Die besten Romane 2010-2019: Jenseits der Top 10

Das Ende eines Jahrzehnts bringt unweigerlich eine Reflexion über die kulturelle Landschaft mit sich, die es geprägt hat. Die Zeitspanne zwischen 2010 und 2019 war gekennzeichnet durch bedeutende globale Veränderungen, Ängste und komplexe menschliche Erfahrungen, und die Literatur, insbesondere der Roman, diente als wichtiger Spiegel und als Linse, durch die man diese Zeiten verstehen konnte. Während Listen der absoluten „Romane Top 10“ naturgemäß subjektiv und endlos diskutierbar sind, bietet ein breiterer Blick auf die wirkungsvollsten und handwerklich besten Romane, die in diesem Jahrzehnt veröffentlicht wurden, eine reichere Wertschätzung des literarischen Schaffens dieser Ära.

Eine definitive Liste der besten Romane des Jahrzehnts zu erstellen, ist eine gewaltige Aufgabe. Es wurden viele außergewöhnliche Werke veröffentlicht, die die Grenzen der Form sprengten, vielfältige Themen erforschten und unvergessliche Charaktere hervorbrachten. Es folgt eine Erkundung von etwa zwanzig Romanen, die herausragten, Diskussionen anregten, wichtige Preise gewannen und bei Lesern und Kritikern gleichermaßen tiefe Resonanz fanden. Sie bieten einen umfassenden Überblick, der über eine einfache Top-Ten-Liste hinausgeht, und liefern wertvolle Einblicke für jeden, der die Highlights der Belletristik der 2010er-Jahre sucht.

Diese Auswahl repräsentiert eine Bandbreite an Stilen, Themen und Perspektiven und spiegelt die dynamische Natur der zeitgenössischen englischsprachigen Literatur wider. Von ambitionierten historischen Epen bis hin zu intimen psychologischen Porträts, von satirischen Kritiken bis hin zu eindringlichen Geistergeschichten – diese Bücher zusammen bieten ein fesselndes Bild der Anliegen und der Kunstfertigkeit der Romanschriftsteller des Jahrzehnts.

Die Top Zwanzig

Jennifer Egan, A Visit From the Goon Squad (2010)

Es gibt einige Momente in A Visit From the Goon Squad, die ich nicht vergessen werde. In einem Kapitel wird die ehemalige PR-Expertin Dolly beauftragt, das öffentliche Image eines afrikanischen Diktators, bekannt als „Der General“, mithilfe einer B-List-Schauspielerin namens Kitty Jackson wiederherzustellen. Kittys Aufgabe ist es, neben dem General auf einem Foto zu stehen, aber sie stellt zu viele Fragen zu einem Völkermord und wird ins Gefängnis geworfen. Monate später, so stellt sich heraus, wird die Regierung des Generals zu einer Demokratie, Kitty wird freigelassen und Dolly eröffnet einen Sandwichladen. Dieser Handlungsstrang aus Egans polyphonem, witzigem und oft ergreifendem Buch fasst einige der wiederkehrenden Ideen ihrer Satire zusammen. In Goon Squad, einem Buch mit einer großen Besetzung von Charakteren, dessen Handlung sich über die späten 1970er bis in die 2020er Jahre erstreckt, sind Zeitverschiebungen immer erschütternd – sie können den Körper zerstören, die Erinnerung korrumpieren und Veränderungsprozesse verwischen. Nominell auf den amerikanischen Ruhm-Industriekomplex (insbesondere Rock’n’Roll in der Bay Area) fokussiert, handelt Goon Squad auch sehr stark von Medien-„Spin“, fragmentierten Perspektiven, illusorischen Identitäten und ziellosem Materialismus in einer kapitalistischen Gesellschaft. Obwohl die Prämisse etwas anderes vermuten lässt, steht das Buch nostalgischen Impulsen entschieden skeptisch gegenüber. „Time is a goon“, sagt einer von Egans Charakteren. Die Vergangenheit ist nichts als die Grundlage der gegenwärtigen Desillusionierung über ihre Versprechen – Versprechen von Schönheit, Ruhm, Familie und der Erlangung anderer Ikonen. Goon Squad brachte Egan wohlverdiente Anerkennung ein, darunter den Pulitzer-Preis 2011 und den National Book Critics Circle Award, und festigte ihren Status als eine der einfühlsamsten (und formal experimentellsten) amerikanischen Schriftstellerinnen des 21. Jahrhunderts. –Aaron Robertson, Assistant Editor

David Mitchell, The Thousand Autumns of Jacob de Zoet (2010)

Es ist einfacher, die intellektuell-literarische Atmosphäre einer Ära heraufzubeschwören, wenn sie 30 Jahre zurückliegt, als wenn sie nur ein Jahrzehnt entfernt ist. Es ist schwer, 2010 jetzt zu sehen, während wir darauf warten, dass die Zeit und der Kanon das Objektiv scharfstellen, aber ich habe eine sehr klare Erinnerung an die Offenbarung und die Begeisterung, als ich durch David Mitchells episch-historische Geistergeschichte The Thousand Autumns of Jacob de Zoet raste und mich fragte, ob der Geist von Robert Louis Stevenson kurzzeitig Haruki Murakami besessen hatte. Hier war eine Erinnerung daran, dass die Welt eines Romans – in diesem Fall eine sehr detaillierte Darstellung eines niederländischen Handelspostens im Nagasaki des 18. Jahrhunderts – voller und lebendiger sein kann als unsere eigene, dass sie als Treibhaus für die moralische Vorstellungskraft des Lesers existieren kann.

Es ist schwer zu sagen, was weitere 25 Jahre aus The Thousand Autumns of Jacob de Zoet machen werden. Im Kontext von Mitchells jüngeren Romanen und ihren weltraumopernhaften Exzessen erscheint die Handlung von De Zoet besorgniserregend barock, protzig, sogar. Aber es ist eindeutig das Werk desselben Schriftstellers, der uns den nahezu perfekten Coming-of-Age-Roman Black Swan Green gab, dessen Sprache ähnlich präzise und unerwartet ist, alles im Dienste einer Geschichte, die sich irgendwie selbst zu erzählen scheint, einer wahren Geschichte, die niemals ganz passiert ist. Die komplizierte Handlung und die präzise Sprache können ebenso bewundert werden wie die sorgfältige Handwerkskunst, die in perfekten Sonetttexten zu finden ist. –Jonny Diamond, Editor in Chief

Cover des Buches The Thousand Autumns of Jacob de Zoet von David Mitchell

Denis Johnson, Train Dreams (2011)

Wenn ich beauftragt wäre zu beweisen, dass Literaturpreise ein grausamer Scherz sind und das Leben nichts als ein düsteres und bedeutungsloses Traben zum Grab ist, wäre Exponat A das, was ich die Große Pulitzer-Preis-für-Belletristik-Travestie von 2012 nenne. 2012 war natürlich das Jahr, in dem das Pulitzer-Board (nicht die Jury) entschied, dass kein Buch, das in den vorangegangenen zwölf Monaten veröffentlicht wurde, die prestigeträchtigste Auszeichnung der amerikanischen Literatur verdiente, obwohl die Dreier-Finalisten Denis Johnsons halluzinatorisches Meisterwerk Train Dreams, Karen Russells üppig brillantes Debütroman Swamplandia! und David Foster Wallaces unvollendetes Opus The Pale King umfassten. (Eine Erklärung dafür, wie dies geschehen konnte, wurde von dem Schriftsteller und Jurymitglied von 2012, Michael Cunningham, in einem recht wunderbaren Brief an den New Yorker nach der Nicht-Entscheidung angeboten). Train Dreams mag wohl die perfekteste Novelle des 21. Jahrhunderts sein (sagte er, nachdem er natürlich alle gelesen hatte…). Es ist die beschwörende Geschichte eines Holzfällers und Eisenbahners aus der Zeit um die Jahrhundertwende, Robert Grainier, der seine Familie durch einen Waldbrand verliert und sich tief in die Wälder des Idaho Panhandle zurückzieht, während das Land um ihn herum modernisiert wird. Johnsons knappe, seltsame, elegische Prosa beschwört eine Welt herauf, die sich gleichzeitig alt und vergänglich anfühlt, voller Schönheit und Bedrohung und tiefer Trauer. Wie Anthony Doerr in seiner Rezension in der New York Times schrieb: „Seine Prosa balanciert auf einem Drahtseil zwischen Frieden und Katastrophe, und unter all den besten Momenten der Novelle verläuft Johnson mit Zwillingssträngen der Zärtlichkeit und der Drohung der Gewalt.“ Train Dreams ist ein amerikanisches Epos im Kleinformat, ein visionäres Porträt einer Seele, die von der Zivilisation losgelöst ist, eines Mannes, der stoisch nach seinen eigenen hermetischen Bedingungen im Angesicht einer unvorstellbaren Tragödie durchhält. Eine verwunschene und eindringliche Träumerei. –Dan Sheehan, Book Marks Editor

Julie Otsuka, The Buddha in the Attic (2011)

Julie Otsukas wegweisender (und mit dem PEN/Faulkner Award ausgezeichneter) Roman The Buddha in the Attic beginnt: „Auf dem Schiff waren wir meistens Jungfrauen. Wir hatten langes schwarzes Haar und flache, breite Füße und waren nicht sehr groß. Einige von uns hatten als kleine Mädchen nur Reissuppe gegessen und hatten leicht krumme Beine, und einige von uns waren vierzehn Jahre alt und noch selbst kleine Mädchen.“ So werden wir unseren Erzählerinnen vorgestellt, einer Gruppe japanischer „Picture Brides“. Wir folgen ihnen, wie sie nach Kalifornien immigrieren. Wir sehen hilflos zu, wie sie die Ehemänner treffen, die ihnen versprochen wurden, wie sie versuchen, sich an Amerika anzupassen und Kinder über eine kulturelle Kluft hinweg aufzuziehen. Die kollektive Erzählung in der ersten Person passt wunderbar zum Thema; sie ahmt die Einwanderungserfahrung nach, die Art und Weise, wie „Andere“ oft als gleich betrachtet werden, und die automatische Kameradschaft und Sicherheit, die wir unter denen finden könnten, die unsere Geschichten teilen.

Indem sie aus dem gemeinsamen „wir“ und „die meisten von uns“ und „einige von uns“ heraustritt, schafft Julie Otsuka eine schwindelerregende Entwurzelung, eine Verwirrung der Identität, die der Geschichte gut dient: „…unfähig, uns an unsere eigenen Namen zu erinnern, geschweige denn an die unserer neuen Ehemänner. Erinnern Sie mich noch einmal, ich bin Frau Wer?“ Ihr Timing ist tadellos. Gerade wenn man beginnt, der kollektiven Stimme müde zu werden, für nur ein oder zwei Sätze gibt sie uns ein intimes Detail, ein individuelles Leben, an dem wir uns festhalten können, und es überrascht einen immer, wenn sie es tut, wie eine gebrochene Regel: „Die Jüngste unter uns war zwölf, stammte vom Ostufer des Biwa-Sees und hatte noch nicht angefangen zu bluten.“ Die Spezifität ist herzzerreißend. Man spürt die Absicht hinter jeder Wahl; so selten verwebt ein Buch Stil und Inhalt so brillant.

Cover des Buches The Buddha in the Attic von Julie Otsuka

Der erschütterndste Teil kommt am Ende (SPOILER-WARNUNG!) – wenn es einen plötzlichen Wechsel in der Erzählung gibt. Das „wir“ wird abrupt zu den weißen Amerikanern, die übrig bleiben, um die Geschichte zu erzählen, nachdem ihre japanischen Nachbarn in Internierungslager geschickt wurden. Es ist beklemmend und erschreckend präzise, die Art und Weise, wie ihnen in dieser Geschichte buchstäblich die Stimmen genommen werden. Ich habe diesen Roman viele Male erneut gelesen, um zu verstehen, wie er einen so weiten Horizont umfassen kann. Was Julie Otsuka hier erreicht hat, ist sowohl ein kunstvolles, intimes Porträt individueller Leben als auch eine scharfe Anklage der Geschichte. Die Tiefe der menschlichen Erfahrung und der kollektiven Identität, die hier erforscht wird, resoniert mit Themen, die oft in poetischen Erzählungen zu finden sind. –Katie Yee, Book Marks Assistant Editor

Téa Obreht, The Tiger’s Wife (2011)

Obwohl es 2011 erschien, habe ich The Tiger’s Wife, den eleganten ersten Roman von Téa Obreht, erst kürzlich gelesen. Ich fand ihn atemberaubend, so perfekt bewegend auf seinen vielen Ebenen. Obrehts Protagonistin und Erzählerin, eine junge Ärztin namens Natalia Stefanovic, deren Leben durch den mysteriösen Tod ihres geliebten Großvaters auf den Kopf gestellt wird, ist eine der wohlklingendsten, fesselndsten Geschichtenerzählerinnen, die ich je in meinem Leben kennengelernt habe (sie hat gut gelernt – ihr Großvater ist einer der wohlklingendsten, fesselndsten Geschichtenerzähler, die sie in ihrem Leben kennengelernt hat). Ihre Erzählung erinnert und schmerzt um ihren geliebten Menschen auf eine Weise, die sowohl poetisch als auch nachvollziehbar ist; sie verbindet sich hauptsächlich über einen Text mit seiner Erinnerung und versucht, mit seiner geliebten Ausgabe von Das Dschungelbuch das Rätsel um seine letzten Tage sowie um sein Innenleben zu lösen. Ich empfand The Tiger’s Wife auch als sehr persönlich – Obreht wurde im ehemaligen Jugoslawien geboren, und The Tiger’s Wife spielt auf dem Balkan, unmittelbar nach dem Krieg. Auch meine Familie stammt aus dem ehemaligen Jugoslawien (wo ich in meiner Kindheit viel Zeit verbrachte), und obwohl mein Leben in Amerika (und mein Alter) mich daran gehindert hat, die Turbulenzen der Region aus erster Hand tief zu erleben, bewunderte und schätzte ich, wie Obrehts Buch die Taten des Sammelns und Erinnerns über die jüngste Narbenbildung und Zersplitterung dieser Region vollzieht – dieser Region, die in der Geschichte so oft vernarbt und zersplittert wurde. (Und es ließ mich an meinen eigenen Großvater denken, einen weiteren jugoslawischen Geschichtenerzähler, mit dem ich einen Großteil meiner Kindheit damit verbrachte, von Tieren zu träumen).

„Sammeln und Erinnern“ sind jedoch mehr als fließende Themen des Romans – sie bilden seine Methodik. Vielleicht inspiriert von der Form des Dschungelbuchs, aber auch von einer Kultur, die so viele Legenden und Glaubensvorstellungen (sowohl östliche als auch westliche) in sich aufnimmt, beginnt Natalia, Fabeln und Geschichten und Rückblenden in ihre Geschichte einzuweben – eine Verbindung einer älteren, abergläubischen und magischen Welt und einer düsteren, modernen und desillusionierten Zeit. Sie tut dies als Mittel für den Leser, aber auch, weil sie sich in ihrem eigenen Leben entfalten, während sie die vollständige Geschichte ihres Großvaters erfährt und auf eine Weise selbst wird, inspiriert von der Magie all dessen. Die Art, wie Obreht persönliche Geschichte und kulturellen Mythos verwebt, spiegelt die lyrische Struktur wider, die manchmal in der Poesie zu finden ist. –Olivia Rutigliano, CrimeReads Editorial Fellow

Jesmyn Ward, Salvage the Bones (2012)

Das meiste, was mir Jahre nach dem Lesen von Jesmyn Wards zweitem Roman in Erinnerung geblieben ist, ist impressionistisch. Eines der letzten Bilder in Salvage the Bones zeigt den Vater der 14-jährigen Protagonistin Esche, wie er den anfänglichen Aufprall des Hurrikans Katrina auf dem Dachboden ihres überfluteten Hauses übersteht. Sie wurden von der Familienhündin China und ihrem Wurf Welpen getrennt; Esches Vater beschließt, dort zu bleiben, bis China zurückkehrt. Wards Geschichte handelt hauptsächlich von Fürsorge; die Schlankheit des Buches und der kleine Rahmen – ein Vater und seine Kinder bereiten sich auf einen Hurrikan vor, vor dem die Leute warnen – verbergen die Ungeheuerlichkeit dessen, was Ward mit diesem National Book Award-gekrönten Roman erreichen wollte. Wir alle haben zumindest eine Vorstellung von der katastrophalen Reaktion auf Katrina und was sie über die Regierungsinfrastruktur und die Kurzsichtigkeit in Bezug auf farbige Gemeinschaften im Besonderen offenbarte. Katrina ist die kostspieligste Naturkatastrophe in der Geschichte der USA, und als Salvage the Bones veröffentlicht wurde, waren die langfristigen psychischen und materiellen Kosten des Hurrikans in mancher Hinsicht leichter zu sehen, obwohl sie auch weitgehend in einem übersättigten Medienmarkt verloren gingen. China und die Welpen sind nicht nur Ornamente, die Ward einfügt, sondern tatsächlich zentral für die Identität einer armen schwarzen Familie in der fiktiven Mississippi-Golfstadt Bois Sauvage. Chinas „Mutterschaft“ ist eine Quelle der Stärke für Esche, die selbst stillschweigend schwanger ist; Esches älterer Bruder, Skeetah, hofft, die Welpen eines Tages als Kampftiere zu verkaufen – eine Entscheidung, die eher von wirtschaftlicher Verzweiflung als von gefühlloser Gleichgültigkeit motiviert ist. Ward wollte ausdrücklich die Leser an die Würde, das Leid und die Hoffnung farbiger Familien inmitten einer der größten Katastrophen unserer Zeit erinnern. –Aaron Robertson, Assistant Editor

Cover des Buches Salvage the Bones von Jesmyn Ward

Rachel Kushner, The Flamethrowers (2013)

Rachel Kushners Meisterwerk aus dem Jahr 2013 hat den Vorteil, sowohl episch in seiner historischen Breite als auch äußerst, scharf spezifisch in seiner Charakterisierung, Beobachtung und letztendlich in seinen ästhetischen Zielen zu sein. Die Geschichte ist gleichzeitig zu weitläufig, um ihr in wenigen Zeilen gerecht zu werden, und entwaffnend einfach. Eine Frau zieht in den 1970er Jahren nach New York City, bereit zu erschaffen. Sie ist Künstlerin. Sie gerät in Künstlerkreise und findet sich vielleicht zu sehr unter dem Einfluss eines älteren Mannes, eines erfolgreichen Künstlers und Erben eines italienischen Reifen-/Motorradvermögens. Der Roman ist ein Strom von erinnerten Gesprächen, abklingenden und wiederkehrenden Drängen, Eindrücken. Reno, wie die Protagonistin genannt wird, reist in die westlichen Salzebenen, stürzt mit einem Motorrad, fordert einen Geschwindigkeitsrekord heraus. Dann ist sie in Italien, angrenzend an extremen Luxus und Reichtum; danach ist sie auf den Straßen, verstrickt in Unruhen und eine aufkeimende Aktivistenkultur auf Kollisionskurs mit ihrer Vergangenheit.

Durchweg herrscht ein unheimliches Gefühl der Bestimmung, teils, weil wir wissen, dass sie wichtige moderne historische Epen durchlebt, aber auch wegen der traumhaften Anmut von Kushners Prosa. „Ich tat das, was Verliebte tun“, schreibt Kushner durch Reno, „nähte Schicksal auf die Person, die wir an uns genäht haben wollen.“ In anderen Momenten wird die Schrift steinhart und viszeral. Eine Welt breitet sich vor uns und vor Reno aus, und wir können nicht anders, als dem Weg zu folgen, wissend, dass er voller Fehler, kleiner und großer Grausamkeiten und Schmerz ist. Aber es liegt auch eine Elektrizität darin. Dieses Buch handelt letztendlich von Kunst, diesem tief menschlichen Thema. Die Intensität der Prosa, die Mischung aus Anmut und viszeralen Details, fängt die Tiefe menschlicher Emotionen ein, ähnlich wie ein kraftvolles Sonett-Beispiel über die Liebe komplexe Gefühle erforschen könnte. –Dwyer Murphy, CrimeReads Managing Editor

Cover des Buches The Flamethrowers von Rachel Kushner

Miriam Toews, All My Puny Sorrows (2014)

Wie selten ist es, auf einen Roman zu stoßen, der bei seinem Leser eine körperliche Reaktion hervorruft? All My Puny Sorrows deckt die gesamte Palette der Emotionen ab. Miriam Toews wird Sie in der einen Minute laut lachen lassen und in der nächsten auf dem U-Bahn-Bahnsteig schluchzen. Ihr Roman erzählt die Geschichte von Elf und Yoli, zwei Schwestern mit einer unglaublichen Bindung, obwohl sie sehr unterschiedliche Leben führen. Äußerlich betrachtet ist Elf die erfolgreiche Schwester. Sie ist eine weltberühmte Klaviervirtuosin. Sie ist reich und glücklich verheiratet. Yoli ist nichts davon. Stattdessen kämpft sie damit, jemanden zu lieben, der nicht mehr leben will. Und so finden wir uns hier, im Raum mit diesen beiden unzertrennlichen Schwestern, im Nachgang von Elfs Selbstmordversuch. Die Art, wie Miriam Toews ihre Traurigkeit beschreibt, ist eindringlich: „Dann erzählt mir Elf, dass sie ein gläsernes Klavier in sich hat. Sie hat furchtbare Angst, dass es zerbrechen wird. Sie darf es nicht zerbrechen lassen. Sie erzählt mir, dass es rechts unten an ihrem Bauch eingeklemmt ist, dass sie manchmal die harten Kanten spürt, wie sie gegen ihre Haut drücken.“ (Ich habe diesen Roman vor Monaten gelesen und denke immer noch oft an das gläserne Klavier. Es ist in seiner Spezifität so denkwürdig! Es ist so seltsam und einzigartig, dass es nur aus dem Mund dieser wunderbar vielschichtigen, überraschenden Figur stammen konnte.)

Aber es ist nicht nur Kummer! Es trifft alle Töne. Gezeigt durch einige Rückblenden auf die mennonitische Erziehung der Schwestern und überleitend zu ihrer grausamen Gegenwart, sind die Intimitäten ihrer Beziehung eine rettende Gnade, ein Seufzer der Erleichterung. Miriam Toews hat ein Ohr für Dialoge. Elf und Yoli reden wie Schwestern aus Fleisch und Blut. Die Details sind punktgenau. Irgendwann sprechen sie von ihren Plänen, „Holz zu hacken, Wasser zu pumpen, zu fischen, Klavier zu spielen, zusammen Lieder aus den Soundtracks von Jesus Christ Superstar und Les Miserables zu singen, unsere Vergangenheiten neu zu gestalten und auf das Ende der Welt zu warten.“ Es gibt eine Version dieser Geschichte, mit weniger sorgfältig ausgearbeiteten Strichen gemalt, die klischeehaft herauskommt. Aber Miriam Toews ist eine Meisterin darin, die Details herauszuarbeiten, die die Geschichte voll und unerwartet machen. Die emotionale Tiefe und die scharfen Details resonieren tief mit den Lesern. –Katie Yee, Book Marks Assistant Editor

Jenny Offill, Dept. of Speculation (2014)

Es ist möglich, Jenny Offills zweiten Roman, Dept. of Speculation, an einem Tag zu lesen. Tatsächlich ist es schwieriger, es nicht zu tun, da Sie nicht aufhören wollen zu lesen, sobald Sie begonnen haben. Als ich ihn zum ersten Mal las, erinnere ich mich, von der Form geblendet gewesen zu sein: eine Abfolge kurzer Absätze, manchmal zusammenhängend mit den umliegenden, manchmal angeblich eigenständig, jeder ein Ruck von Intelligenz oder Gefühl. Hier ist derjenige, den alle zitieren:

Mein Plan war, niemals zu heiraten. Stattdessen wollte ich ein Kunstmonster werden. Frauen werden fast nie Kunstmonster, weil Kunstmonster sich nur mit Kunst beschäftigen, niemals mit banalen Dingen. Nabokov hat nicht einmal seinen eigenen Schirm zusammengelegt. Vera hat seine Briefmarken für ihn geleckt.

Der Roman ist gefüllt mit solchen Anekdoten, und auch mit Sprichwörtern oder literarischen Zitaten, wie diesem, das ich jedes Mal in mein Notizbuch geschrieben habe, wenn ich dieses Buch gelesen habe:

Was Rilke sagte: Ich möchte bei denen sein, die Geheimnisse kennen, oder sonst allein.

Als ich es zum zweiten Mal las, war ich untröstlich über die Geschichte, jeden einzelnen Teil davon: die Schriftstellerin, die sich (zu viel?) für ihre Familie opfert, die Ehefrau, deren Mann fremdgegangen ist, die Frau, die wieder aufbaut. Es ist die Qualität des Geistes, die Offill schafft, die diesen Roman so außergewöhnlich macht, die mich dazu bringt, darin leben zu wollen.

Cover des Buches Dept. of Speculation von Jenny Offill

Als ich es zum dritten Mal las, wurde mir klar, dass dies einer der wenigen Romane ist, den ich sowohl formal spannend als auch emotional verheerend finde – auf eine gute Weise. Die meisten Schriftsteller schaffen entweder das eine oder das andere, aber Offill macht es richtig: Sie benutzt die Form, um dich richtig umzuhauen. Die fragmentierte Struktur des Romans und seine scharfen Einblicke in Leben, Ehe und Kunst bieten ein einzigartiges Leseerlebnis, ähnlich wie das Erkunden der konzentrierten Emotionen in einem Beispiel-Sonettgedicht.

PS: Für diejenigen, die, wie ich, dieses Buch schon zu oft gelesen haben, freue ich mich, Ihnen mitteilen zu können, dass Offills bevorstehendes Buch Weather genauso brillant und wunderbar ist wie Dept. of Speculation, aber es tauscht Ehe gegen Klimawandel/existenzielle Unruhe als Hauptthema aus, was es genau zu der Art von Buch macht, die wir gerade brauchen. –Emily Temple, Senior Editor

Paul Beatty, The Sellout (2015)

Es ist schwer, mir einen Roman zu verkaufen, der nicht lustig ist. Für mich fehlt Belletristik ohne Humor ein wesentlicher Teil der menschlichen Erfahrung. Paul Beattys Booker Prize-prämiertes Meisterwerk ist einer der lustigsten – und menschlichsten – Romane, die ich je gelesen habe. Nicht nur das, es gab mir ein Gefühl völliger Genugtuung dafür, dass ich auf Komödie bestanden hatte. The Sellout ist so scharf, dass Sie vielleicht gar nicht bemerken, dass es Sie getroffen hat, bis Sie sich schon ohnmächtig fühlen. Es ist eine Kombination aus lauthals lachender Komödie, präziser Sozialkritik (verwurzelt in einem tiefen Geschichtsverständnis) und einer literarischen Tour de Force. Es ist so gut, dass ich den Ausdruck „Tour de Force“ verwenden musste. Die Mission des Erzählers von The Sellout, eines schwarzen Mannes, ist es, die (offizielle) Rassentrennung in seiner ländlichen Nachbarschaft im innerstädtischen Los Angeles wieder einzuführen, nachdem sie auf mysteriöse Weise von der Landkarte verschwunden ist. Der Roman beginnt passenderweise damit, dass der Erzähler in den Gängen des Supreme Court einen Joint anzündet, wo sein Wieder-Rassentrennungs-Vorhaben ihn hingebracht hat. Wie Kevin Young in seiner Rezension schrieb: „Beatty hat dieselbe Freude daran, das Heilige niederzureißen, nicht so sehr schmutzige Wäsche zu lüften, als sie vor Ihnen zu beschmutzen.“ Aber The Sellout feiert genauso viel wie es verbrennt. Es ist, zusätzlich zu einem der großartigen satirischen Romane des Jahrzehnts und vielleicht aller Zeiten, eine Feier des Schwarzseins in einer angeblich post-rassischen Ära (man beachte, dies war 2015). –Jessie Gaynor, Social Media Editor

Viet Thanh Nguyen, The Sympathizer (2015)

Als Roman ist The Sympathizer ein brodelnder, düster komischer, treibender literarischer Thriller, der in der unmittelbaren Nachkriegszeit des Vietnamkriegs spielt, während ein Maulwurf Nordvietnams die exilierte südvietnamesische Regierung in Südkalifornien überwacht – es ist fesselnde Lektüre, eindrucksvoll in seiner Sprache, unvergesslich in seiner Bildsprache. Aber es ist mehr als das. Indem ich einfach die Worte „Vietnamkrieg“ schreibe, kann ich eine ganze amerikanische Mythologie heraufbeschwören, das 40-jährige kulturelle Nebenprodukt von so viel nicht-ganz-Propaganda/nicht-ganz-Kunst: langhaarige Demonstranten auf den Straßen, Rustbelt-GIs, die durch dampfende Dschungel waten, eine Schar rüttelnder Hubschrauber vor einer riesigen fremden Sonne, gebrochene Männer, die in ein Land zurückkehren, das sie nicht will… Dies ist die „amerikanische“ Version des Krieges, eine Geschichte, die wir „uns selbst“ erzählt haben und die, obwohl nicht besonders schmeichelhaft, so engstirnig und kurzsichtig ist wie jedes Lagerfeuer-Epos.

Cover des Buches The Sympathizer von Viet Thanh Nguyen

Also versuchen wir es anders: The Sympathizer ist ein amerikanischer Roman über einen amerikanischen Krieg, einen verheerenden und unnötigen Konflikt, der Hunderttausende von Flüchtlingen hervorbrachte, neue Amerikaner (wir waren alle irgendwann neu hier), die im Reich, das sie vertrieben hatte, eine Heimat fanden und es besser gemacht haben. Unsere kulturelle Darstellung des amerikanischen Krieges in Vietnam war nie vollständig „unsere“, weil sie die Perspektiven dieser Flüchtlinge und ihrer Nachkommen vernachlässigt und aktiv ausgeschlossen hat. The Sympathizer ist ein vitales Kunstwerk, das beginnt, dieses Ungleichgewicht zu beheben. Die Erforschung komplexer Identität und verborgener Wahrheiten innerhalb der Erzählung bietet einen Einblick in die vielfältigen Perspektiven, die in verschiedenen literarischen Formen zu finden sind, einschließlich verschiedener Sonettbeispiele, die in persönliche und universelle Themen eintauchen. –Jonny Diamond, Editor in Chief

Hanya Yanagihara, A Little Life (2015)

A Little Life ist ein polarisierendes Buch. Es gibt diejenigen, die es lieben, die es hassen, und die ihre gesamte Leseerfahrung zwischen diesen Extremen schwanken. Als einer der Befürworter des Buches erlebte selbst ich Momente, in denen ich das Buch am liebsten durch den Raum geworfen hätte. Aber die Brillanz dieses Buches liegt in dem unerträglichen Leiden, das es seinen Charakteren zufügt; wenn die Bibel davon handelte, wie man die willkürlichen Strafen eines zornigen Herrn für Figuren wie Hiob überlebt, dann handelt A Little Life davon, wie man mit Hiob befreundet bleibt, ohne Hiob zu zwingen, nun ja, besser zu werden.

A Little Life folgt vier College-Freunden durch die Höhen und Tiefen ihres Lebens im New York City der jeweiligen Zeit, konzentriert sich aber hauptsächlich auf Jude, den Überlebenden einer unvorstellbaren Kindheit, die in den erschütterndsten Abschnitten des Buches düster detailliert beschrieben wird. (Während viele die Tiefe des Leidens in A Little Life in ihren Extremen als unglaubwürdig empfinden würden, sagte Hanya Yanagihara bei einem Buchhändlertreffen, an dem ich teilnahm, dass sie seit der Veröffentlichung reichlich Post erhalten habe, die das Gegenteil vermuten ließe.) All dieses Leiden bereitet Jude auf einen zentralen Konflikt zwischen seinen Freunden, die ihn glücklich sehen wollen, und seinem eigenen Verständnis vor, dass das Beste, was er anstreben kann, nicht Glück, sondern einfach nur… Sein ist.

Für mich war die Plausibilität des Textes zweitrangig. Mein Respekt vor dem Roman gründet eher in der Rückkehr des Buches zu emotionalen Erzählungen im Stil des 19. Jahrhunderts, im Gegensatz zur hypermaskulinen Moderne des Amerikas der Mitte des Jahrhunderts, die auf kurze Sätze aus der Perspektive aufkeimender Psychopathen bestand (ja, das war ein Seitenhieb auf Hemingway). Es ist auch eine Abkehr vom üblichen „Misery Memoir“ mit seinem glücklichen Heilungsprozess zugunsten einer düster realistischen Darstellung des langen Schattens von Traumata. A Little Life gibt mir alle Gefühle, bietet aber keine einfachen Antworten, und das ist es für mich, was gute Literatur ausmacht. –Molly Odintz, CrimeReads Associate Editor

N. K. Jemisin, The Fifth Season (2015)

Es ist nicht immer möglich zu erkennen, dass ein Roman großartig ist, während man ihn liest. Ich meine, offensichtlich kann man normalerweise erkennen, ob man etwas mag, aber für mich weiß man erst, dass ein Roman großartig (mit großem G) ist, wenn man Wochen oder Monate oder Jahre nach dem ersten Lesen immer noch darüber nachdenkt. Die meisten Bücher, selbst reizvolle und brillante, bestehen diesen Test zumindest für mich nicht. Aber ich denke seit einigen Jahren, seit ich es gelesen habe, mindestens wöchentlich über N. K. Jemisins The Fifth Season (und seine beiden Fortsetzungen, The Obelisk Gate und The Stone Sky) nach.

Vielleicht ist es unfair. Der Roman stellt sich eine alternative Erde vor, die periodisch durch apokalyptisches Wetter auseinandergerissen wird – wie erstickende Asche, saure Wolken, Pilzblüten, mineralisch bedingte Dunkelheit, magnetische Polverschiebungen – das Jahrzehnte dauert und oft die Menschheit vollständig auszulöschen droht. Man kann also sehen, wie es heutzutage in den Sinn kommen könnte.

Cover des Buches The Fifth Season von N. K. Jemisin

Aber ich denke auch wegen seines unglaublichen Worldbuildings daran, wegen seiner leider relevanten Kulturkritik (Kastensysteme, Machtstrukturen, Angst und Unterdrückung des Anderen oder Unbekannten, insbesondere wenn dieser unbekannte Andere traumhafte Fähigkeiten besitzt) und wegen seiner unvergesslichen Charaktere, insbesondere natürlich Essun, mit all ihrer Wut und Angst und Stärke und Sanftheit und Macht. Ich liebe sie.

Und hey, wenn Sie mir nicht glauben wollen, bedenken Sie, dass alle drei Bücher der Broken Earth-Reihe Hugos gewonnen haben. Alle drei. –Emily Temple, Senior Editor

Rachel Cusk, Outline (2015)

Die Textur von Rachel Cusks Prosa in Outline (und in den beiden Fortsetzungen des Romans, Transit und Kudos) fühlt sich anders an als alles, was Sie je zuvor gelesen haben. Es ist angeblich ein Roman über eine Frau, die in Athen kreatives Schreiben unterrichtet, aber es ist eigentlich nur eine Reihe von Gesprächen – wichtig ist, dass es sich um Gespräche handelt, wie sie sich daran erinnert, gefiltert durch mehrere Schichten. Es gibt keine wirkliche Handlung, und ich kann nicht ganz beschreiben, warum der Roman so fesselnd ist. Wahrscheinlich, weil er, wie Heidi Julavits es ausdrückte, „tödlich intelligent… Verbringen Sie viel Zeit mit diesem Roman, und Sie werden davon überzeugt sein [Cusk] sei eine der klügsten lebenden Schriftstellerinnen. Die geistige Klarheit ihrer Erzählerin kann so gefährlich eindringlich wirken, dass ein Leser die gleiche Gefahr einer Invasion und Enthüllung fürchten könnte.“ Das reicht aus.

Einmal, in der U-Bahn, sah ich eine junge Frau, die Transit las, und einen jungen Mann, der Outline las, beide in den ansprechenden Picador-Ausgaben. Sie standen sehr nah beieinander, aber sie waren voneinander abgewandt und schienen nicht zusammen zu gehören. Es kostete mich all meine Kraft, nicht aufzustehen und an ihren Ärmeln zu ziehen – nicht nur wegen des perfekten Meet-Cute, sondern weil sich diese Bücher wie eine Art Shibboleth anfühlen, jene seltene künstlerische Konsumation, die einem tatsächlich etwas über eine Person sagen könnte, und wie ihr Geist funktioniert, und die Wege, ihr Herz zu erreichen. Ich stieg aus, bevor einer von ihnen es tat. Ich hoffe, sie drehten sich um und fanden einander. Die scharfen, aufschlussreichen Beobachtungen, die sich durch Cusks Prosa ziehen, teilen eine gewisse Intensität und Fokussierung mit der konzentrierten Form eines Terzetts. Sie können ein Terzett-Beispiel in der Poesie sehen, um diese Art destillierten Ausdrucks zu würdigen. –Emily Temple, Senior Editor

Colson Whitehead, The Underground Railroad (2016)

Colson Whiteheads Roman aus dem Jahr 2016 ist, wie man im Geschäft sagt, ein sicherer Kandidat für diese Liste. Er gewann den Pulitzer, den National Book Award, den Arthur C. Clark Award und die Andrew Carnegie Medal for Excellence. Er war auf der Longlist für den Booker Prize. Natürlich war er auch ein riesiger Bestseller und erhielt fast einstimmiges Lob von Kritikern. Oprah wählte ihn für ihren Buchclub aus. Barry Jenkins adaptiert ihn zu einer Fernsehserie. Besser geht es kaum.

Cover des Buches The Underground Railroad von Colson Whitehead

Aber, warum, könnten Sie fragen, wenn Sie es durch einen seltsamen Zufall noch nicht selbst gelesen haben? Nun, es ist zugänglich, unterhaltsam und charakterreich, und es erinnert uns auch an einige unbequeme, aber notwendige Wahrheiten über Amerika und seine Geschichte. (Obwohl wohlgemerkt nicht daran, dass es im 19. Jahrhundert buchstäblich eine kohlebefeuerte Eisenbahn unter der Erde gab – ich meine, wohin sollte der Rauch gehen?) Es hat die Intensität, Unmittelbarkeit und hohe Einsätze jeder Fluchterzählung von Sklaven – buchstäblich Leben oder Tod –, was es zu einem fesselnden Pageturner macht, aber es wurde auch von dem talentierten und anpassungsfähigen Colson Whitehead geschrieben, der scheinbar jedes Genre und jeden Stil bewältigen kann, von historischer Fiktion über Bildungsroman bis hin zu Zombies, und es leicht aussehen lässt. Alles, was wir verlangen können, ist, dass er damit weitermacht. –Emily Temple, Senior Editor

Adam Haslett, Imagine Me Gone (2016)

Das war einer dieser Romane, die man mir mehrmals ans Herz legen musste. Ich wollte einfach kein trauriges Buch über Depressionen lesen! Und um fair zu sein… es ist traurig. Aber selbst so hatte ich Unrecht, Widerstand zu leisten, und das gilt auch für Sie, wenn Sie dieses verpasst haben.

Adam Hasletts zweiter Roman ist ein vollständiges und ehrliches Porträt einer Familie und der psychischen Krankheit, die ihre Mitglieder heimsucht – manche genetisch, andere nur durch Erfahrung. Es ist nicht komplizierter als das – es gibt keinen Haken, keinen hochtrabenden Twist, nur die Geschichte einer Familie, erzählt über die Jahre und durch die Linse jedes Mitglieds: John, Margaret und ihre (erwachsenen) Kinder Michael, Celia und Alec. Michael ist der intensivste Erzähler und derjenige, der das „Biest“ seines Vaters geerbt hat, obwohl es sich bei ihm in einen obsessiven, endlos variierenden Meister verwandelt hat. Tatsächlich taucht Michaels Schreiben ziemlich oft im Roman auf, und es ist einer der besten Teile des Buches – eine direkte Linse, sozusagen, in einen höchst ungewöhnlichen Geist.

Cover des Buches Imagine Me Gone von Adam Haslett

Durchweg ist die Schrift perfekt kalibriert, wechselt im Ton zwischen den Charakteren, ist aber immer erhaben, sogar lieblich. Doch die beeindruckendste Leistung ist die Empathie, mit der Haslett diese Familie aufrollt, und die Zärtlichkeit, mit der er über Liebe in all ihren Formen schreibt. Dies ist ein bemerkenswerter Roman und eines der besten Beispiele in jüngster Zeit für eine bestimmte literarische Art: leise, bewegend, immersiv, schön. Die Erkundung von Liebe und Schmerz in diesem Roman fängt, auch wenn nicht in Versen, emotionale Landschaften ein, die die Poesie oft mit Präzision erforscht. Bedenken Sie, wie ein Sonett-Beispiel über die Liebe ähnliche Themen destillieren könnte. –Emily Temple, Senior Editor

Richard Powers, The Overstory (2018)

Viel wurde über Richard Powers’ Heraufbeschwörung der tiefen Zeit der Bäume geschrieben. Wie Ökologen, Botaniker und Feldbiologen seit Jahrzehnten versuchen, uns zu sagen, sind Bäume auf Weisen lebendig, die dem, was wir als Empfindungsfähigkeit betrachten, viel näher sind, als man dachte.

Und obwohl sie durchaus Charaktere in Bestseller-Sachbüchern sein können (Peter Wohllebens Das geheime Leben der Bäume fällt mir da ein), können sie Charaktere in einem Roman sein? Ja und nein. Während Powers mehrere wiederkehrende Baumcharaktere einführt – eine landumschlossene und einsame Kastanie, die die Generationen einer einzigen Familie misst, ein monumental riesiger Mammutbaum, der Heimat von Öko-Aktivisten ist –, wird die bleibende Bedeutung dieses elegischen Epos des Klimakollapses darin liegen, wie es Umweltaktivismus ernst nimmt. Powers‘ menschliche Charaktere sind untröstlich über die Zerstörung des Planeten, und sie handeln dementsprechend auf all die chaotischen, komplizierten Weisen, die man von Nicht-Bäumen erwarten würde; aber sie werden ernst genommen – sie sind keine schrulligen Franzonianischen Statisten, die zur Würze der Radikalität in die Erzählung gestreut werden. Hier ist ein Roman, der Schichten von Trauer und stiller Hoffnung in sich trägt; seine Anliegen sind unsere, seine Charaktere sind wir. Tiefe Zeit für dunkle Zeiten. –Jonny Diamond, Editor in Chief

Cover des Buches The Overstory von Richard Powers

Hernan Díaz, In the Distance (2018)

Von Anfang an sind wir in Hernan Diaz‘ listigem Western Noir an seinen Hauptcharakter gefesselt, einen jugendlichen schwedischen Einwanderer namens Hakan, als ob an den Mast eines dem Untergang geweihten Schiffes: Wir sehen, was er sieht, kämpfen uns durch dasselbe raue Wetter; wir driften durch seine düsteren Sargassosees, verzweifelt nach jenem Landstreifen am Horizont, der Erholung verspricht. Diaz‘ detaillierte Verfolgung von Hakan in der dritten Person macht seine gefühlte Verlorenheit zu unserer: Wir wissen, dass er auf dem Weg nach New York von seinem Bruder getrennt wurde, wir wissen, dass er nie eine Stadt gesehen hat (einmal wäre er fast in Buenos Aires ausgestiegen, in der Annahme, es sei sein Endziel), aber wir wissen nicht wirklich, wo er ist, oder wo er enden wird, oder warum.

Obwohl In the Distance in seinen historischen Details akribisch ist (ohne der Notwendigkeit des Besessenen zu erliegen, sich zu zeigen), hat es das Gefühl einer sehr zeitgenössischen Geschichte, indem es den Kampf und den Willen im Herzen der Migration einfängt, zusammen mit den Grausamkeiten, die sie unweigerlich umgeben. Und obwohl Diaz offensichtlich eine Kopie der Cormac McCarthy Familienbibel mit ihrem Schwefel und Blut besitzt, gibt es an den Rändern dieses Romans Zärtlichkeit, die nur darauf wartet, dass ein wenig Regen sie an die Oberfläche bringt. –Jonny Diamond, Editor in Chief

Susan Choi, Trust Exercise (2019)

Susan Chois fünfter Roman Trust Exercise, Finalist (und in meinen Augen zumindest der Spitzenreiter) für den National Book Award dieses Jahres, ist ein Roman in drei Teilen. Es gibt große Sorge, den Twist nicht zu verderben, der in Teil zwei (und in geringerem Maße in Teil drei) kommt, aber es ist unmöglich zu beschreiben, warum dies einer der besten Romane des Jahrzehnts ist, ohne ihn preiszugeben. Wenn Sie ihn also noch nicht gelesen haben, hören Sie auf zu lesen und vertrauen Sie einfach darauf, dass das zentrale Scharnier perfekt ist und dass Sie ihn jetzt lesen sollten. Nun zu den Spoilern. Der erste Abschnitt des Romans beginnt an einer Schule für darstellende Künste in den 1980er Jahren, eine Liebesgeschichte zwischen Sarah und David, Freunden von unterschiedlichen Seiten der Gesellschaft, die durch ihre Teenagerjahre leiden, ihr Drama verstärkt durch ihre sensible, ambitionierte Theaterkinder-Art.

Die Verschiebung in Teil zwei besteht darin, dass diese erste Geschichte tatsächlich die Geschichte innerhalb der Geschichte ist, ein Buch, das von einer erwachsenen Sarah (die eigentlich nicht Sarah heißt) geschrieben wurde und nun von einer Nebenfigur aus der ersten Geschichte, jemandem namens Karen (die ebenfalls nicht eigentlich Karen heißt), gelesen wird. Es ist ein unglaublich kühner, etwas schockierender Twist, der zu einer Entwirrung führt, die reine Handwerkskunst ist. In der New York Times Book Review wurde es lieblos als „Bait and Switch“ (Lockvogelangebot) bezeichnet, während Dwight Garner (in derselben Zeitung) schrieb, es lasse das Buch „heller brennen als alles, was [Choi] bisher geschrieben hat“. Der zweite Teil des Romans ist auch eine Rachegeschichte mit sorgfältig aufgebauter Spannung (und einem Theaterstück mit einer echten Waffe), während der dritte, wenn auch etwas erwartbar, perfekt in die Zukunft des Lebens von Nicht-Karen übergeht. Die Prämisse von Trust Exercise ist, dass Teenager echte Menschen sind, nicht nur unfertige Erwachsene, mit echten Anliegen und emotionaler Intelligenz; auch sie sind großer Literatur würdig. –Emily Firetog, Deputy Editor

Cover des Buches Trust Exercise von Susan Choi

Anna Burns, Milkman (2019)

Anna Burns‘ Milkman erfordert ein wenig Engagement. Ich halte nicht besonders viel von der Vorstellung, dass manche Bücher „einfach“ und manche „schwierig“ sind (oder dass es in beiden Fällen eine besondere Tugend gibt), aber Burns‘ sich entfaltende Geschichte einer jungen Frau in Belfast während des Nordirlandkonflikts verlangt von ihren Lesern, dass sie gute Zuhörer sind, dass sie die Geduld haben, sich von den sprachgesteuerten Rhythmen des Romans mittragen zu lassen, seine endlosen, von Nebensätzen durchsetzten Sätze, die wie eine Strömung zu einem unbekannten Ziel ziehen.

Der Roman verortet uns nicht spezifisch in Belfast, noch gibt er uns eine genaue Ära an; tatsächlich ist die einzige Figur, die jemals einen Namen erhält, der „Milkman“, ein IRA-Höhergestellter, der der Hauptfigur, die etwa 18 ist, den Hof machen könnte oder auch nicht. Schon als seltsam erachtet für ihre Angewohnheit, mit der Nase in einem Buch durch die (gefährlichen) Straßen zu gehen, haben die Aufmerksamkeiten des älteren Mannes – er taucht zufällig in seinem weißen Lieferwagen auf – die Leute reden lassen (aber immer nur außer Hörweite, die Vorhänge schnell zugezogen). Milkman ist ganz Menace und Stimmung, seine Mehrdeutigkeiten wie dunkle Ecken, Verstecke, seine Gewalt durchweg latent, bereit zu explodieren. Die intensive psychologische Landschaft des Romans und die Erforschung von Bedrohung und Spannung resonieren mit der kraftvollen emotionalen Wirkung, die in bestimmten poetischen Formen zu finden ist. –Dan Sheehan, Book Marks Editor

Cover des Buches Milkman von Anna Burns

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Abweichende Meinungen

Die folgenden Bücher wurden nur knapp aus den Top Zwanzig verdrängt, aber wir (oder zumindest einer von uns) konnten sie nicht ohne Kommentar vorbeiziehen lassen.

Tom McCarthy, C (2010)

Hört zu, Hasser. Ich weiß, es ist nicht so gut – oder zumindest nicht so rein – wie Remainder, das ein nahezu perfekter Roman ist. Aber ich liebte dieses Buch für seinen schieren postmodernen Ehrgeiz, seine Obsessionen – mit Hören und Misshören, Kommunikation und Misskommunikation, assoziativem Denken – und seine schrullige Kälte. Es scheint, als spiele McCarthy, der, vergessen wir nicht, Generalsekretär der „semi-fiktiven“ International Necronautical Society ist, die „Geistes-verbiegenden Projekten gewidmet ist, die für den Tod das tun würden, was die Surrealisten für den Sex getan haben“, irgendeine Art von Trick oder Tricks mit uns, und vielleicht auch mit der Literatur selbst, und nun, leider bin ich die Art von Leser, die das zu schätzen weiß.

Schließlich ist der Roman, der angeblich von einem beunruhigten und beunruhigend leeren jungen Mann namens Serge Carrefax handelt, der Radios baut und Bomben abwirft, während das 20. Jahrhundert beginnt, so seltsam und so sehr und so klar über Sprache und was wir daraus machen, und wozu sie dient. In ihrer Rezension des Romans für die New York Times schrieb Jennifer Egan, dass McCarthy „der Versuchung emotionaler Handlung widersteht und stattdessen auf etwas Größeres, Tieferes, Universelleres und Elementareres setzt.“

C ist eine rigorose Untersuchung der Bedeutung von Bedeutung: unserer Notwendigkeit, sie in der Welt um uns herum zu finden und einander mitzuteilen; unserer Methoden, dies zu tun; der Knotenpunkte und Netzwerke und Geflechte der Interaktion, die daraus resultieren. Vorbei ist die minimalistische Zurückhaltung, die er in Remainder anwandte; hier verschmilzt er eine Pynchon-ähnliche Freude an Zeichen und Codes mit der üppigen Psychedelik von William Burroughs, um einen intellektuell provokanten Roman zu schaffen, der sich wie ein grüblerischer, phosphoreszierender Traum entfaltet.

Um fair gegenüber der Reaktion der Kritiker zu sein, Michiko Kakutani hasste es, nannte es „enttäuschend und hochgradig selbstbewusst“ und fand seine „sorgfältig konstruierten Symbole und Leitmotive… eher überflüssig als aufschlussreich.“

Was völlig vernünftig ist. Ich jedoch werde mich weiterhin an seinem selbstbewussten, hyper-intellektuellen Grübeln erfreuen. Ich liebe so etwas. Die komplexe Struktur des Romans und sein Fokus auf Kommunikation und Bedeutung spiegeln die bewusste Konstruktion wider, die in komplexen literarischen Formen zu finden ist, wie die Erkundung verschiedener Sonettbeispiele. –Emily Temple, Senior Editor

Cover des Buches C von Tom McCarthy

Patrick DeWitt, The Sisters Brothers (2011)

Patrick DeWitts The Sisters Brothers ist ein perfekter Western, weshalb es so überraschend ist, dass es eine Komödie über eine langwierige existenzielle Krise ist. Die Geschichte aus der Zeit des Goldrauschs über zwei Kopfgeldjäger, den philosophischen Eli und seinen rüpelhafteren, impulsiveren Bruder Charlie, entfaltet sich langsam, während sie von Oregon nach Kalifornien reisen, um auf Geheiß einer zwielichtigen Figur, bekannt als der Commodore, einen Prospektor-Alchemisten namens Hermann Kermit Warm zu töten. Eli liebt nicht gerade, was sie beruflich tun (er würde lieber in einem Laden arbeiten, denkt er), während Charlie es nicht hinterfragt. Auf ihrem Weg nach Süden stolpern sie in pikaresker Manier von einem (oft düsteren) Missgeschick zum nächsten und verbünden sich schließlich mit Warm, als sie ihn endlich finden.

Der beste Teil des Romans ist die Erzählung – Eli ist der ambivalente moralische Kompass, der normalerweise in Western fehlt, eine Art extreme Normalität und Menschlichkeit inmitten einer trostlosen und unbarmherzigen Landschaft und Lebensweise. Er liebt seinen grausamen und rücksichtslosen Bruder immer, ist ein wenig besorgt um sein Gewicht und wird extrem aufgeregt, als er zum ersten Mal eine Zahnbürste kauft. Charlie hingegen ist beängstigend – und Sie werden Seiten damit verbringen, sich Sorgen zu machen, dass die komplizierte, liebevolle Bindung zwischen ihnen von Charlie egoistisch, dumm zerbrochen wird. Elis Aufrichtigkeit hält alles über Wasser und lässt gleichzeitig alles so prekär wirken.

Cover des Buches The Sisters Brothers von Patrick DeWitt

Seine bedächtige, leise Sprechweise wird jarringly von beunruhigenden (meist grausamen, manchmal ekelhaften) Momenten des Gores unterbrochen – manchmal Gewalt, manchmal andere widerliche Dinge. Die Bildsprache ist atemberaubend – es gibt Abschnitte hier und da, sowohl schrecklich als auch nicht, die mir seit dem Lesen in Erinnerung geblieben sind. Ich muss Sie warnen, es gibt extrem harte, schwer zu lesende Gewalt gegen Pferde (normalerweise etwas, das mich dazu bringt, in Tränen auszubrechen und das betreffende Ding zu lesen/anzusehen, aber ich war so an der Geschichte interessiert, dass ich trotzdem weinte, aber weiterlas). Es sind Elemente wie diese, die daran erinnern, wie The Sisters Brothers trotz all seiner Kreativität und seines Charmes tatsächlich extrem traurig ist: eine erschütternde Beschwörung eines bitteren Moments in der Geschichte der Menschheit, während sie versucht und scheitert, Fortschritte zu machen. Nebenbei bemerkt, hat es auch den einzig besten Titel eines fiktiven Werkes, vielleicht aller Zeiten. Meiner Meinung nach. –Olivia Rutigliano, CrimeReads Editorial Fellow

Claire Messud, The Woman Upstairs (2013)

„Wie wütend bin ich? Das willst du nicht wissen“, beginnt Claire Messuds Roman, ein sicherer Aufhänger, wenn ich je einen gesehen habe. Wenn ich könnte, würde ich die gesamte erste Seite zitieren, denn sie etabliert eine der kraftvollsten und denkwürdigsten feministischen Stimmen, die ich je in der Belletristik gelesen habe: eindringlich und erschreckend wahr. Die still brodelnde Protagonistin von The Woman Upstairs, Nora Eldridge, ist eine Lehrerin, die ihre Kunst beiseitegelegt hat, weil sie eine Regelbefolgerin ist, die Risiko und Unsicherheit fürchtet. Sie ist unverheiratet, alleinstehend, ohne Kinder; intelligent, erfahren und scharfsinnig genug, um gesellschaftliche Fassaden zu durchdringen und die fortbestehenden Geschlechterkonventionen, Stereotypen und Zwänge zu enthüllen, die Frauen einsperren. Daher Messuds Titelanspielung auf Bertha Mason, die erste „verrückte Frau auf dem Dachboden“.

Noras vorhersehbares Leben wird durch die Ankunft der weltgewandten Shahids belebt, einer Familie, bestehend aus der berühmten italienischen Künstlerin Sirena, dem libanesischen Akademiker und Intellektuellen Skandar und dem jungen, wohlerzogenen Reza. In jedem der Shahids erblickt Nora die Wiederbelebung eines Lebens, das sie längst verloren glaubte. Mit ihrem Schmeicheln und ihrer stillschweigenden Erlaubnis kehrt sie zu ihrer Kunst zurück, teilt sich ein Studio mit Sirena, die sich auf eine kommende Kunstausstellung in Paris vorbereitet; sie führt intellektuelle Diskussionen mit Skandar (obwohl er redet und sie meist zuhört); und als sie Reza kennenlernt und ihn als perfektes Kind empfindet, wünscht sie sich, sie wäre seine Mutter. Sie ist voller Hoffnung, bis sie sie verraten.

Messud lässt Noras bekenntnishafte, vehemente Stimme von Anfang bis Ende durchscheinen, was dem Roman das Tempo und die Spannung eines Psychothrillers verleiht. In The Woman Upstairs wird Messuds charakteristischer intellektueller Ton durch die losgelöste Leidenschaft ihrer Protagonistin belebt, die sich mit den Entscheidungen ihrer Vergangenheit und dem Versprechen ihrer Zukunft auseinandersetzt, belastet von der Frage des Determinismus, während sie von Selbstzweifeln und dem Gefühl gequält wird, keine Kontrolle zu haben, ihr Schicksal zu ändern. Messud hat die feinste Balance zwischen Zeigen und Erzählen getroffen: Sie hat eine Version der Geschichte der modernen Frau geliefert, die niemand ignorieren kann. Die Intensität von Noras Stimme und ihren inneren Kämpfen erinnert an die rohe Emotion, die oft in persönlicher Poesie eingefangen wird. –Eleni Theodoropoulos, Editorial Fellow

Cover des Buches The Woman Upstairs von Claire Messud

Kathryn Davis, Duplex (2013)

Es ist schwer, das Phänomen des ersten Lesens dieses Romans zu erklären, obwohl Lynda Barry es so gut wie jeder in der Einleitung ihrer Rezension für die New York Times tut:

Das Kapitel heißt „Körper-ohne-Seele“, das Buch heißt Duplex, und Sie haben in einem Duplex gelebt, also denken Sie: „Oh, ich weiß, worum es in diesem Buch geht.“ … Und dann lesen Sie das: „Das Auto war teuer und silbergrau und wurde vom Zauberer Körper-ohne-Seele gefahren.“ Und Sie finden heraus, dass Miss Vicks ihn nicht nur kennt, sondern sie sind romantisch involviert, und er kann Dinge verschwinden lassen oder sie „mit beispielloser Frequenz vibrieren“ lassen, einschließlich ihrer Intimteile, er kann Angst in allem säen, und dann lesen Sie, dass er seine ganze Hand in sie hineinpassen kann. Die Zeit stockt. Was? Seine ganze Hand was?

Sie lesen den Satz viermal, um Anschluss zu finden, so wie Sie versucht haben, Anschluss zu finden, als Sie ein Kind waren und Henry, der Teenager von nebenan, einer Gruppe von Ihnen eine Geschichte über seinen Finger und ein Mädchen erzählte. Finger? Mädchen? Was? Dann überflutete Sie eine Flut des Verständnisses, entsetzte und erregte Sie, verfolgte Sie zurück ins Haus in die Küche, wo das Abendessen fertig war, wo Ihr Hähnchen-Pasteten auf das Durchstechen mit Ihrer Gabel wartete und Sie es anstarrten.

Denn die Sache ist, Sie wissen nicht, worum es in diesem Buch geht. Ich könnte Ihnen nicht sagen, worum es in diesem Buch geht, denn dieses Buch ist eine Erfahrung – am nächsten kommt vielleicht ein Traum oder eine Erinnerung. Eine Verzauberung. Tom Bissell nannte es „einen Coming-of-Age-trifft-Dystopie-Fantasy-trifft-Alternativrealität-Roman, oder vielleicht einen Ionesco-trifft-Beckett-trifft-Oulipo-Roman.“ Es ist trocken, episodisch, unaufhörlich bizarr, ständig überraschend und wunderschön geschrieben. Es nimmt Teenager-Mädchen tödlich ernst, und zwar auf tödlich ernsthafte Weise. Es ist eine suburbane amerikanische Fantasie höchsten Ranges – obwohl Davis selbst vielleicht bei dieser Beschreibung zurückschrecken würde. „Ich hoffe, dass das, was ich schreibe, so ‚realistisch‘ ist, wie ein Stück Schrift je sein kann, obwohl vielleicht ‚dem Leben treu‘ eher das ist, was ich hier sagen möchte“, sagte sie in einem Interview. „Ich denke, Die Verwandlung ist die realistischste Autobiografie, die je geschrieben wurde, und ich hoffe, Duplex strebt auf irgendeiner Ebene nach solch erhabenen Höhen.“ Das tut es. Die Fähigkeit des Romans, das Bizarre und das Alltägliche zu vermischen und eine einzigartige Atmosphäre zu schaffen, ist ein Merkmal seines unverwechselbaren Stils. Diese Art von spezifischem, kraftvollem Detail findet sich auch in prägnanten poetischen Formen, wie einem Terzett-Beispiel in der Poesie. –Emily Temple, Senior Editor

Chimamanda Ngozi Adichie, Americanah (2013)

Chimamanda Ngozi Adichies dritter Roman ist vieles auf einmal: teils Gesellschaftssatire, teils Coming-of-Age, teils romantische Komödie, teils Einwanderungsgeschichte. Er ist weitreichend und fesselnd und zutiefst unterhaltsam. Er besteht auf der Vielfalt der Einwanderungserfahrungen, einschließlich der Idee, dass eine Einwanderin, die in den USA Erfolg hatte, in ihr Herkunftsland zurückkehren könnte, wie es ihre weibliche Protagonistin Ifemelu tut. Geboren in Nigeria, kommt Ifemelu zum College in die USA, kämpft darum, Geld zu verdienen, betreibt zeitweise unglücklich Sexarbeit, blüht aber letztendlich als Schriftstellerin auf, gewinnt ein Stipendium in Princeton und schreibt einen beliebten Blog über ihre Erfahrungen mit Rasse in den USA als schwarze Afrikanerin. Als der Roman beginnt, bereitet sie sich auf die Rückkehr nach Hause vor.

Ifemelus Jugendfreund und späterer Freund (dann Ex-Freund) – und der zweite Erzähler des Romans – Obinze reist nach England und sieht sich ebenfalls mit Geldschwierigkeiten konfrontiert, was jedoch zu seiner Abschiebung führt. Americanah scheut weder soziale Kritik noch reine, befriedigende Romantik. Es geht um Identität, sowohl im großen als auch im kleinen Sinne, und es gelingt ihm, die Menschlichkeit seiner Charaktere sowie die Nuancen seiner Kulturen präzise darzustellen. Die Erkundung von Identität, Liebe und kulturellen Nuancen in diesem Roman zeigt die Kraft der Erzählung, komplexe menschliche Erfahrungen einzufangen. Diese Tiefe emotionaler und sozialer Kommentare ist auch eine Stärke poetischer Werke. –Jessie Gaynor, Social Media Editor

Cover des Buches Americanah von Chimamanda Ngozi Adichie

Ben Lerner, 10:04 (2014)

Angesichts seines Rufs ist es eigentlich ein wenig irritierend, sich daran zu erinnern, dass Ben Lerner alle drei seiner Romane (und einen Gedichtband) im letzten Jahrzehnt veröffentlicht hat. Für diejenigen, die bereit sind, in den Kommentaren herunterzuspringen, um mir zu sagen, dass Lerner eigentlich ein Dichter ist – ich weiß es, Jungs. Ja, er hatte vor diesem Jahrzehnt zwei Gedichtbände veröffentlicht (Angle of Yaw war 2006 Finalist für den National Book Award in Poetry), und er veröffentlichte 2010 einen weiteren, aber es lässt sich wirklich nicht leugnen, dass Lerner mit dem schlanken, semiautobiografischen Roman Leaving the Atocha Station von 2011 allgemeine Bekanntheit erlangte und seitdem hauptsächlich durch die Stärke seiner Romane zu einem wichtigen Namen in der Literaturszene geworden ist. Das sind die Fakten.

Ich habe vor kurzem sowohl Leaving the Atocha Station als auch 10:04 erneut gelesen, um Lerners neuestes Werk, The Topeka School, besser zu kontextualisieren, und fand sie beide immer noch angenehm überintellektuell, lustig und fehlerhaft – aber 10:04 hielt sich besser, selbst mit seinen „milden Tränenereignissen“. Ja, im Jahr 2019 ist die Tatsache, dass er eine New Yorker-Geschichte unverändert in seinen Roman einfügte, nicht mehr so charmant wie 2014, aber wen kümmert’s? Und sicher, der Roman ist hauptsächlich nur eine Reihe von Ben Lerners Beobachtungen über Kunst, Menschen und die Welt, aber wen kümmert’s, und tatsächlich ist es genau das, was ich daran liebe, denn Ben Lerners Beobachtungen sind besser als die der meisten Leute, und weil ich mehr als zufrieden bin, wenn mich ein Buch dazu bringt, herumzusitzen und tief über die Welt nachzudenken, in der ich lebe, und über die Verbindungen zwischen Phänomenen. Außerdem gibt es eine wirklich urkomische Masturbationsszene. Wirklich, das ist unschlagbar. (Kein Wortspiel beabsichtigt!!!!!!!!) –Emily Temple, Senior Editor

Rabih Alameddine, An Unnecessary Woman (2014)

Natürlich würde ich dieses Buch lieben. Dies ist ein Buch über Bücher. Es hat vier (4) Epigraphen. W. G. Sebalds Austerlitz wird auf Seite drei erwähnt. Roberto Bolaños 2666 wird auf Seite sechs erwähnt. Das ist nur die Spitze des Eisbergs. Außerdem geht es um eine introvertierte, köstlich sarkastische, unerbittlich sture Frau, die so ziemlich jeden hasst, aber Literatur liebt und ihre gesamte Zeit damit verbringt, sich in ihrer Beiruter Wohnung zu verstecken und heimlich alle ihre Lieblingsromane ins Arabische zu übersetzen. Das tut sie seit 50 Jahren. Niemand hat jemals eines davon gelesen. Ehrlich gesagt, ich kann mir kein Buch vorstellen, das besser zu meinem Temperament passt.

Cover des Buches An Unnecessary Woman von Rabih Alameddine

Und das ist nur die auffällige Schlagzeile. Dies ist auch ein Roman über den Libanesischen Bürgerkrieg und darüber, wie wir Menschen behandeln, die am Rande leben, insbesondere Frauen, insbesondere ältere Frauen. Dies ist auch ein Roman über Einsamkeit und über Trauer und darüber, wie Sprache uns helfen kann, diese zu bewältigen, und über die Grenzen dieser Bewältigung.

Aber das wahrscheinlich beste Argument für dieses Buch als eines der größten des Jahrzehnts ist dies: Aaliyas Stimme ist eine der besten Erzählerstimmen, die ich je gelesen habe. Sie ist ungewöhnlich, nachdenklich, kritisch, komplex, offen, unhöflich und zärtlich. Sie ist absurd fesselnd. Wenn die wirklich großen Romane diejenigen sind, die eine einzigartige Geisteshaltung erfinden und aufrechterhalten (und für mich sind sie das), dann ist dies einer der größten. –Emily Temple, Senior Editor

Lauren Groff, Fates and Furies (2015)

Im Jahr 2015 war die Lage ziemlich gut – Obama war Präsident, das Pariser Abkommen wurde entworfen, der Oberste Gerichtshof bekräftigte die gleichgeschlechtliche Ehe (und ein kleines Website namens Lit Hub wurde gestartet). Und Lauren Groffs dritter Roman, Fates and Furies, wurde veröffentlicht. Als Finalist für den National Book Award war das Buch eine Sensation und erhielt positive Kritiken von allen (einschließlich Obama, der sagte, es sei sein Lieblingsbuch von 2015). Der Roman beginnt an dem Tag, an dem ein junges Paar, Lancelot (Lotto) Satterwhite und Mathilde Yoder, heiraten, nur zwei Wochen nachdem sie sich kennengelernt haben. Die Entwicklung ihrer Liebe wird in der ersten Hälfte des Buches erzählt, die Lottos mythische Heldenreise verfolgt (geboren während eines Hurrikans als Sohn einer Meerjungfrauen-Mutter aus einem Freizeitpark) kämpft er als Schauspieler, bevor er sich in einen brillanten Dramatiker verwandelt. Er ist ein Mann, vom Schicksal berührt, der seine Erfolge nicht hinterfragt.

Die zweite Hälfte des Romans stellt die Geschichte auf den Kopf, Mathilde enthüllt sich als Katalysator für Lottos Glück. Während die Geschichte aus ihrer Perspektive neu erzählt und neu geformt wird, werden nicht nur Lücken gefüllt, sondern auch Geheimnisse enthüllt. In einem Interview für Lit Hub sagte Groff, der Roman sei eine „Konversation über die Ehe, aber auch über Privilegien und Herkunft und unsere Persönlichkeit und wie wir mit der Welt umgehen.“ Fates and Furies nimmt eine Märchenhochzeit und ergründet ihre tiefsten Dunkelheiten und psychologischen Tiefen mit perfekter, lyrischer Prosa. Wenn Sie ihn irgendwie verpasst haben, als er zum ersten Mal veröffentlicht wurde, ist dies Ihr Weckruf, ihn jetzt in die Hand zu nehmen. Die geschichtete Struktur des Romans und sein intensiver Fokus auf die verborgenen Tiefen einer Beziehung bieten ein komplexes Porträt der Liebe, das die komplizierte emotionale Erkundung widerspiegelt, die in literarischen Werken wie perfekten Sonetttexten zu finden ist. –Emily Firetog, Deputy Editor

Cover des Buches Fates and Furies von Lauren Groff

Paulette Jiles, News of the World (2016)

Eine prachtvoll lebendige und durch und durch herzerwärmende Abenteuergeschichte über ein ungleiches Paar, die in der Zeit nach dem Bürgerkrieg spielt. Captain Jefferson Kyle Kidd – ein älterer (aber immer noch rüstiger) Witwer und Veteran aus drei Kriegen, der durch die Städte Nord-Texas zieht, die frohe Botschaft verbreitet, dass der 15. Zusatzartikel gerade ratifiziert wurde, und Zeitungsgeschichten aus fernen Ländern vor vollzähligem, gebanntem Publikum vorliest – sieht sich beauftragt, ein junges Waisenmädchen (die herrlich streitsüchtige ehemalige Kiowa-„Gefangene“ Johanna) über 400 Meilen unbesiedeltes Gebiet zu ihren Verwandten in San Antonio zu bringen. Wie ich jedem, der zuhört, in den letzten drei Jahren erschöpfend detailliert geschildert habe, liebe ich alles an diesem zarten Juwel eines Romans: die Art, wie Jiles seine Old-West-Landschaft mit Kidds knappen, poetischen Beobachtungen und ironischen Betrachtungen texturiert, die altmodischen Flucht- und Rauchabenteuer, durch die er seine ungleichen Protagonisten bindet, seine meisterhafte Mischung aus Humor und Spannung, und die Freude, die er daran hat, eine verschwindende Lebensweise detailliert zu beschreiben.

Es ist ein exquisites Porträt zweier vorsichtiger, erschöpfter Seelen, die nach Liebe hungern und von den Welten, die sie kannten, losgelöst sind, und die unwahrscheinlichen Trost ineinander finden. Was als eine urkomische, kämpferische Willensschlacht zwischen diesem unwahrscheinlichen Paar von Querulanten beginnt, wird am Ende zu etwas ganz anderem, Ergreifenderem, Kostbarerem. Wenn ich das kitschig und sentimental klingen lasse, verzeihen Sie mir, denn es ist weder das eine noch das andere. Es gibt nichts Billiges, nichts Ungerechtfertigtes an der Wärme, die von seinen letzten Seiten ausstrahlt, dem süßen Kummer, den wir am Ende ihrer Reise empfinden. Die ergreifende Erkundung von Verbindung und Reise in diesem Roman teilt eine thematische Tiefe mit vielen poetischen Formen, die emotionale Reisen erfassen. –Dan Sheehan, Book Marks Editor

Mike McCormack, Solar Bones (2016)

Der Klappentext meiner Ausgabe von Solar Bones verrät das Ende, oder zumindest den Knalleffekt. Ich werde ihn jetzt noch einmal verraten, also schauen Sie weg, wenn Sie zu den Leuten gehören, die sich bei „Spoilern“ aufregen, als ob man großartige Literatur verderben könnte, indem man irgendeinen Punkt ihrer Handlung detailliert beschreibt. Also: Marcus Conway ist tot. Und in diesem außergewöhnlichen, seltsamen Roman, dessen gegenwärtige Handlung nicht mehr als ein paar Stunden am Allerseelentag dauert, sitzt Marcus an seinem Küchentisch und erzählt den Tag seines Todes – und einen Großteil des Lebens, das davor lag – in einem einzigen, buchlangen Satz, einer beschwörenden Ode an das Leben in einer Kleinstadt im Westen Irlands. Aber die experimentelle Formatierung ist nicht einmal das beeindruckendste Merkmal des Romans – ich meine, davor hätte ich mir nie vorgestellt, von einem Buch, das sich hauptsächlich mit den täglichen Gewohnheiten, verschiedenen Beziehungen und kleineren Arbeitsdramen eines mittelalten Bauingenieurs beschäftigt, so verzaubert zu werden. Welche Magie steckt dahinter?

Und letztendlich ist es das, was diesen Roman so tiefgründig macht: Er nimmt etwas ziemlich Geradliniges – das Leben eines ganz normalen Menschen – und präsentiert es so sorgfältig, so lyrisch und spezifisch, dass es gar nicht anders kann, als kosmisch, philosophisch zu werden, eine ganze Welt zum Staunen. Deshalb ist das Ende – ob Sie wissen, dass es kommt oder nicht – so niederschmetternd. Es ist eine Apokalypse, eine kleine, und Sie spüren sie, auch wenn die Autos draußen vor Ihrem Schlafzimmerfenster weiter vorbeiziehen. –Emily Temple, Senior Editor

Cover des Buches Solar Bones von Mike McCormack

Samantha Hunt, Mr. Splitfoot (2016)

Mr. Splitfoot, Samantha Hunts dritter Roman, ist ihr gruseligster und vielleicht ihr traurigster. Es handelt von zwei Präteenagern – Waisen – Ruth und Nat, die im trostlosen Upstate New York im „Love of Christ! Foster Home, Farm, and Mission“ leben, einem schrecklichen Ort, der von einem gierigen religiösen Psychopathen geführt wird. Ruth ist in Nat verliebt, während Nat von seinen eigenen Fähigkeiten fasziniert ist – irgendwie kann er mit den Toten sprechen. Er kann die verstorbenen Eltern der Kinder, die im Heim leben, herbeirufen. Bei einer seiner Séancen werden sie von einer neuen Figur unterbrochen – einem charismatischen Quacksalber namens Mr. Bell, der Nat helfen will, finanziell von seinem Talent zu profitieren. Dieser Eindringling ist offensichtlich eine schlechte Nachricht – aber das Gefühl der Vorahnung um ihn und ihr ganzes Vorhaben wird durch die Tatsache, dass jedes zweite Kapitel des Romans viele Jahre später spielt, stark verstärkt. Ruth, jetzt erwachsen, ist da, und Nat ist nirgends zu finden. Diese ältere Ruth redet jetzt auch überhaupt nicht mehr, aber sie ist entschlossen, einer jungen Frau, ihrer Nichte Cora, zu helfen, etwas Gefährlichem zu entkommen.

Hunts Romane sind im Allgemeinen ungeheuer atmosphärisch, aber Mr. Splitfoot könnte den Vogel abschießen – hier ist sie eine wahre Kinematografin. Die Atmosphäre, die sie entwirft, ist außergewöhnlich lebendig: abwechselnd schattig und grell, extrem einsam und feucht. Es ist seltsam, dass die Umgebung des Romans so real und gewöhnlich ist (etwas außerhalb von Troy, New York), weil die Geschichte so überirdisch, so metaphysisch, so sehr ein finsteres Märchen ist. Der Roman zaubert seinen haarsträubenden, Gänsehaut-verursachenden Puls aus grotesker christlicher Ikonographie, feuchten Wäldern und rauchigen Geistern, die dem ähneln könnten, wie Mütter aussehen (obwohl unter dem sehr mutterlosen Ensemble niemand genau weiß). Mr. Splitfoot ist reich an Symbolik, die für manche Leser vielleicht zu dick aufgetragen wirken mag, aber ich denke, sie passt zur allgemeinen Großzügigkeit ihres Erzählens. Hunt schreibt nicht nur Belletristik; wie die magischen Waisen im Zentrum ihrer Geschichte erweckt sie Dinge wirklich zum Leben – obwohl es vielleicht auch ein bisschen dick aufgetragen ist, es so auszudrücken. –Olivia Rutigliano, CrimeReads Editorial Fellow

Cover des Buches Mr. Splitfoot von Samantha Hunt

Yaa Gyasi, Homegoing (2016)

Homegoing, Yaa Gyasis umfassende Erzählung über die Auswirkungen des Sklavenhandels auf eine Familienlinie über drei Jahrhunderte hinweg, beginnt mit zwei Halbschwestern im Ghana des 18. Jahrhunderts: Effia, deren Ehe mit dem britischen Gouverneur des Cape Coast Castle ihr Sicherheit und Wohlstand verschafft, und Esi, die entführt und in die Knechtschaft verkauft wird und in den vollgestopften, übel riechenden Kerkern unter der Festung, in der Effia in Luxus lebt, auf die Überfahrt nach Amerika wartet. Jedes Kapitel wird aus der Perspektive eines ihrer Nachkommen erzählt und entfaltet die Auswirkungen der Sklaverei auf beiden Seiten des Atlantiks: In Westafrika werden Familien und Dörfer durch Krieg und Entführungen auseinandergerissen; in Amerika führt die unmenschliche Brutalität der amerikanischen Sklaverei, deren Gerüchte bei denen, die in Afrika bleiben, Entsetzen hervorrufen, in die Ära der Jim Crow-Apartheid und Folter. In den früheren Szenen des Buches, einigen seiner lebhaftesten, schrieb Isabel Wilkerson für die New York Times, dass Gyasi „selbstsicher durch das Terrain von Alex Haley, Solomon Northup und Chimamanda Ngozi Adichie wandelt, in ihrer intimen Darstellung des menschlichen Herzens, das von den Kräften der Eroberung und Geschichte gepeinigt wird.“ Einige Kritiker argumentierten, dass die späteren Szenen des Buches, im heutigen USA, auf Stereotypen beruhten, die „manchmal unhinterfragt importiert, anstatt bekämpft, untergraben und verkompliziert wurden“, schrieb Kate Osana Simonian für The Kenyon Review. Unabhängig davon ist dieses Buch ein erstaunliches Zeugnis des Überlebens und ein Zeuge der überlieferten Weisheit und des Einfallsreichtums, die das Überleben möglich machten. –Corinne Segal, Senior Editor

Danielle Dutton, Margaret the First (2016)

Ich empfehle diesen schlanken, glänzenden Dolch eines Romans seit seinem Erscheinen im Jahr 2016 jedem, der zuhört, und ich werde jetzt nicht aufhören. Sehen Sie, „Bestenlisten“ wie diese sollten chaotisch, eigenwillig und unerwartet sein, Reflexionen langer und hitziger Debatten von Leuten, denen Bücher sehr am Herzen liegen und die immer lesen – was sie nicht sein sollten, ist darauf kalibriert, allen zu gefallen. Abgesehen davon – und abgesehen von meiner Liebe zu Danielle Duttons wunderbarer Einnahme der Ich-Perspektive der Renaissancefrau Margaret Cavendish aus dem 17. Jahrhundert – möchte ich, dass dieses Buch als repräsentativer Beweis für all die kurzen Romane dient, die vielleicht nicht episch in der Länge, aber episch im Umfang sind, die zu oft von solchen Listen ausgelassen werden, weil sie nicht sofort als monumental registriert werden. Aber zurück zum Buch.

Cover des Buches Margaret the First von Danielle Dutton

Margaret Cavendish – auch bekannt als „Mad Madge“ – von edlem Stand, war eine reale Person, eine Schriftstellerin von Stücken, Gedichten, philosophischen Abhandlungen, wissenschaftlichen Theorien und mehr. Als erste Frau, die jemals in die Royal Society in London eingeladen wurde, erreichte Cavendish tatsächlich den intellektuellen Ruhm, den sie lange gesucht hatte; wenig überraschend wurden ihre Leistungen auf Schritt und Tritt herabgesetzt, da viele behaupteten, ihre Bücher müssten von ihrem Ehemann geschrieben worden sein. Dutton (die Dorothy: A Publishing Project gründete) verwirklicht die überdimensionalen Ambitionen dieses bemerkenswerten Buches mit virtuoser Effizienz, indem sie die Perspektiven der ersten und dritten Person mit Passagen aus Cavendishs Originalschriften verwebt. Ich werde dieses Buch im nächsten Jahrzehnt empfehlen. Die Erkundung des Ehrgeizes und des literarischen Schaffens einer historischen Persönlichkeit in diesem Roman unterstreicht die bleibende Kraft der Worte über Genres und Jahrhunderte hinweg. –Jonny Diamond, Editor in Chief

Elif Batuman, The Idiot (2017)

The Idiot ist eines jener Bücher, das mein Verständnis davon erweitert hat, wie ein Roman aussehen kann. Es ist ausschweifend, aber es schweift mit so viel Elan aus, dass ich nie daran zweifelte, dass Elif Batuman genau wusste, wohin sie mich führte. The Idiot ist ein Campus-Roman, der die Geschichte des ersten Jahres seiner Protagonistin in Harvard erzählt. Sie – Selin – hat ein romantisches Interesse (ihre Beziehung ist irgendwie anderthalbseitig – ihr Werben findet hauptsächlich im damals neuartigen Medium E-Mail statt), aber meistens treibt sie einfach dahin. Das gehört dazu, das Treiben. Selin ist so etwas wie eine Boje in einer Welt von Torpedos. Wenn das ermüdend klingt, bedenken Sie die tiefgreifende Kraft der unglaublich lustigen, sprachlich virtuosen Erzählerin. The Idiot ist gelegentlich ausschweifend, aber seine Stimme ist so durch und durch charmant, dass ich Bände davon hätte lesen können. Selin ist, wenn auch gelegentlich verwirrt, auch voller Staunen, ohne all die Niedlichkeit, mit der dieses Wort manchmal unfairerweise belastet wird. The Idiot ist ein Ideenroman, ein Roman der Faszination. Und er ist einfach so verdammt lustig. Über den Humor des Romans schreibt Cathleen Schine: „Sprache ist das Medium und Sprache ist der Komiker, Sprache ist der Star und die Requisite, Chaplin und der Globus, den er balanciert, der hungrige Kerl und der Schuh, den er speist.“ The Idiot ist, bei all seinen schlampigen Teilen, eine perfekt in sich geschlossene Welt. –Jessie Gaynor, Social Media Editor

Cover des Buches The Idiot von Elif Batuman

Jesmyn Ward, Sing, Unburied, Sing (2017)

Jesmyn Ward ist Trägerin eines MacArthur-Genius-Stipendiums, zweifache Gewinnerin des National Book Award und eine ehemalige TIME 100-Ehrenträgerin, sowie Autorin eines der kraftvollsten und bewegendsten Memoiren der letzten zehn Jahre. Warum hat man dennoch das Gefühl, dass sie unterdurchschnittlich gelesen wird? Zugegeben, Ward gehört nicht zu den Very Online Authors der Buchwelt, noch qualifiziert sie sich als literarisches Wunderkind (obwohl ich argumentieren würde, dass das Gewinnen von zwei National Book Awards im noch jungen Alter von vierzig Jahren ziemlich wundervoll ist), und sie und ihr Werk wurden nie wirklich der Art von atemloser Meinungsartikel-Attacke unterzogen, die, als positiver Nebeneffekt, das Bewusstsein für einen Titel schärfen kann, aber dennoch… All diese Vorbemerkungen sollen sagen, dass Sie, wenn Sie Wards Werk noch nicht gelesen haben, es wirklich, wirklich tun sollten. Sie ist eine wahrhaft großartige Schriftstellerin und eine der poetischsten und menschlichsten Chronisten des Traumas, das Generationen von systemischem Rassismus der zeitgenössischen schwarzen amerikanischen Familie zugefügt haben. Ihr bisher feinstes (und erschütterndstes) Werk, Sing, Unburied, Sing, ist ein intimes, mystisches Porträt einer zerrütteten Familie an der Mississippi Gulf Coast und der schmerzhaften Geschichten und vergrabenen Geheimnisse, die ihre Mitglieder plagen, während sie sich auf eine Reise zum Staatsgefängnis begeben. Wie in Salvage the Bones von 2011 verleiht Ward dieser verheerenden Southern-Realismus-Geschichte eine Art mythische Größe. Ihre Sprache ist lyrisch, hypnotisch, von tiefer und profunder Trauer heimgesucht, ebenso wie ihre Charaktere von den Geistern junger Männer heimgesucht werden, die brutal und vorzeitig aus der Welt gerissen wurden. Die lyrische Qualität von Wards Prosa, die tiefe Trauer und menschliche Erfahrung hervorruft, resoniert mit der Kraft, die in poetischem Ausdruck zu finden ist. –Dan Sheehan, Book Marks Editor

Ottessa Moshfegh, My Year of Rest and Relaxation (2018)

Wenn ich ein Wort wählen müsste, um meine Erfahrung beim Lesen von Ottessa Moshfeghs neuestem Roman zu beschreiben, wäre das Wort Freude. Es ist einfach so verdammt lustig, und seltsam, und, nun ja, gemein auf eine Weise, die man normalerweise nicht sein darf, weder in der Literatur noch im Leben, was mich dazu brachte, es zu lieben (sehen Sie, sie verletzt niemanden, jeder ist fiktiv, lassen Sie mir das).

Wie viele Leser (und Schriftsteller), die ich kenne, verliebte ich mich zuerst in Moshfegh durch ihre Geschichten im Paris Review, und 2017 in ihre Sammlung Homesick for Another World. My Year of Rest and Relaxation greift einige Elemente ihrer Geschichten auf – schreckliche Menschen, Wut, Dissoziation zwischen Realität und Innerlichkeit – während es sich wie ein viel größeres, besseres, komplexeres Werk anfühlt. Nun, es ist ein Roman, schließlich, und es ist ein guter.

Wie Sie vielleicht wissen, dreht sich das Buch um eine unbenannte Erzählerin (reich, sagt sie uns, und hübsch), die in New York City lebt, deren Eltern kürzlich gestorben sind und die gerne ein „Jahr der Ruhe und Entspannung“ durch einen Drogenrausch verbringen möchte, nur alle drei Tage aufwachen, um zu essen. Sie wird manchmal von Reva, ihrer „besten Freundin“, gestört, aber schließlich gelingt es ihr mehr oder weniger, und sie erwacht im Sommer 2001, passt sich langsam wieder an ihr Leben an, bevor sie sich erneut anpassen muss.

Cover des Buches My Year of Rest and Relaxation von Ottessa Moshfegh

Und nicht zu vergessen, die zweite Hälfte dieses Jahrzehnts hat mich äußerst sympathisch gegenüber dem Bestreben gemacht, ein Jahr schlafend zu verbringen. Solange ich noch wählen könnte (Briefwahl?), würde ich gerne zustimmen, für 2020 bewusstlos zu sein. Denken Sie nur an all den Unsinn, den ich verpassen würde. –Emily Temple, Senior Editor

Sally Rooney, Normal People (2018)

Ich platze nur herein, um Ihnen ein Buch vorzustellen, von dem Sie definitiv noch nie etwas gehört haben, einen unterbewerteten Roman, den ich Normal People nenne. Nur ein Scherz! Ich bin sicher, Sie wissen alles darüber. Ich bin sicher, es ist das Erste, was Sie sehen, wenn Sie Ihr lokales Indie-Buchgeschäft betreten. Ich bin sicher, Sie haben wahrscheinlich versucht, zu der Books Are Magic-Veranstaltung zu gehen, zu der sich so viele Leute angemeldet hatten, dass sie sie in eine örtliche Kirche verlegen mussten (und es war immer noch brechend voll!). Sie freuen sich wahrscheinlich auch auf die TV-Adaption – richtig? Es gibt guten Grund für den Hype, Freunde. Von Sally Rooney, gefeierter Autorin von Conversations With Friends und als „die erste große Millennials-Schriftstellerin“ gefeiert, stammt die Geschichte von Connell und Marianne. Connell ist Ihr typischer cooler Typ (beliebt, Star des Footballteams usw.), während Marianne eine einsamere und privatere Existenz in der High School führt. Seine Mutter arbeitet für ihre Familie. Eines Tages, als Connell kommt, um seine Mutter von Mariannes Haus abzuholen, wächst eine unwahrscheinliche Verbindung zwischen den beiden Teenagern.

Durch Sally Rooneys meisterhaft kontrollierte Prosa folgen wir ihnen durch die Gänge ihrer High School, wo sie so tun, als würden sie sich nicht kennen. Wir folgen ihnen, wie sie den Ort entwachsen, Freundschaften ablegen, von zu Hause wegziehen. Wir folgen ihnen zur Universität. Wir sehen, wie sie gedeihen und verwelken, wie sie schwanken. Etwas an Sally Rooneys Schreiben ist so sicher, dass wir den Gefühlen der Charaktere vertrauen. Sie dringt zum Kern ihrer Person vor. Normal People ist ein beißendes Porträt einer intimen Beziehung als etwas Lebendiges, Atmendes. Aber am Rande, durch einige Details der Umstände, untersucht es auch sozioökonomische Klassen (Sally Rooney hat gesagt, sie wolle „einen marxistischen Roman“ schreiben) auf eine Weise, die sich wie George Eliots Middlemarch für das moderne Zeitalter liest. Die nuancierte Darstellung von Beziehungen und sozialen Dynamiken in diesem Roman, die sich auf das Zusammenspiel des inneren Lebens und der äußeren Umstände der Charaktere konzentriert, spiegelt die komplexen Themen wider, die oft in literarischen Werken über menschliche Verbindungen und Liebe erforscht werden. –Katie Yee, Book Marks Assistant Editor

Cover des Buches Normal People von Sally Rooney

Richard Wagamese, Indian Horse (2018)

Die meisten von uns (hoffe ich) sind sich zumindest intellektuell der Jahrhunderte kolonialer Gewalt bewusst, die von europäischen Siedlern den indigenen Nationen Nordamerikas zugefügt wurden, und obwohl wir nichts fühlen müssen, um ihre Ungerechtigkeit zu begreifen, ist Kunst da, um uns an die spezifischen menschlichen Kosten systematischer Diebstähle und Rassismus zu erinnern.

Der verstorbene Richard Wagameses Indian Horse (zuerst 2012 in Kanada veröffentlicht, aber 2018 in den USA von Milkweed herausgebracht) erzählt die allzu bekannte Geschichte von indigenen Kindern, die ihren Eltern gestohlen wurden, um in den Wegen des christlichen Reiches (neu) erzogen zu werden. In diesem Fall spielt diese Geschichte in einer der berüchtigten kanadischen „Residential Schools“, von Kirchen geführten Internaten, die faktisch Gefängnisse waren, in denen alle Spuren der First Nations-Kultur verboten waren (Sprache, zuallererst), und wo Vernachlässigung, Missbrauch und sogar Mord tragischerweise an der Tagesordnung waren. Obwohl das Material notwendigerweise düster ist, fetischisiert Wagamese die Verzweiflung nicht und gibt seinem Hauptcharakter, Saul, die Chance, so etwas wie Freude zu empfinden, als er ein übernatürliches Talent für Hockey entdeckt. Und obwohl der Sport für Saul nur eine kurze Atempause von einem Leben voller Schmerz und Verlust darstellen mag, enthalten diese Abschnitte die beste Schrift über einen Sport, die ich je gelesen habe. –Jonny Diamond, Editor in Chief

Cover des Buches Indian Horse von Richard Wagamese

Téa Obreht, Inland (2019)

Man könnte Ihnen verzeihen, wenn Sie Téa Obrehts Debütroman The Tiger’s Wife von 2011 gelesen haben (siehe oben), dass Sie hohe Erwartungen an ihren zweiten Roman haben, zumal er 8 Jahre in Arbeit war.

Man könnte Ihnen verzeihen, und Sie wären nicht enttäuscht. Dies ist ein üppiger, weitläufiger und durch und durch amerikanischer Roman, eine Neuinterpretation eines klassischen Westerns, durchdrungen, wie alle besten Neuinterpretationen, mit vielen der Befriedigungen des Klischees, aber präsentiert neben einer Reihe neuer und besserer.

Zum Beispiel ist er für einen Western nicht besonders gewalttätig – oder nicht so gewalttätig, wie man es erwarten würde, obwohl das, was da ist, so gut geschrieben war, dass es mich aufkeuchen ließ – und stattdessen bekommen wir die Nachwirkungen: die Geister. Geister sind überall in diesem Roman und erinnern uns daran, dass jeder Ort und jede Zeit ihre eigene Geschichte hat, ihre eigenen Opfer, ihre eigene Art der Selbstbetrachtung. Sowohl Nora als auch Lurie sehen sie, obwohl nicht immer klar ist, dass sie beide an sie glauben. Wir glauben ihnen jedoch: So fesselnd ist die Textur von Obrehts Prosa.

Hier spielen zwei Geschichten: Zu Beginn des Romans wartet Nora, eine Pionierin im Arizona-Territorium im späten 19. Jahrhundert, mehr oder weniger geduldig auf die Rückkehr ihres Mannes und ihrer beiden ältesten Söhne, während ihr Wasser zur Neige geht und ihr jüngster Sohn beginnt, Monster im Unterholz zu sehen; dann gibt es Lurie, den Gesetzlosen und Einwanderer, der sich dem United States Camel Corps (ja, so etwas gab es) anschließt und eine lange Wanderung beginnt.

Diese beiden Geschichten konvergieren schließlich, auf eine Weise, die ich überhaupt nicht kommen sah – obwohl es im Nachhinein perfekt orchestriert, unvermeidlich war. Vielleicht war es mein Grad der Immersion, der mich davon abhielt, Obrehts geschickten Umgang mit Zeit und Raum zwischen und innerhalb der beiden Erzählungen zu bemerken. Es genügt zu sagen, wenn dies ein neuer amerikanischer Mythos ist, nehme ich ihn. –Emily Temple, Senior Editor

Cover des Buches Inland von Téa Obreht

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Lobende Erwähnungen

Eine Auswahl weiterer Bücher, die wir ernsthaft für beide Listen in Betracht gezogen haben – nur um noch gründlicher zu sein (und weil Entscheidungen schwer sind).

Emma Donoghue, Room (2010) · Jonathan Franzen, Freedom (2010) · Tana French, Faithful Place (2010) · Maaza Mengiste, Beneath the Lion’s Gaze (2010) · Aimee Bender, The Particular Sadness of Lemon Cake (2010) · Brady Udall, The Lonely Polygamist (2010) · Attica Locke, Black Water Rising (2010) · Jaimy Gordon, Lord of Misrule (2010) · Chang-rae Lee, The Surrendered (2010) · Paul Murray, Skippy Dies (2010) · Tom Rachman, The Imperfectionists (2010) · Nadifa Mohamed, Black Mamba Boy (2010) · Andrea Levy, The Long Song (2010) · Helen Oyeyemi, Mr. Fox (2011) · Nicholson Baker, House of Holes (2011) · Ann Patchett, State of Wonder (2011) · Alan Hollinghurst, The Stranger’s Child (2011) · Dana Spiotta, Stone Arabia (2011) · Justin Torres, We the Animals (2011) · Teju Cole, Open City (2011) · Donald Ray Pollock, The Devil All the Time (2011) · Eleanor Henderson, Ten Thousand Saints (2011) · Kevin Wilson, The Family Fang (2011) · Francisco Goldman, Say Her Name (2011) · Colson Whitehead, Zone One (2011) · Karen Russell, Swamplandia! (2011) · José Saramago, Cain (2011) · Julian Barnes, The Sense of an Ending (2011) · Ben Lerner, Leaving the Atocha Station (2011) · Adam Johnson, The Orphan Master’s Son (2012) · Edward St. Aubyn, At Last (2012) · Barbara Kingsolver, Flight Behavior (2012) · Sheila Heti, How Should a Person Be? (2012) · Karen Thompson Walker, The Age of Miracles (2012) · Louise Erdrich, The Round House (2012) · Kevin Powers, The Yellow Birds (2012) · Gillian Flynn, Gone Girl (2012) · G. Willow Wilson, Alif the Unseen (2012) · Amanda Coplin, The Orchardist (2012) · Hilary Mantel, Bring Up the Bodies (2012) · Zadie Smith, NW (2012) · Andrew Miller, Pure (2012) · Orhan Pamuk, Silent House (2012) · Jess Walter, Beautiful Ruins (2012) · Amelia Gray, Threats (2012) · Kevin Barry, City of Bohane (2012) · Jeet Thayil, Narcopolis (2012) · James Salter, All That Is (2013) · Edwidge Danticat, Claire of the Sea Light (2013) · James McBride, The Good Lord Bird (2013) · Mohsin Hamid, How to Get Filthy Rich in Rising Asia (2013) · Jhumpa Lahiri, The Lowland (2013) · Philipp Meyer, The Son (2013) · J. M. Ledgard, Submergence (2013) · Anthony Marra, A Constellation of Vital Phenomena (2013) · Alissa Nutting, Tampa (2013) · Margaret Atwood, MaddAddam (2013) · Ayana Mathis, The Twelve Tribes of Hattie (2013) · Donna Tartt, The Goldfinch (2013) · William H. Gass, Middle C (2013) · Kate Atkinson, Life After Life (2013) · Eleanor Catton, The Luminaries (2013) · Jim Harrison, Brown Dog (2013) · NoViolet Bulawayo, We Need New Names (2013) · Laila Lalami, The Moor’s Account (2014) · Atticus Lish, Preparation for the Next Life (2014) · Eimear McBride, A Girl is a Half-Formed Thing (2014) · Lily King, Euphoria (2014) · Akhil Sharma, Family Life (2014) · Emily St. John Mandel, Station Eleven (2014) · Dinaw Mengestu, All Our Names (2014) · Marilynne Robinson, Lila (2014) · Anthony Doerr, All the Light We Cannot See (2014) · Marlon James, A Brief History of Seven Killings (2014) · Nell Zink, The Wallcreeper (2014) · Catherine Lacey, Nobody is Ever Missing (2014) · Chang-Rae Lee, On Such a Full Sea (2014) · Jeffery Renard Allen, Song of the Shank (2014) · Nell Zink, The Wallcreeper (2014) · Celeste Ng, Everything I Never Told You (2014) · Merritt Tierce, Love Me Back (2014) · Siri Hustvedt, The Blazing World (2014) · Tom McCarthy, Satin Island (2015) · Angela Flournoy, The Turner House (2015) · Alexandra Kleeman, You Too Can Have a Body Like Mine (2015) · Ali Smith, How to Be Both (2015) · Sara Nović, Girl at War (2015) · Scarlett Thomas, The Seed Collectors (2015) · Nell Zink, Mislaid (2015) · James Hannaham, Delicious Foods (2015) · Claire-Louise Bennett, Pond (2016) · Jane Alison, Nine Island (2016) · Nicole Dennis-Benn, Here Comes the Sun (2016) · Max Porter, Grief is the Thing with Feathers (2016) · Imbolo Mbue, Behold the Dreamers (2016) · Tony Tulathimutte, Private Citizens (2016) · Emma Cline, The Girls (2016) · Deborah Levy, Hot Milk (2016) · Martin Seay, The Mirror Thief (2016) · Brit Bennett, The Mothers (2016) · Garth Greenwell, What Belongs to You (2016) · Jade Sharma, Problems (2016) · Adam Haslett, Imagine Me Gone (2016) · Esmé Weijun Wang, The Border of Paradise (2016) · Victor LaValle, The Changeling (2017) · Jon McGregor, Reservoir 13 (2017) · Andrew Sean Greer, Less (2017) · Katie Kitamura, A Separation (2017) · Scott McClanahan, The Sarah Book (2017) · Gabe Habash, Stephen Florida (2017) · George Saunders, Lincoln in the Bardo (2017) · Mohsin Hamid, Exit West (2017) · Hari Kunzru, White Tears (2017) · Omar El Akkad, American War (2017) · Jennifer Nansubuga Makumbi, Kintu (2017) · Min Jin Lee, Pachinko (2017) · Sally Rooney, Conversations With Friends (2017) · Fiona Mozley, Elmet (2017) · Amelia Gray, Isadora (2017) · Julie Buntin, Marlena (2017) · Tayari Jones, An American Marriage (2018) · Sigrid Nunez, The Friend (2018) · Madeline Miller, Circe (2018) · Nico Walker, Cherry (2018) · R. O. Kwon, The Incendiaries (2018) · Tommy Orange, There There (2018) · Gina Apostol, Insurrecto (2018) · Daisy Johnson, Everything Under (2018) · Dan Sheehan, Restless Souls (2018) · Tara Isabella Burton, Social Creature (2018) · Chandler Klang Smith, The Sky is Yours (2018) · Rebecca Makkai, The Great Believers (2018) · Jamie Quatro, Fire Sermon (2018) · Chloe Benjamin, The Immortalists (2018) · Akwaeke Emezi, Freshwater (2018) · Ling Ma, Severance (2018) · Lisa Halliday, Asymmetry (2018) · Wayétu Moore, She Would Be King (2018) · Ocean Vuong, On Earth We’re Briefly Gorgeous (2019) · Helen Phillips, The Need (2019) · Maurice Carlos Ruffin, We Cast a Shadow (2019) · Sarah Moss, Ghost Wall (2019) · Sophie Mackintosh, The Water Cure (2019) · Jeanette Winterson, Frankissstein (2019) · Lucy Ellman, Ducks, Newburyport (2019) · De’Shawn Charles Winslow, In West Mills (2019) · Sandra Newman, The Heavens (2019) · Colson Whitehead, The Nickel Boys (2019) · Elizabeth McCracken, Bowlaway (2019) · Kathleen Alcott, America Was Hard to Find (2019).

Die „Romane Top 10“ aus irgendeiner Periode zu wählen, ist immer eine Herausforderung, aber die Untersuchung einer breiteren Auswahl, wie der hier besprochenen zwanzig, bietet einen umfassenderen Blick auf die literarische Landschaft. Diese Romane, neben den vielen anderen, die zwischen 2010 und 2019 veröffentlicht wurden, repräsentieren ein reiches Geflecht menschlicher Erfahrung, erzählt durch vielfältige Stimmen und innovative Formen. Sie laden uns ein, über das vergangene Jahrzehnt nachzudenken und auf die Geschichten zu blicken, die noch kommen werden. Was waren Ihre Lieblingsromane von 2010-2019? Teilen Sie Ihre Gedanken in den Kommentaren unten.