Der Tod von Roger Scruton am 12. Januar bedeutete den Verlust eines angesehenen Philosophen und öffentlichen Intellektuellen, einer seltenen Stimme, die leidenschaftlich die Bedeutung der Schönheit verteidigte. Scruton widmete sein Leben der Pflege der Schönheit und dem Streben, die Welt „wieder zu verzaubern“. In seinem einflussreichen Dokumentarfilm „Why Beauty Matters“ legt er ein überzeugendes Argument vor, dass Schönheit eine grundlegende menschliche Notwendigkeit ist, die fähig ist, den Geist zu erheben und dem Leben Sinn zu verleihen. Er postuliert Schönheit als einen Wert, gleichwertig in seiner Bedeutung zu Wahrheit und Güte, der Trost im Leid und Bestätigung in der Freude bietet und so den inhärenten Wert der menschlichen Existenz offenbart.
Scruton vertrat die Ansicht, dass Schönheit in der heutigen Welt abnimmt, insbesondere in den Bereichen Kunst und Architektur. Für diejenigen, die in städtischen Landschaften aufgewachsen sind, ist die Verwirrung, die durch einen Großteil der modernen Kunst und Architektur entsteht, eine vertraute Erfahrung. Eine bewusste Entscheidung, Schönheit in den Dingen zu suchen, die Individuen oft an Orte führt, die für ihre ästhetische Harmonie bekannt sind, unterstreicht den tiefgreifenden Einfluss, den Schönheit auf das tägliche Leben und die Wahrnehmung haben kann.
Scrutons Kritik an der modernen Kunst beginnt häufig mit Marcel Duchamps berüchtigtem Urinal. Ursprünglich als satirischer Seitenhieb auf die Prätentionen der Kunstwelt gedacht, bedeutete seine Akzeptanz, dass potenziell alles als Kunst und jeder als Künstler betrachtet werden konnte. Dies ebnete den Weg für das, was Scruton als „Kult der Hässlichkeit“ bezeichnete, wo Originalität gegenüber Schönheit priorisiert wurde und die konzeptuelle Idee das Kunstwerk selbst in den Schatten stellte. Er argumentierte, dass die Kunst Gefahr laufe, zu einem bloßen Scherz zu werden, validiert von Kritikern, wodurch die Notwendigkeit für Können, Geschmack oder echte Kreativität schwand.
Dieses Gefühl resoniert tief bei jedem, der den Wandel in der künstlerischen Ausbildung oder Praxis in den letzten Jahrzehnten erlebt hat. Der Druck, traditionelle Fertigkeiten wie Malerei und Zeichnung zugunsten konzeptueller Ansätze oder gefundener Objekte zu meiden, unterstreicht die wahrgenommene Irrelevanz von Schönheit und Handwerk in bestimmten zeitgenössischen Kreisen. Der Fokus kann sich manchmal auf die Erzeugung intellektueller Rechtfertigung verschieben, anstatt auf ästhetische oder emotionale Wirkung, was zu einer Diskrepanz zwischen der Absicht des Künstlers und der Erfahrung des Betrachters führt.
Scruton setzte sich mit Künstlern auseinander, die abweichende Ansichten vertraten, wie Michael Craig-Martin, bekannt für sein Werk „An Oak Tree“ – ein Glas Wasser, begleitet von Text, der es als Eiche deklariert. Craig-Martin argumentierte, dass Duchamp die Vorstellungskraft anregt und dass der Status der Kunst durch unsere Wahrnehmung verliehen wird. Für viele, die jedoch solchen Werken begegnen, ist das anfängliche Gefühl Verwirrung, was manchmal zu Selbstzweifeln führt, dass einem einfach die intellektuelle Kapazität fehlt, „es zu verstehen“. Dies spiegelt die Geschichte von „Des Kaisers neue Kleider“ wider, wo die Validierung auf der Angst basiert, inkompetent zu erscheinen, statt auf echter Wertschätzung.
Scruton postulierte, dass die Konsumkultur diese Entwicklung in der modernen Kunst signifikant beeinflusst hat. Die ständige Flut von Werbeanzeigen, die darauf ausgelegt sind, aufdringlich und aufmerksamkeitsstark zu sein, um das Verlangen nach materiellen Gütern anzufachen, hat ein Umfeld geschaffen, in dem Kunst die Strategien der Werbung imitiert. Künstler, die versuchen, Marken zu schaffen, verkaufen sich selbst, wobei schockierende oder empörende Werke die meiste Aufmerksamkeit erregen. Scruton fand Werke wie Piero Manzonis „Künstlerscheiße“ – Dosen, angeblich gefüllt mit dem Kot des Künstlers – besonders verstörende Beispiele für dieses Phänomen.
Eine gängige Verteidigung der modernen Kunst ist, dass sie lediglich die Unordnung und Hässlichkeit des zeitgenössischen Lebens widerspiegelt. Scruton konterte dies, indem er vorschlug, dass große Kunst im Laufe der Geschichte die reale Welt immer durch die Linse des Idealen dargestellt und sie dadurch verklärt hat. Der künstlerische Akt liegt in dieser Verwandlung, nicht in der bloßen Nachbildung der Fehler der Realität.
Ein Meisterwerk erfordert kein traditionell schönes Thema; seine Schönheit wird durch die Interpretation und Darstellung des Künstlers geschmiedet. Rembrandts einfühlsame Porträts älterer Menschen oder Velazquez‘ mitfühlende Darstellungen der Hofzwerge am spanischen Hof veranschaulichen dies – sie finden Würde und Schönheit in Themen, die nicht konventionell idealisiert werden. Moderne Kunst, so Scruton, fixiert sich oft auf das wörtliche Thema und vernachlässigt die transformative Kraft des schöpferischen Akts. Er kontrastierte Tracey Emins Installation ‚My Bed‘ mit Delacroix‘ Gemälde seines eigenen ungemachten Bettes, um diesen Punkt zu veranschaulichen.
Detail aus Rembrandts Gemälde (1655): Alte Frau lesend, meisterhaft dargestellt
Beide Werke stellen ein ungemachtes Bett dar, eine Szene, die oft mit Unordnung oder Schmutzigkeit assoziiert wird. Dennoch verleiht Delacroix der Szene Schönheit durch seine bedachte Kunstfertigkeit, indem er Pinselstriche und Komposition anwendet, die emotionale Tiefe und formale Harmonie verleihen, und so seine eigene emotionale Turbulenz wirksam segnet, indem er sie in Kunst übersetzt. Emins Werk, das das wörtliche Objekt verwendet, präsentiert die Hässlichkeit direkt. Ihr zufolge stammt sein Status als Kunst einfach aus ihrer Erklärung, dass es so ist – eine Perspektive, die Scruton als unzureichend empfand.
Philosophen haben lange argumentiert, dass das Streben nach Schönheit grundlegend ist, um die Welt zu einem bedeutsamen Zuhause zu formen. Traditionelle Architektur, die Schönheit neben Nützlichkeit priorisiert, integriert verzierte Details und harmonische Proportionen, die ein menschliches Bedürfnis nach Ordnung und Erhebung befriedigen. Dies erinnert uns daran, dass menschliche Bedürfnisse über das Praktische hinausgehen und auch das Moralische und Spirituelle umfassen. Oscar Wildes berühmte Bemerkung: „Alle Kunst ist absolut nutzlos,“ war keine Ablehnung, sondern Lob, das die Kunst auf die Ebene wesentlicher, nicht-utilitärer menschlicher Erfahrungen hob, wie Liebe, Freundschaft und Anbetung – Dinge, die nicht streng „nützlich“, aber zutiefst benötigt werden.
Der Trevi-Brunnen in Rom, ein Symbol traditioneller architektonischer Schönheit und Harmonie
Die meisten Menschen haben die mitreißende Kraft der Schönheit erlebt – jenes Gefühl, aus der gewöhnlichen Welt herausgehoben zu werden in das, was Scruton als „die erleuchtete Sphäre der Kontemplation“ bezeichnete. Diese Erfahrung kann sich anfühlen wie die Begegnung mit einer höheren Realität. Seit der Antike betrachten Dichter und Philosophen die Begegnung mit Schönheit als Verbindung zum Göttlichen. Plato zum Beispiel sah Schönheit als kosmische Kraft, wobei er die erhebende Natur der Liebe (Gebend) von bloßer Lust (Nehmend) unterschied, was auf eine spirituelle und nicht nur rein physische Auseinandersetzung mit Schönheit hindeutet. Wie er berühmt sagte: „Schönheit ist ein Besucher aus einer anderen Welt. Wir können nichts mit ihr anfangen, außer ihren reinen Glanz zu kontemplieren.“
Traditionell waren Kunst und Schönheit eng miteinander verknüpft mit religiösem Ausdruck. Doch der Aufstieg der Wissenschaft führte zu einem spirituellen Vakuum, was die Menschen dazu brachte, Schönheit zunehmend in der Natur und im menschlichen Leben zu suchen und den künstlerischen Fokus von religiösen Themen auf Landschaften und Porträts verschob.
In der heutigen Kulturlandschaft wird Schönheit oft mit Misstrauen betrachtet oder als Relikt der Vergangenheit. Doch Scrutons Perspektive bietet eine kraftvolle Gegenerzählung. Seine Vision von Schönheit spendet Sinn, rettet uns vor alltäglichen Routinen und lädt uns zu höherer Kontemplation ein. Er ermutigte Künstler und Individuen gleichermaßen, sich nicht an der Realität zu rächen, indem sie lediglich ihre Hässlichkeit darstellen, sondern zur Praxis zurückzukehren, wo das Reale und das Ideale in Harmonie zusammenkommen, „unsere Sorgen trösten und unsere Freuden verstärken.“
Die Kultivierung der Sinne ermöglicht den Zugang zu einer reicheren Wahrnehmung der Welt. Künstler, geschult in Beobachtung und Interpretation, nehmen oft überall Schönheit wahr und besitzen das Können, sie anderen zu offenbaren. Für viele dient die Natur als primäre Quelle der Schönheit und als potenter Katalysator für Kreativität. Der Tonalist Maler George Inness riet Künstlern, ihre emotionale Reaktion auf ein Thema zu vermitteln, und dem Betrachter zu ermöglichen, dieses Gefühl zu teilen. Dieses Streben – die Liebe zur Welt auszudrücken und ihre Schönheit zu teilen – liegt im Kern vieler künstlerischer Bestrebungen, einschließlich der Poesie.
Scrutons Ideen zur Schönheit haben eine signifikante Resonanz für die Poesie. Wie die Malerei beschreibt die Poesie die Realität nicht nur; sie interpretiert und verwandelt sie durch Sprache, Rhythmus und Bildsprache. Ein Gedicht mag ein schwieriges oder sogar „hässliches“ Thema behandeln, aber die Kunstfertigkeit liegt darin, wie der Dichter das Rohmaterial formt, Form, emotionale Wahrheit und vielleicht sogar eine dunkle Schönheit darin findet. Der Dichter erhebt durch Handwerk und Vision das Alltägliche, das Schmerzhafte oder das Gewöhnliche zu etwas, das tief resoniert, und bietet jenen gleichen Sinn für Entrückung und Kontemplation, den Scruton diskutierte. Sein Aufruf, das Ideale im Realen zu suchen und Werke zu schaffen, die trösten und Freude verstärken, gilt direkt für die Aufgabe des Dichters, Sinn und Schönheit im menschlichen Dasein und der Welt um uns herum zu finden. Scruton zu begegnen, wie es einige das Privileg hatten, offenbarte einen Mann, der diesen Prinzipien verpflichtet war, der die Wiederbelebung von Kunstformen, einschließlich der Poesie, erkannte und unterstützte, die nach darstellender und emotionaler Wahrheit streben, geleitet vom Streben nach Schönheit.
[internal_links]
Zusammenfassend bietet Roger Scrutons „Why Beauty Matters“ eine tiefgründige und zeitgemäße Meditation über die essenzielle Rolle der Schönheit im menschlichen Leben, in Kunst und Architektur. Seine Argumente, obgleich kritisch gegenüber bestimmten modernen Trends, dienen nicht als Ablehnung des Neuen, sondern als kraftvolle Erinnerung daran, was verloren geht, wenn Schönheit entwertet wird. Für Liebhaber und Praktiker der Poesie bietet Scrutons Philosophie einen essenziellen Rahmen, um den Zweck der Kunstform zu verstehen: nicht nur die Welt widerzuspiegeln, wie sie ist, sondern sie zu verklären, Harmonie zu suchen, Trost zu spenden und uns mit tieferen Wahrheiten und höheren Erfahrungen zu verbinden. Die Auseinandersetzung mit seinem Werk fördert eine erneute Wertschätzung für die bleibende Kraft der Schönheit, unser Leben zu bereichern und das Potenzial der Welt für Verzauberung zu offenbaren.