![\"Sonnenuntergang,](\"https:\/\/latrespace.com\/wp-content\/uploads\/2025\/05\/body-sunset.webp\")
Sonnenuntergang, der den Lauf der Zeit symbolisiert, ein h\u00e4ufiges Thema in Sonett-Beispielen.<\/em><\/p>\n4. \u201eIf There Be Nothing New, But That Which Is\u201c (Sonett 59) von William Shakespeare (Shakespeare’sches Sonett)<\/h3>\n
5. \u201eNot Marble Nor the Gilded Monuments\u201c (Sonett 55) von William Shakespeare (Shakespeare’sches Sonett)<\/h3>\n
6. \u201eHow Do I Love Thee?\u201c (Sonett 43) von Elizabeth Barrett Browning (Petrarkisches\/Italienisches Sonett)<\/h3>\n
7. \u201eSonnet 75\u201c aus Amoretti<\/em> von Edmund Spenser (Spenser’sches Sonett)<\/h3>\n
8. \u201eWhen I Consider How My Light is Spent\u201c von John Milton (Milton’sches Sonett)<\/h3>\n
![\"Bild,](\"https:\/\/latrespace.espace.com\/wp-content\/uploads\/2025\/05\/girl-blindfold.webp\")
Bild, das Blindheit oder Mangel an Sehkraft symbolisiert und auf ein Beispiel eines Milton'schen Sonetts verweist.<\/em><\/p>\n9. \u201eWhat My Lips Have Kissed, and Where, and Why\u201c von Edna St. Vincent Millay (Petrarkisches\/Italienisches Sonett)<\/h3>\n
10. \u201eSonnet\u201c von Billy Collins (Modernes Sonett)<\/h3>\n
![\"Logo](\"https:\/\/latrespace.com\/wp-content\/uploads\/2025\/05\/body-poetry-foundation-logo.webp\"){kind=logo}
Logo der Website von The Poetry Foundation, einer Ressource zum Lesen von Sonett-Beispielen.<\/em><\/p>\n