Das Sonett entdecken: Definition, Struktur & berühmte Beispiele

Das Verstehen von Poesie kann eine Welt voller Schönheit und Bedeutung eröffnen. Unter den vielen Formen, die Poesie annehmen kann, sticht das Sonett als sowohl historisch bedeutend als auch anhaltend populär hervor. Sie sind wahrscheinlich in Literaturkursen auf Sonette gestoßen und haben sie als wichtige Gedichtform erkannt, fanden ihre Struktur und Bedeutung aber vielleicht schwierig vollständig zu erfassen.

Die gute Nachricht ist, dass jeder lernen kann, Poesie zu schätzen und zu verstehen, und das Sonett ist keine Ausnahme. Es erfordert Übung, und der beste Weg zu üben ist, sich direkt mit Sonett-Beispielen und sorgfältiger Analyse auseinanderzusetzen. Dieser Leitfaden soll Ihnen dabei helfen, genau das zu tun, indem er untersucht, was ein Sonett einzigartig macht, Einblicke in die Struktur und Schlüsselelemente dieser Form gibt und sich mit der Analyse von zehn gefeierten Sonetten befasst.

Egal, ob Sie Student, angehender Dichter oder einfach ein Liebhaber von Literatur sind, die Erkundung des Sonetts bietet eine lohnende Reise ins Herz des poetischen Ausdrucks.

Was definiert ein Sonett?

Im Kern ist ein Sonett ein kurzes lyrisches Gedicht, das aus vierzehn Zeilen besteht. Der Begriff „Sonett“ stammt vom italienischen Wort sonetto ab, was „kleines Lied“ bedeutet, was auf das melodische Potenzial der Form aufgrund ihrer strengen Struktur und ihres Reimschemas hindeutet.

Während alle Sonette die charakteristische Länge von vierzehn Zeilen gemeinsam haben, können die spezifische Struktur, das Reimschema und manchmal sogar die thematische Entwicklung je nach Sonett-Typ variieren. Die zwei häufigsten Typen sind das italienische (oder Petrarcasche) Sonett und das englische (oder Shakespearesche) Sonett, die sich in Italien bzw. England auf unterschiedlichen Wegen entwickelten.

Unabhängig von seinem spezifischen Typ wird jedes als Sonett anerkannte Gedicht durchweg Folgendes aufweisen:

• 14 Zeilen: Dies ist das grundlegende Merkmal.
• Ein bestimmtes Reimschema: Dies variiert je nach Sonett-Typ (z. B. ABBAABBA CDECDE für Petrarcasch, ABAB CDCD EFEF GG für Shakespearesch).
• Jambischer Fünfheber: Dies ist das Metrum, das am häufigsten mit Sonetten in Verbindung gebracht wird. Es bedeutet, dass jede Zeile typischerweise aus zehn Silben besteht, die zwischen unbetonten und betonten Schlägen wechseln und einen Rhythmus wie „da-DUM da-DUM da-DUM da-DUM da-DUM“ erzeugen.

Für einen tieferen Einblick in die Komponenten, die diese faszinierende poetische Struktur ausmachen, wird die Erkundung der Definition eines Sonetts und seiner Kernelemente dringend empfohlen. Das Verständnis dieser grundlegenden Aspekte wird Ihre Wertschätzung der Sonett-Beispiele, die wir untersuchen werden, erheblich steigern.

Grafik zum Aufbau eines Sonetts

Zehn berühmte Sonett-Beispiele, analysiert

Um das Sonett wirklich zu erfassen, ist das Lesen und Analysieren bemerkenswerter Beispiele unerlässlich. Wir haben eine Liste von zehn berühmten Sonetten zusammengestellt, die einen Einblick in ihren Kontext, ihre Form und tiefere Bedeutungen bieten. Diese Beispiele umfassen verschiedene Epochen und Stile und zeigen die Vielseitigkeit und anhaltende Anziehungskraft der Sonettform. Die ersten fünf Beispiele sind gefeierte Shakespearesche Sonette, gefolgt von fünf vielfältigen Beispielen, die andere Sonett-Typen wie Spenserian, Petrarcasch und moderne englische Formen zeigen.

Beachten Sie, dass die Interpretation von Poesie oft ein subjektiver Prozess ist. Während wir eine Analyse anbieten, um Ihr Verständnis zu leiten, fühlen Sie sich frei, Ihre eigenen Einblicke zu entwickeln, während Sie diese kraftvollen Sonett-Beispiele lesen.

#1: „My Mistress‘ Eyes Are Nothing Like the Sun“ von William Shakespeare (Shakespearesches Sonett)

My mistress' eyes are nothing like the sun;
Coral is far more red than her lips' red;
If snow be white, why then her breasts are dun;
If hairs be wires, black wires grow on her head.
I have seen roses damasked, red and white,
But no such roses see I in her cheeks;
And in some perfumes is there more delight
Than in the breath that from my mistress reeks.
I love to hear her speak, yet well I know
That music hath a far more pleasing sound;
I grant I never saw a goddess go;
My mistress, when she walks, treads on the ground.
And yet, by heaven, I think my love as rare
As any she belied with false compare.

Dieses Sonett, oft als Sonett 130 bezeichnet, ist eines der berühmtesten von Shakespeare. Es gehört zur Sequenz, die sich an die „Dark Lady“ richtet. Wie viele Sonette der damaligen Zeit behandelt es Themen wie Liebe und Schönheit, aber mit einem deutlich unkonventionellen Ansatz.

Das Gedicht verwendet ein Shakespearesches Reimschema (ABAB CDCD EFEF GG) und ist im Jambischen Fünfheber geschrieben. In den ersten drei Quartetten vergleicht der Sprecher systematisch die Merkmale seiner Geliebten – ihre Augen, Lippen, Haut, Haare, Wangen, ihren Atem, ihre Stimme und ihren Gang – mit konventionellen Schönheitsidealen (Sonne, Koralle, Schnee, Drähte, Rosen, Parfüm, Musik, Göttinnen). Dies geschieht jedoch auf negative, scheinbar wenig schmeichelhafte Weise, indem er feststellt, dass ihre Merkmale diesen Idealen nicht entsprechen. Ihre Augen sind nicht wie die Sonne, ihre Lippen sind weniger rot als Koralle, ihr Atem „stinkt“ („reeks“). Dies erzeugt einen humorvollen und ironischen Ton.

Die Volta, oder Wendung im Gedanken, findet im Schlusskuplett („And yet…“) statt. Hier verschiebt sich der Ton dramatisch. Trotz aller Möglichkeiten, wie seine Geliebte den idealisierten, konventionellen Schönheitsstandards nicht entspricht, erklärt der Sprecher, dass seine Liebe zu ihr so wertvoll („rare“) ist wie die zu jeder Frau, die mit übertriebenen und falschen Vergleichen belogen wurde.

Shakespeares Absicht hier ist wahrscheinlich satirisch. Er verspottet das übermäßige, künstliche Lob, das oft in zeitgenössischen Sonetten zu finden war, wo Dichter extravagante Metaphern verwendeten, um ihre Geliebte zu einem fast göttlichen Status zu erheben. Indem er ein realistisches, ungeschminktes Porträt seiner Geliebten präsentiert und dennoch seine Liebe bekräftigt, legt Shakespeare nahe, dass wahre Liebe die Person so schätzt, wie sie ist, ohne auf unrealistische Vergleiche zurückgreifen zu müssen. Dieses Gedicht ist ein kraftvolles Sonett-Beispiel, das poetische Konventionen herausfordert.

#2: „Shall I Compare Thee To A Summers’ Day?“ von William Shakespeare (Shakespearesches Sonett)

Shall I compare thee to a summer’s day?
Thou art more lovely and more temperate:
Rough winds do shake the darling buds of May,
And summer’s lease hath all too short a date;
Sometime too hot the eye of heaven shines,
And often is his gold complexion dimm'd;
And every fair from fair sometime declines,
By chance or nature’s changing course untrimm'd;
But thy eternal summer shall not fade,
Nor lose possession of that fair thou ow’st;
Nor shall death brag thou wander’st in his shade,
When in eternal lines to time thou grow’st:
So long as men can breathe or eyes can see,
So long lives this, and this gives life to thee.

Sonett 18 ist wohl Shakespeares berühmtestes Sonett und ein erstklassiges Sonett-Beispiel, das Schönheit und Unsterblichkeit feiert. Es folgt der Standard-Shakespeare-Struktur mit einem ABAB CDCD EFEF GG Reimschema und Jambischem Fünfheber.

Der Sprecher beginnt mit einer rhetorischen Frage und schlägt einen Vergleich zwischen dem Adressaten („thee“) und einem Sommertag vor. Das erste Quartett bekräftigt sofort, dass der Adressat „lieblicher und gemäßigter“ ist als der Sommer. Das zweite Quartett erläutert die Unvollkommenheiten und Vergänglichkeit des Sommers: Er ist „rauen Winden“ ausgesetzt, er ist zu kurz, die Sonne kann zu heiß oder gedimmt sein, und seine Schönheit („fair“) lässt schließlich nach durch „Zufall oder den wechselnden Lauf der Natur“. Dies etabliert das Thema der Vergänglichkeit der Schönheit.

Die Volta findet am Anfang des dritten Quartett statt mit der starken Konjunktion „But“. Hier wechselt der Sprecher von der Beschreibung der flüchtigen Natur des Sommers zur Behauptung der ewigen Qualität der Schönheit des Adressaten. Diese Schönheit, beschrieben als „dein ewiger Sommer“, wird weder verblassen noch durch Zeit oder Tod geschmälert werden.

Das Schlusskuplett liefert die Auflösung: Die Unsterblichkeit des Adressaten wird durch das Gedicht selbst gewährt. Solange die Menschheit existiert und lesen kann, wird dieses Sonett leben, und indem es lebt, wird es die Schönheit und Erinnerung des Adressaten am Leben erhalten. Die Zeilen des Gedichts werden zum Gefäß, das die zerstörerische Macht von Zeit und Tod überwindet. Dieses Sonett ist ein klassisches Sonett-Beispiel, das einen scheinbar einfachen Vergleich verwendet, um tiefgründige Themen wie Schönheit, Zeit und die Macht der Kunst zu erforschen.

#3: „That Time Of Year Thou Mayest In Me Behold“ von William Shakespeare (Shakespearesches Sonett)

That time of year thou mayest in me behold
When yellow leaves, or none, or few, do hang
Upon those boughs which shake against the cold,
Bare ruin'd choirs, where late the sweet birds sang.
In me thou see'st the twilight of such day
As after sunset fadeth in the west,
Which by and by black night doth take away,
Death's second self, that seals up all in rest.
In me thou see'st the glowing of such fire
That on the ashes of his youth doth lie,
As the death-bed whereon it must expire,
Consum'd with that which it was nourish'd by.
This thou perceiv'st, which makes thy love more strong,
To love that well which thou must leave ere long.

Sonett 73 ist ein weiteres tiefgründiges Shakespeare-Sonett-Beispiel, das das Thema Altern und Sterblichkeit erforscht und sich an den „Fair Youth“ richtet. Es folgt dem Standard-ABAB CDCD EFEF GG Reimschema und Jambischem Fünfheber.

Jedes der drei Quartette präsentiert eine eigene Metapher für den Zustand des Alterns des Sprechers, signalisiert durch den wiederkehrenden Satz „In me thou see’st“ (In mir siehst du). Das erste Quartett vergleicht sein Alter mit dem späten Herbst oder frühen Winter („jene Jahreszeit“), wenn gelbe, wenige oder keine Blätter an den Zweigen („boughs“) hängen, die gegen die Kälte zittern, nackte Ruinen von Chören, wo einst die süßen Vögel sangen. Das zweite Quartett verwendet die Metapher der Dämmerung, des verblassenden Lichts nach Sonnenuntergang, wenn die Nacht naht, und vergleicht die Nacht mit dem „zweiten Selbst des Todes“, das alles zur Ruhe bringt. Das dritte Quartett vergleicht seine Lebenskraft mit einem sterbenden Feuer („Glühen eines solchen Feuers“), das auf der Asche seiner Jugend liegt, wie ein Sterbebett, auf dem es erlöschen muss, verzehrt von dem, wovon es einst genährt wurde.

Die Volta kommt im Schlusskuplett an: „This thou perceiv’st…“ (Dies nimmst du wahr…). Der Sprecher bemerkt, dass der „Fair Youth“ diese Zeichen des Alterns beobachtet, und diese Wahrnehmung stärkt die Liebe des jungen Mannes. Paradoxerweise macht das Sehen des nahenden Endes des Sprechers den jungen Mann dazu, das, was er bald verlieren wird, umso intensiver zu schätzen und zu lieben.

Shakespeares Verwendung mehrerer, lebendiger Metaphern schafft einen reichen Bildteppich, der die Unvermeidlichkeit von Altern und Tod unterstreicht. Die Verbindung zwischen menschlichem Verfall und natürlichen Zyklen (Jahreszeiten, Tag/Nacht, Feuer) betont die Natürlichkeit dieses Prozesses. Das Gedicht legt nahe, dass die Anerkennung der Vergänglichkeit des Lebens unsere Wertschätzung und Liebe für die Menschen um uns herum vertiefen kann, solange sie noch bei uns sind. Es ist ein bewegendes Sonett-Beispiel, das über den Lauf des Lebens reflektiert.

Ein Sonnenuntergang, der die Metapher des Alterns aus Sonett 73 symbolisiert

#4: „If There Be Nothing New, But That Which Is“ von William Shakespeare (Shakespearesches Sonett)

If there be nothing new, but that which is
Hath been before, how are our brains beguil'd,
Which, labouring for invention, bear amiss
The second burthen of a former child!
O, that record could with a backward look,
Even of five hundred courses of the sun,
Show me your image in some antique book,
Since mind at first in character was done!
That I might see what the old world could say
To this composed wonder of your frame;
Whether we are mended, or whe'r better they,
Or whether revolution be the same.
O! sure I am, the wits of former days
To subjects worse have given admiring praise.

Sonett 59, ein weiteres Sonett-Beispiel aus Shakespeares „Fair Youth“-Sequenz, sinniert über die philosophische Idee der zyklischen Geschichte und die Herausforderung, beispiellose Schönheit zu loben. Es hält sich an die Shakespeare-Struktur (ABAB CDCD EFEF GG) und den Jambischen Fünfheber.

Das Gedicht beginnt mit der Infragestellung des Sprichworts „es gibt nichts Neues unter der Sonne“, das besagt, dass alle Ereignisse und Erfahrungen nur Wiederholungen der Vergangenheit sind. Der Sprecher reflektiert, wie diese Idee seine Versuche frustriert, originelle Wege zu finden, um den „Fair Youth“ zu loben, wodurch sich seine kreativen Bemühungen („labouring for invention“) überflüssig anfühlen. Er fragt sich, ob sein Verstand durch diese Vorstellung der Wiederholung getäuscht („beguil’d“) wird.

Im zweiten Quartett äußert der Sprecher den starken Wunsch, in die Geschichte zurückzublicken, vielleicht 500 Jahre („five hundred courses of the sun“), um zu sehen, ob das Bild oder die Ähnlichkeit des „Fair Youth“ in alten Aufzeichnungen („antique book“) existiert. Dieser Wunsch rührt von der Überzeugung her, dass, wenn sich die Geschichte wirklich wiederholt, sicherlich eine solche Perfektion zuvor existiert haben muss.

Das dritte Quartett erweitert diese Idee und fragt, was die alte Welt über die bemerkenswerte Gestalt des „Fair Youth“ („composed wonder of your frame“) hätte sagen können. Der Sprecher erwägt, ob die Gegenwart eine Verbesserung der Vergangenheit darstellt („ob wir verbessert sind oder ob sie besser waren“) oder ob die Entwicklung einfach dieselbe ist („ob die Revolution dieselbe ist“).

Die Volta und Auflösung kommen im Schlusskuplett. Hier bekräftigt der Sprecher fest seine Überzeugung, dass die Dichter und Denker der Vergangenheit („wits of former days“) schlechtere Subjekte („subjects worse“) gelobt haben müssen. Dies impliziert, dass die Schönheit des „Fair Youth“ tatsächlich etwas wirklich Neues und Unvergleichliches ist und somit die ursprüngliche Prämisse, dass nichts neu ist, zurückweist. Dieses Sonett dient als interessantes Sonett-Beispiel, das philosophische Fragen mit persönlichem Lob verknüpft.

#5: „Not Marble Nor the Gilded Monuments“ von William Shakespeare (Shakespearesches Sonett)

Not marble nor the gilded monuments
Of princes shall outlive this powerful rhyme,
But you shall shine more bright in these contents
Than unswept stone besmeared with sluttish time.
When wasteful war shall statues overturn,
And broils root out the work of masonry,
Nor Mars his sword nor war’s quick fire shall burn
The living record of your memory.
’Gainst death and all-oblivious enmity
Shall you pace forth; your praise shall still find room
Even in the eyes of all posterity
That wear this world out to the ending doom.
So, till the Judgement that yourself arise,
You live in this, and dwell in lovers’ eyes.

Sonett 55 ist ein starkes Sonett-Beispiel von Shakespeare, das sich mit der dauerhaften Macht der Poesie beschäftigt, ihr Thema unsterblich zu machen, wiederum an den „Fair Youth“ gerichtet. Es folgt der Standard-Shakespeare-Struktur (ABAB CDCD EFEF GG) und dem Jambischen Fünfheber.

Der Sprecher beginnt, indem er die Langlebigkeit physischer Denkmäler – prunkvolle Marmor- und Goldstrukturen, die für Herrscher („princes“) errichtet wurden – der dauerhaften Macht seines „powerful rhyme“ (kraftvollen Reimes) gegenüberstellt, was sich auf seine Poesie, insbesondere dieses Sonett, bezieht. Er behauptet, dass sein Vers diese materiellen Objekte überdauern wird, die schließlich abgenutzt („unswept stone besmeared with sluttish time“) oder zerstört werden.

Das zweite Quartett erweitert das Thema der Zerstörung. Es stellt Krieg („wasteful war,“ „broils,“ „Mars his sword,“ „war’s quick fire“) als eine Kraft dar, die Statuen und Mauerwerk niederreißt. Doch der Sprecher versichert, dass Krieg die „lebendige Aufzeichnung deiner Erinnerung“ nicht zerstören kann, die im Gedicht erhalten bleibt.

Das dritte Quartett betont, dass der Adressat durch das Gedicht die Kräfte des „Todes und aller vergessenen Feindschaft“ (der Vergesslichkeit, die die Zeit mit sich bringt) überleben wird. Das Lob, das im Sonett enthalten ist, wird einen Platz („find room“) in den Köpfen und Herzen („eyes“) zukünftiger Generationen („all posterity“) bis zum Ende der Zeit finden.

Die Volta ist im Schlusskuplett subtil vorhanden und liefert die endgültige Aussage der Unsterblichkeit. Der Sprecher schließt, dass bis zum Jüngsten Gericht („Judgement that yourself arise“) der Adressat weiterhin im Gedicht leben („live in this“) und im bewundernden Blick zukünftiger Liebender wohnen wird („dwell in lovers’ eyes“). Dieses Sonett präsentiert eindrucksvoll Poesie als überlegenes und haltbareres Denkmal als jede physische Struktur und ist somit ein klassisches Sonett-Beispiel für die Fähigkeit der Kunst, der Zeit zu trotzen. Sie können weitere Sonett-Beispiele von Studenten erkunden, um zu sehen, wie dieses bleibende Thema auch heute noch erforscht wird.

#6: „How Do I Love Thee?“ von Elizabeth Barrett Browning (Petrarcasches/Italienisches Sonett)

How do I love thee? Let me count the ways.
I love thee to the depth and breadth and height
My soul can reach, when feeling out of sight
For the ends of being and ideal grace.
I love thee to the level of every day's
Most quiet need, by sun and candle-light.
I love thee freely, as men strive for right.
I love thee purely, as they turn from praise.

I love thee with the passion put to use
In my old griefs, and with my childhood's faith.
I love thee with a love I seemed to lose
With my lost saints. I love thee with the breath,
Smiles, tears, of all my life; and, if God choose,
I shall but love thee better after death.

Sonett 43 aus Elizabeth Barrett Brownings Sonnets from the Portuguese (1850) ist ein typisches Sonett-Beispiel in der petrarcaschen oder italienischen Form. Diese Form besteht typischerweise aus einem Oktav (acht Zeilen) mit dem Reimschema ABBAABBA, gefolgt von einem Sestett (sechs Zeilen) mit einem variierenden Reimschema (häufige Muster sind CDECDE, CDCDCD oder CDEDCE). Das Metrum ist Jambischer Fünfheber.

Das Oktav stellt die Frage „Wie liebe ich dich?“ und beginnt sofort, die unzähligen Weisen aufzuzählen, wie der Sprecher den Adressaten liebt. Die Sprecherin beschreibt eine Liebe, die expansiv ist und die Grenzen der Kapazität ihrer Seele erreicht („Tiefe und Breite und Höhe“, die meine Seele erreichen kann). Sie liebt ihn in den gewöhnlichen Momenten des Lebens („auf dem Niveau des alltäglichen / Stillsten Bedürfnisses“) und auf ideale, abstrakte Weise („frei, wie Menschen nach Recht streben“, „rein, wie sie sich von Lob abwenden“).

Die Volta, oder Wendung, findet zwischen dem Oktav und dem Sestett statt. Das Sestett vertieft sich in die Quellen und Intensität ihrer Liebe und zieht Vergleiche aus ihren früheren Erfahrungen. Sie liebt mit einer Leidenschaft, die der in ihren tiefsten Leiden („alte Kummer“) empfundenen entspricht, und mit der einfachen, unzweifelhaften Gewissheit des Glaubens ihrer Kindheit („Glauben meiner Kindheit“). Sie verbindet diese Liebe mit einer einst für verlorene religiöse Figuren empfundenen spirituellen Hingabe („verlorene Heilige“).

Das Gedicht gipfelt in den letzten Zeilen, in denen sie erklärt, dass ihre Liebe ihr gesamtes Wesen umfasst („mit dem Atem, / Lächeln, Tränen meines ganzen Lebens“). Das Sonett endet mit einer kraftvollen Bekräftigung der ewigen Natur der Liebe, indem es feststellt, dass ihre Liebe, wenn Gott es wählt, nach dem Tod nur noch stärker sein wird. Dieses Sonett ist ein meisterhaftes Sonett-Beispiel, das tiefe, vielschichtige romantische Liebe ausdrückt.

#7: „Sonnet 75“ aus Edmund Spensers Amoretti (Spensersches Sonett)

One day I wrote her name upon the strand,
But came the waves and washed it away:
Again I write it with a second hand,
But came the tide, and made my pains his prey.
Vain man, said she, that doest in vain assay,
A mortal thing so to immortalize,
For I myself shall like to this decay,
And eek my name be wiped out likewise.
Not so, (quod I) let baser things devise
To die in dust, but you shall live by fame:
My verse, your virtues rare shall eternize,
And in the heavens write your glorious name.
Where whenas death shall all the world subdue,
Our love shall live, and later life renew.

Sonett 75 aus Edmund Spensers Amoretti (veröffentlicht 1595) ist ein bemerkenswertes Sonett-Beispiel in der Spenserschen Form. Diese Variante unterscheidet sich von der Shakespeare- und Petrarcaschen Form hauptsächlich durch ihr Reimschema, das ineinandergreifend ist: ABAB BCBC CDCD EE. Es behält typischerweise auch den Jambischen Fünfheber bei.

Das erste Quartett beschreibt den Versuch des Sprechers, den Namen seiner Geliebten unsterblich zu machen, indem er ihn an den Meeresstrand („strand“) schrieb, nur damit er von den hereinrollenden Wellen und der Flut immer wieder weggewaschen wurde. Dieses Bild etabliert sofort das Thema der Vergänglichkeit und der Vergeblichkeit, sterbliche Dinge dauerhaft zu machen.

Das zweite Quartett führt einen Dialog ein und gibt der Geliebten eine Stimme. Sie tadelt den Sprecher, nennt ihn „eitel Mann“ („Vain man“), weil er vergeblich („in vain assay“) versucht, etwas Sterbliches unsterblich zu machen. Sie weist darauf hin, dass sie selbst, wie ihr Name im Sand, schließlich vergehen und ebenfalls vergessen werden wird.

Das dritte Quartett enthält die Antwort des Sprechers und die konzeptionelle Volta. Er widerspricht ihrer Behauptung und behauptet, dass, während „niedere Dinge“ vergehen mögen, sie „durch Ruhm leben“ werde. Sein Vers („My verse“), erklärt er, werde ihre seltenen Tugenden unsterblich machen („eternize“) und ihren „glorreichen Namen“ nicht in Sand, sondern „in den Himmel“ schreiben.

Das abschließende Kuplett bekräftigt das Versprechen des Sprechers auf Unsterblichkeit durch den Vers. Wenn der Tod die physische Welt besiegt, wird ihre Liebe, bewahrt in den ewigen Zeilen des Dichters, weiterleben und in den Augen zukünftiger Leser erneuert werden. Dieses Sonett ist ein überzeugendes Sonett-Beispiel, das eine einfache Allegorie verwendet, um die Macht der Poesie über Zeit und Sterblichkeit zu verteidigen.

#8: „When I Consider How My Light is Spent“ von John Milton (Miltonsches Sonett)

When I consider how my light is spent,
Ere half my days, in this dark world and wide,
And that one Talent which is death to hide
Lodged with me useless, though my Soul more bent

To serve therewith my Maker, and present
My true account, lest he returning chide;
“Doth God exact day-labour, light denied?”
I fondly ask. But patience, to prevent

That murmur, soon replies, “God doth not need
Either man’s work or his own gifts; who best
Bear his mild yoke, they serve him best. His state

Is Kingly. Thousands at his bidding speed
And post o’er Land and Ocean without rest:
They also serve who only stand and wait.”

John Miltons „When I Consider How My Light is Spent“ (Sonett 19, veröffentlicht 1673) ist ein berühmtes Sonett-Beispiel in der Miltonschen Form. Das Miltonsches Sonett behält typischerweise die Petrarcasche Struktur eines Oktavs, gefolgt von einem Sestett, oft mit dem Reimschema ABBAABBA CDECDE (oder CDEDCE) bei und verwendet Jambischen Fünfheber. Allerdings lässt Milton oft den Gedanken oder die Satzstruktur über die Zeilenumbrüche und sogar die Trennung zwischen Oktav und Sestett hinweglaufen, was einen einheitlicheren Fluss erzeugt als die deutlichere „Wendung“, die in einigen Petrarcaschen Sonetten zu finden ist.

Das Oktav reflektiert die Betrachtung des Sprechers über sein verlorenes „Licht“, das gemeinhin als sein Augenlicht interpretiert wird (Milton erblindete in der Mitte seines Lebens). Er beklagt, dass seine Sehkraft „aufgebraucht“ („spent“) ist, bevor er auch nur die Hälfte seines Lebens („Ere half my days“) in dieser dunklen und weiten Welt gelebt hat. Er empfindet sein primäres Talent oder seine Fähigkeit (möglicherweise seine Schreibkunst, in Anlehnung an das Gleichnis von den Talenten aus der Bibel) nun als „nutzlos“ in ihm, obwohl seine Seele eifriger („more bent“) ist, seinem Schöpfer („my Maker“) zu dienen und eine wahre Abrechnung zu präsentieren, damit er bei seiner Rückkehr nicht schilt. Er hinterfragt Gott und fragt sich, ob die göttliche Erwartung („exact day-labour“) bestehen bleibt, auch wenn die Fähigkeit zur Arbeit („light denied“) genommen wurde.

Die Volta tritt im Übergang zum Sestett auf (obwohl der Satz weiterläuft). Die personifizierte Gestalt der „Geduld“ („Patience“) greift ein, um die ängstliche Befragung des Sprechers („That murmur“) zu unterbinden. Geduld gibt eine tiefgründige Antwort: Gott braucht weder die Arbeit des Menschen noch seine eigenen Gaben. Wer sein sanftes Joch am besten trägt („Bear his mild yoke“), dient ihm am besten. Sein Zustand („His state“) ist königlich („Is Kingly“). Tausende eilen auf seinen Befehl („at his bidding speed“) und eilen über Land und Meer ohne Ruhe („And post o’er Land and Ocean without rest“): Auch diejenigen dienen, die nur dastehen und warten („They also serve who only stand and wait.“). Dieses Sonett ist ein kraftvolles Sonett-Beispiel, das sich mit Glauben, Behinderung und der Natur des Dienens für Gott auseinandersetzt.

#9: „What My Lips Have Kissed, and Where, and Why“ von Edna St. Vincent Millay (Petrarcasches/Italienisches Sonett)

What lips my lips have kissed, and where, and why,
I have forgotten, and what arms have lain
Under my head till morning; but the rain
Is full of ghosts tonight, that tap and sigh
Upon the glass and listen for reply,
And in my heart there stirs a quiet pain
For unremembered lads that not again
Will turn to me at midnight with a cry.
Thus in winter stands the lonely tree,
Nor knows what birds have vanished one by one,
Yet knows its boughs more silent than before:
I cannot say what loves have come and gone,
I only know that summer sang in me
A little while, that in me sings no more.

Edna St. Vincent Millays „What My Lips Have Kissed, and Where, and Why“ (Sonett 43, veröffentlicht 1923) ist ein ergreifendes Sonett-Beispiel in der Petrarcaschen Form (ABBAABBA CDECDE, obwohl manchmal mit Variationen im Sestett-Reim interpretiert). Es verwendet Jambischen Fünfheber. Dieses Sonett erforscht Themen wie verlorene Liebe, Erinnerung und das Vergehen der Jugend aus einer deutlich modernen und oft als weiblich interpretierten Perspektive.

Das Oktav reflektiert über vergangene romantische Begegnungen. Die Sprecherin gibt zu, dass sie die Details dieser Beziehungen vergessen hat – wessen Lippen sie küsste, wo, warum, oder mit wem sie die Nacht verbrachte. Dieses Vergessen bedeutet jedoch nicht, dass die Vergangenheit völlig abwesend ist. Das Geräusch des Regens wird suggestiv und erfüllt die Nacht mit „Geistern“, die in ihrem Herzen einen „stillen Schmerz“ hervorrufen. Dieser Schmerz gilt nicht den einzelnen Personen („unremembered lads“), sondern den verlorenen Erfahrungen selbst, der Verbindung und Leidenschaft, die nicht wiederkehren werden.

Die Volta tritt am Anfang des Sestetts auf, gekennzeichnet durch „Thus“ (So). Die Sprecherin verwendet ein Gleichnis, um ihren Zustand zu veranschaulichen: Sie ist wie ein einsamer Winterbaum, der sich nicht an die einzelnen Vögel erinnert, die weggeflogen sind, aber weiß, dass seine Zweige jetzt „stiller sind als zuvor“. Dies entspricht ihrer Unfähigkeit, sich an bestimmte Liebhaber zu erinnern, aber ihrem Bewusstsein für die emotionale Stille, die durch ihre Abwesenheit hinterlassen wurde.

Die letzten Zeilen schließen die Reflexion ab. Während sie die Lieben, die gekommen und gegangen sind, nicht benennen kann, weiß sie, dass sie eine Periode intensiven Gefühls mit sich brachten, wie „Sommer in mir sang“, aber dieses lebhafte Gefühl hat nun aufgehört („singt nicht mehr“). Der Schmerz ist keiner des Herzschmerzes über eine einzelne verlorene Liebe, sondern eine wehmütige Melancholie über das Verblassen der Leidenschaft der Jugend und die Anonymität vergangener Verbindungen. Es ist ein bewegendes Sonett-Beispiel über Erinnerung, Verlust und den stillen Schmerz des Vergehens der Zeit.

#10: „Sonnet“ von Billy Collins (Modernes Sonett)

All we need is fourteen lines, well, thirteen now,
and after this next one just a dozen
to launch a little ship on love's storm-tossed seas,
then only ten more left like rows of beans.
How easily it goes unless you get Elizabethan
and insist the iambic bongos must be played
and rhymes positioned at the ends of lines,
one for every station of the cross.
But hang on here while we make the turn
into the final six where all will be resolved,
where longing and heartache will find an end,
where Laura will tell Petrarch to put down his pen,
take off those crazy medieval tights,
blow out the lights, and come at last to bed.

Billy Collins‘ „Sonnet“ (veröffentlicht 1999) ist ein zeitgenössisches Sonett-Beispiel, das spielerisch mit der Form umgeht, die es selbst verkörpert. Obwohl es vierzehn Zeilen hat und einen iambischen Rhythmus (wenn auch locker) und Reim (ein unkonventionelles Muster, das sich ergibt, ungefähr ABCA DEFG HIHJ KK) verwendet, ist sein Thema die Sonettform selbst. Dieser meta-poetische Ansatz ist charakteristisch für einige moderne Poesie.

Der Sprecher, scheinbar im Akt des Schreibens des Gedichts, zählt die Zeilen herunter, während er fortschreitet, und hebt die Anforderung von vierzehn Zeilen hervor. Er bezeichnet das Sonett als ein „kleines Schiff auf den sturmbewegten Meeren der Liebe“ und erkennt die traditionelle Verbindung der Form mit Themen der Liebe an. Er kontrastiert den scheinbar einfachen Akt des Füllens von Zeilen („wie Bohnenreihen“) mit den Beschränkungen der traditionellen Form.

Er bezieht sich explizit auf das „Elizabethanische“ (Shakespearesche) Sonett und macht sich über seine formalen Anforderungen lustig, insbesondere über die „jambischen Bongos“ (Jambischer Fünfheber) und die „am Zeilenende positionierten Reime“. Der Vergleich von Reimen mit „jeder Station des Kreuzwegs“ fügt eine Prise humorvoller Übertreibung hinzu, die suggeriert, dass die Strenge sich wie eine religiöse Verpflichtung anfühlen kann.

Die Volta wird explizit erwähnt („Aber halten Sie sich hier fest, während wir die Wendung machen“), als das Gedicht in seine letzten sechs Zeilen übergeht und die traditionelle Verschiebung zur Auflösung anerkennt. Die angebotene Auflösung ist jedoch eine witzige Subversion traditioneller Sonett-Themen. Anstatt Sehnsucht oder Herzschmerz auf grandiose, abstrakte Weise aufzulösen, stellt sich das Gedicht humorvoll Petrarcas idealisierte Geliebte, Laura, vor, wie sie aus der Rolle fällt und ihm sagt, er solle seinen Stift beiseitelegen, diese verrückten mittelalterlichen Strumpfhosen ausziehen, das Licht ausblasen und endlich ins Bett kommen.

Collins‘ „Sonnet“ ist ein unterhaltsames Sonett-Beispiel, das die Form entmystifiziert, indem es direkt über sie spricht, während es gleichzeitig seine Beherrschung derselben demonstriert. Es zeigt, wie zeitgenössische Dichter sich auf innovative Weise mit klassischen Formen auseinandersetzen können. Um zu sehen, wie andere zeitgenössische Dichter oder Studenten mit diesen Formen umgehen, könnten Sie nach Sonett-Beispielen von Studenten oder Ressourcen zur Formpoesie suchen.

Mehr über Sonette erfahren: Ressourcen

Sonette sind seit Jahrhunderten ein wichtiger Teil der Literaturgeschichte, und es gibt zahlreiche Ressourcen, um Ihr Verständnis und Ihre Wertschätzung dieser Form zu vertiefen. Hier sind einige empfohlene Wege zur weiteren Erkundung, die weitere Sonett-Beispiele und aufschlussreiche Kommentare bieten.

The Poetry Foundation

Die Poetry Foundation ist eine unschätzbare Online-Datenbank, die kostenlosen Zugang zu einer riesigen Sammlung von Gedichten, Dichterbiografien und Artikeln über poetische Formen und Bewegungen bietet. Die Suche nach „sonnet“ auf ihrer Website liefert unzählige Beispiele aus verschiedenen Perioden und von verschiedenen Dichtern, zusammen mit Definitionen, Essays und sogar Audioaufnahmen. Obwohl es sich um eine breite Ressource handelt, bietet ihre umfangreiche Gedichtsammlung reichlich Sonett-Beispiele zum Studium.

Shakespeare’s Sonnets Online

Für diejenigen, die besonders an der elisabethanischen Ära interessiert sind, bietet Shakespeares-sonnets.com den vollständigen Text von Shakespeares 154 Sonetten, zusammen mit detaillierter Zeile-für-Zeile-Analyse, historischem Kontext und Informationen zu den „Fair Youth“- und „Dark Lady“-Sequenzen. Es enthält auch Sonette anderer bemerkenswerter Dichter der Zeit. Diese fokussierte Ressource bietet einen tiefen Einblick in eine Schlüsselperiode für die Sonettform und viele Sonett-Beispiel-Varianten.

The Making of A Sonnet: A Norton Anthology

Diese umfassende Anthologie zeichnet die Entwicklung des Sonetts über fünf Jahrhunderte nach und präsentiert eine breite Palette von Beispielen verschiedener Dichter und Traditionen. Sie enthält kritische Essays und historischen Kontext und bietet eine gründliche akademische Perspektive auf die Entwicklung der Form. Es ist eine ausgezeichnete Ressource für das ernsthafte Studium und bietet eine Vielzahl von Sonett-Beispielen an einem Ort.

Pop Sonnets: Shakespearean Spins On Your Favorite Songs

Dieses Buch bietet einen unterhaltsamen und zugänglichen Einstieg, indem es moderne Popsongs als Shakespeare-Sonette neu interpretiert. Es ist eine kreative Möglichkeit zu sehen, wie die traditionelle Form und Sprache auf zeitgenössische Themen angewendet werden kann, um die Lücke zwischen klassischer Poesie und Populärkultur zu schließen. Obwohl unkonventionell, bietet es ansprechende Sonett-Beispiel-Adaptationen.

Shakespeare’s Sonnets, Retold

Dieses Buch bietet moderne englische Übersetzungen von Shakespeares Sonetten, wobei die ursprünglichen Rhythmen und Reimschemata beibehalten werden, während die Sprache für zeitgenössische Leser zugänglich gemacht wird. Wenn Sie Schwierigkeiten mit elisabethanischem Englisch haben, aber die Wirkung von Shakespeares Sonetten erleben möchten, ermöglicht Ihnen diese Ressource, seine Werke direkter zu schätzen und bietet klare Sonett-Beispiel-Texte.

Wie geht es weiter?

Das Erkunden dieser Sonett-Beispiele und ihrer Analysen ist eine fantastische Möglichkeit, Ihr Verständnis dieser wichtigen Gedichtform aufzubauen. Gedichtanalyse beinhaltet das Identifizieren und Interpretieren verschiedener Elemente. Um Ihre Fähigkeiten weiter zu verfeinern, sollten Sie sich über gängige literarische Mittel und poetische Elemente informieren, die Dichter verwenden, um Bedeutung zu schaffen und Emotionen hervorzurufen.

Das Eintauchen in Konzepte wie Definition einer Strophe in einem Gedicht, Bildsprache, Metapher, Symbolik und Klangelemente wie Assonanz kann Ihnen die Werkzeuge an die Hand geben, um Gedichte zu zerlegen und ihre komplexe Konstruktion zu schätzen. Das Erkennen dieser Elemente in den Sonett-Beispielen, die Sie lesen, wird Ihr Leseerlebnis vertiefen.

Übung ist entscheidend. Lesen Sie weiterhin Sonette und andere Gedichtformen. Je mehr Sie lesen und sich mit verschiedenen Stilen und Perioden auseinandersetzen, desto sicherer werden Sie in der Interpretation poetischer Sprache und Form. Die Untersuchung verschiedener Beispiele für Gedichtformen kann auch die einzigartigen Merkmale des Sonetts hervorheben. Scheuen Sie sich nicht, eigene Interpretationen zu formulieren – Poesie lädt oft zu mehreren Bedeutungsebenen ein.