Sonett-Beispiele: Form, Bedeutung & berühmte Gedichte

Sie sind wahrscheinlich schon auf Sonette gestoßen, vielleicht im Literaturunterricht, und haben sie als eine bedeutende Gedichtform erkannt. Allerdings kann es manchmal eine Herausforderung sein, ihre Bedeutung vollständig zu erfassen.

Die gute Nachricht ist, dass das Verstehen von Gedichten eine Fähigkeit ist, die jeder mit Übung entwickeln kann. Um Sie auf diesem Weg zu unterstützen, haben wir zehn berühmte Sonette ausgewählt und detaillierte Erklärungen dazu bereitgestellt. Das Lesen dieser Sonett-Beispiele zusammen mit der Expertenanalyse wird nicht nur ihren Inhalt klären, sondern Ihnen auch helfen, Ihre eigenen interpretatorischen Fähigkeiten zu verfeinern.

Dieser Leitfaden soll Ihnen helfen, das Sonett zu meistern, indem er:

• Definiert, was ein Sonett ist.
• Zehn der bekanntesten Sonette vorstellt und analysiert.
• Eine Liste der besten Ressourcen für weiteres Lernen über Sonette zusammenstellt.

Lassen Sie uns in einige Sonett-Beispiele eintauchen und ihre Tiefen erkunden.

Das Sonett verstehen: Form und Definition

Eine Struktur des Sonetts ist eine spezifische Art von Gedicht, das sich durch seine vierzehn Verse auszeichnet. Die Struktur, insbesondere das Reimschema, variiert je nach Ursprung und Art des Sonetts. Der Begriff „Sonett“ stammt vom italienischen Wort sonetto ab, was wörtlich „kleines Lied“ bedeutet. Die Einhaltung eines definierten Reimschemas verleiht Sonetten oft eine musikalische Qualität, wenn sie laut vorgelesen werden.

Historisch entwickelte sich das Sonett in Italien und England unterschiedlich, was zu Variationen bei Reimschemata, thematischem Fokus und der Gesamtstruktur führte. Unabhängig von der spezifischen Art weist jedoch jedes Sonett die folgenden Hauptmerkmale auf:

• 14 Zeilen
• Ein ausgeprägtes Reimschema
• Jambischer Fünfheber (eine Verszeile mit zehn Silben, abwechselnd unbetont und betont)

Für eine detailliertere Erkundung dieser Elemente und der verschiedenen Arten von Sonetten stehen weitere Ressourcen zur Verfügung, die tiefer in die Form des Sonetts eintauchen.

Dekoratives Bild, das das zehnte Sonett in der Liste darstellt.

Zehn berühmte Sonett-Beispiele, erklärt

Die Untersuchung konkreter Beispiele ist ein effektiver Weg, um Sonette besser zu verstehen. Dieser Abschnitt stellt zehn historisch bedeutende Sonette vor, bietet Hintergrundinformationen, identifiziert die Sonett-Art und liefert eine kurze Analyse für jedes Einzelne. Die ersten fünf Beispiele sind Shakespeare’sche Sonette, während die folgenden fünf verschiedene Formen zeigen, darunter Spenser’sche, moderne englische, Milton’sche und italienische/Petrarkische Sonett-Beispiele.

Es ist wichtig zu bedenken, dass Interpretationen literarischer Werke subjektiv sein können. Ergänzen Sie diese Analysen gerne mit Ihren eigenen Lesarten oder weiterer Forschung, während Sie sich mit diesen Sonett-Beispielen auseinandersetzen.

1. „My Mistress‘ Eyes Are Nothing Like the Sun“ (Sonett 130) von William Shakespeare (Shakespeare’sches Sonett)

My mistress‘ eyes are nothing like the sun; Coral is far more red than her lips‘ red; If snow be white, why then her breasts are dun; If hairs be wires, black wires grow on her head. I have seen roses damasked, red and white, But no such roses see I in her cheeks; And in some perfumes is there more delight Than in the breath that from my mistress reeks. I love to hear her speak, yet well I know That music hath a far more pleasing sound; I grant I never saw a goddess go; My mistress, when she walks, treads on the ground. And yet, by heaven, I think my love as rare As any she belied with false compare.

Dies ist eines der berühmtesten Sonett-Beispiele Shakespeares. Wie viele Sonette dieser Zeit scheint es oberflächlich die Erscheinung der Geliebten zu preisen, führt aber eine einzigartige Wendung ein. Der Sprecher vergleicht seine Geliebte mit konventionellen Naturschönheiten – der Sonne, Koralle, Schnee, Rosen –, stellt aber ausdrücklich fest, dass sie diese idealisierten Qualitäten nicht besitzt. Ihre Augen sind nicht wie die Sonne, Koralle ist roter als ihre Lippen, und so weiter.

Die Volta oder Wende tritt typischerweise im Schlusskuplett eines Shakespeare’schen Sonetts auf und sorgt oft für einen Stimmungs- oder Argumentwechsel. In den drei vorhergehenden Vierzeilern hebt der Sprecher konsequent hervor, wie seine Geliebte den konventionellen, übertriebenen Schönheitsidealen nicht entspricht. Die abrupte Verschiebung erfolgt mit dem Ausdruck „And yet“ (Und doch) im Couplet. Obwohl er zugibt, dass ihr die idealisierten Merkmale fehlen, erklärt der Sprecher, dass seine Liebe so selten und wertvoll ist wie jede Liebe, die durch falsche Vergleiche idealisiert wird.

Dieses Sonett dient als Satire auf die übertriebenen und oft unerreichbaren Darstellungen weiblicher Schönheit, die in elisabethanischen Sonetten weit verbreitet waren. Shakespeare nutzt eine realistische Darstellung seiner Geliebten, um den Trend zur unrealistischen Idealisierung zu kritisieren und zu betonen, dass seine Liebe auf der Wertschätzung ihrer wahren Gestalt basiert.

2. „Shall I Compare Thee To A Summers’ Day?“ (Sonett 18) von William Shakespeare (Shakespeare’sches Sonett)

Shall I compare thee to a summer’s day? Thou art more lovely and more temperate: Rough winds do shake the darling buds of May, And summer’s lease hath all too short a date; Sometime too hot the eye of heaven shines, And often is his gold complexion dimm’d; And every fair from fair sometime declines, By chance or nature’s changing course untrimm’d; But thy eternal summer shall not fade, Nor lose possession of that fair thou ow’st; Nor shall death brag thou wander’st in his shade, When in eternal lines to time thou grow’st: So long as men can breathe or eyes can see, So long lives this, and this gives life to thee.

Im Gegensatz zum vorherigen Beispiel hält sich dieses Sonett an das traditionelle Thema, die Schönheit der Geliebten mit den angenehmen Aspekten der Natur zu vergleichen. Der Sprecher findet „thee“ (wahrscheinlich ein Liebesinteresse) sogar noch lieblicher und beständiger als einen Sommertag. Das Gedicht erforscht jedoch mehr als nur das äußere Erscheinungsbild; es berührt auch das Thema der Jugend und ihrer Vergänglichkeit.

Der Sprecher bemerkt die vergänglichen Qualitäten des Sommers – seine Kürze, die Rauheit stürmischer Winde, die übermäßige Hitze oder das gedämpfte Licht der Sonne und den eventuellen Verfall der Schönheit („every fair from fair sometime declines“). Diese Reflexion über den Wandel der Natur ist eine Metapher für das Altern. Der Sprecher verknüpft Jugend mit Sommer, einer Jahreszeit, die unweigerlich in Herbst und Winter übergeht, so wie auch Menschen älter werden.

Die Volta erscheint zu Beginn des dritten Vierzeilers mit „But thy eternal summer shall not fade“ (Aber dein ewiger Sommer wird nicht verblassen). Hier schwenkt das Gedicht um. Der Sprecher behauptet, dass der „ewige Sommer“ der Geliebten – ihr Wesen und ihre Schönheit – mit der Zeit nicht schwinden wird, weil er unsterblich gemacht wird. Das Schlusskuplett liefert das Mittel zur Unsterblichkeit: das Gedicht selbst. Durch die „eternal lines“ (ewigen Zeilen) des Sprechers wird die Geliebte weiterleben und Tod und Zeit trotzen, solange das Gedicht gelesen wird.

3. „That Time Of Year Thou Mayest In Me Behold“ (Sonett 73) von William Shakespeare (Shakespeare’sches Sonett)

That time of year thou mayst in me behold When yellow leaves, or none, or few, do hang Upon those boughs which shake against the cold, Bare ruin’d choirs, where late the sweet birds sang. In me thou see’st the twilight of such day As after sunset fadeth in the west, Which by and by black night doth take away, Death’s second self, that seals up all in rest. In me thou see’st the glowing of such fire That on the ashes of his youth doth lie, As the death-bed whereon it must expire, Consum’d with that which it was nourish’d by. This thou perceiv’st, which makes thy love more strong, To love that well which thou must leave ere long.

Dieses Shakespeare’sche Sonett, das an den „Fair Youth“ (eine Figur, die in vielen Sonetten Shakespeares vorkommt) gerichtet ist, konzentriert sich ausdrücklich auf das Thema Alter und Sterblichkeit aus der Perspektive des Sprechers. Jeder der drei Vierzeiler präsentiert eine andere Metapher für die Erfahrung des Sprechers im Alter, eingeleitet durch den wiederkehrenden Ausdruck „In me thou see’st“ (In mir siehst du).

Der erste Vierzeiler vergleicht das Altern mit dem Spätherbst oder frühen Winter – einer Zeit mit gelben oder wenigen Blättern an kalten, kahlen Zweigen, wie ruinierte Strukturen, in denen einst süße Vögel sangen. Der zweite Vierzeiler vergleicht das Altern mit der Dämmerung, dem nach Sonnenuntergang im Westen verblassenden Licht, das nach und nach von der schwarzen Nacht verdrängt wird, dem zweiten Selbst des Todes, das alles in Ruhe versiegelt. Der dritte Vierzeiler verwendet das Bild eines erlöschenden Feuers, das schwach auf der Asche seiner früheren Intensität glüht und sich selbst verzehrt, während es schwindet.

Die Volta kommt im abschließenden Couplet. Der Sprecher beobachtet, dass der Fair Youth diesen Prozess des Alterns in ihm bezeugt. Diese Wahrnehmung verringert jedoch nicht die Zuneigung des Jugendlichen, sondern verstärkt sie. Die Liebe des Jugendlichen wird stärker, weil er die Kostbarkeit dessen erkennt, was er bald verlieren wird. Shakespeare verbindet meisterhaft menschliches Altern mit natürlichen Kreisläufen (Jahreszeiten, Tag/Nacht, das Leben des Feuers), was darauf hindeutet, dass es ein universeller Prozess ist. Das Gedicht ermutigt dazu, Menschen und Momente wegen ihrer Endlichkeit wertzuschätzen.

Sonnenuntergang, der den Lauf der Zeit symbolisiert, ein häufiges Thema in Sonett-Beispielen.

4. „If There Be Nothing New, But That Which Is“ (Sonett 59) von William Shakespeare (Shakespeare’sches Sonett)

If there be nothing new, but that which is Hath been before, how are our brains beguil’d, Which, labouring for invention, bear amiss The second burthen of a former child! O, that record could with a backward look, Even of five hundred courses of the sun, Show me your image in some antique book, Since mind at first in character was done! That I might see what the old world could say To this composed wonder of your frame; Whether we are mended, or whe’r better they, Or whether revolution be the same. O! sure I am, the wits of former days To subjects worse have given admiring praise.

Ein weiteres Sonett-Beispiel aus der Fair Youth-Sequenz, dieses Gedicht, betrachtet die alte philosophische Idee, dass sich die Geschichte wiederholt und „nichts Neues unter der Sonne ist“. Dieses Konzept, adaptiert aus Quellen wie dem biblischen Buch Prediger, legt nahe, dass Ereignisse und menschliche Erfahrungen zyklisch sind.

Der Sprecher setzt sich mit dieser Idee in Bezug auf das Preisen des Jugendlichen auseinander. Er hat das Gefühl, sein „Gehirn ist betrogen“ und kämpft um „Erfindung“ (Originalität), weil jedes Lob, das er dem Jugendlichen darbringen könnte, offenbar bereits über Personen aus der Vergangenheit ausgesprochen wurde. Er wünscht sich, er könnte 500 Jahre Geschichte (500 „courses of the sun“) zurückblicken, um zu sehen, ob das Bild oder die gleichwertige Schönheit des Jugendlichen damals existierte und wie sie beschrieben wurde. Dieser Wunsch entspringt dem Bedürfnis, zu beurteilen, ob die Gegenwart (oder der Jugendliche) eine Verbesserung („whether we are mended“) im Vergleich zur Vergangenheit darstellt.

Die Volta im Schlusskuplett bekräftigt den festen Glauben des Sprechers, dass der Jugendliche trotz der scheinbar zyklischen Natur der Dinge einzigartig außergewöhnlich ist. Er ist überzeugt, dass „the wits of former days“ (Dichter und Denker vergangener Tage) Personen priesen, die „schlechter“ oder weniger verdient waren als der Jugendliche. So argumentiert das Gedicht letztlich für die einzigartige, beispiellose Schönheit und das Wunder des Geliebten und widerlegt die anfängliche Prämisse, dass nichts wirklich neu ist.

Das Gedicht „If There Be Nothing New, But That Which Is“ spielt auf das alte Sprichwort „Nichts Neues unter der Sonne“ an, ein Konzept, das in verschiedenen literarischen und philosophischen Traditionen zu finden ist.

5. „Not Marble Nor the Gilded Monuments“ (Sonett 55) von William Shakespeare (Shakespeare’sches Sonett)

Not marble nor the gilded monuments Of princes shall outlive this powerful rhyme, But you shall shine more bright in these contents Than unswept stone besmeared with sluttish time. When wasteful war shall statues overturn, And broils root out the work of masonry, Nor Mars his sword nor war’s quick fire shall burn The living record of your memory. ’Gainst death and all-oblivious enmity Shall you pace forth; your praise shall still find room Even in the eyes of all posterity That wear this world out to the ending doom. So, till the Judgement that yourself arise, You live in this, and dwell in lovers’ eyes.

Dieses kraftvolle Sonett erkundet das bleibende Thema der Fähigkeit der Kunst, Zeit und Sterblichkeit zu überwinden, insbesondere im Gegensatz zu physischen Strukturen. Erneut an den Fair Youth gerichtet, argumentiert der Sprecher, dass seine geschriebenen Worte – insbesondere dieses Gedicht – eine dauerhaftere Hommage sein werden als selbst die haltbarsten von Menschen geschaffenen Denkmäler wie „marble nor the gilded monuments of princes“ (Marmor noch die vergoldeten Denkmäler von Fürsten).

Shakespeare übertreibt die Zerbrechlichkeit physischer Objekte, indem er sie der Unsterblichkeit gegenüberstellt, die sein Vers verleiht. Er stellt sich eine Zukunft vor, in der Krieg und Zeit („sluttish time“) Statuen, Mauerwerk und prächtige Denkmäler zerstören werden. Der „living record“ (lebendige Aufzeichnung) der Erinnerung des Jugendlichen, bewahrt im Gedicht, wird jedoch diese zerstörerischen Kräfte überleben.

Die Volta bekräftigt diese Behauptung und proklamiert, dass der Geliebte gegen Tod und Vergessenheit bestehen („pace forth“) wird. Sein Lob wird weiterhin durch „all posterity“ (alle Nachwelt) – zukünftige Generationen – widerhallen, bis zum Ende der Welt oder sogar dem Jüngsten Gericht. Das Schlusskuplett erklärt ausdrücklich, dass der Jugendliche „live[s] in this“ (in diesem lebt) (dem Gedicht) und „in lovers’ eyes“ (in den Augen Liebender) wohnt, was darauf hindeutet, dass das Vermächtnis des Gedichts seine Erinnerung und Schönheit durch den Akt des Lesens und Liebens fortbestehen lässt. Dieses Sonett ist ein Zeugnis des Vertrauens des Dichters in die Kraft seiner Kunst.

6. „How Do I Love Thee?“ (Sonett 43) von Elizabeth Barrett Browning (Petrarkisches/Italienisches Sonett)

How do I love thee? Let me count the ways. I love thee to the depth and breadth and height My soul can reach, when feeling out of sight For the ends of being and ideal grace. I love thee to the level of every day’s Most quiet need, by sun and candle-light. I love thee freely, as men strive for right. I love thee purely, as they turn from praise.

I love thee with the passion put to use In my old griefs, and with my childhood’s faith. I love thee with a love I seemed to lose With my lost saints. I love thee with the breath, Smiles, tears, of all my life; and, if God choose, I shall but love thee better after death.

Über Shakespeare hinaus präsentiert dieses berühmte Beispiel der viktorianischen Dichterin Elizabeth Barrett Browning die Petrarkische oder Italienische Sonettform. Dieses Gedicht, das 1850 als Teil ihrer Sonnets from the Portuguese veröffentlicht wurde, ist wohl ihr bekanntestes Werk. Ein bemerkenswerter Aspekt ist, dass es die Perspektive einer Frau auf die Liebe bietet, was in traditionellen Sonettzyklen weniger verbreitet war.

Die Oktave (die ersten acht Zeilen) stellt die zentrale Frage „How do I love thee?“ (Wie liebe ich dich?), die der Sprecher dann beantwortet, indem er verschiedene Dimensionen und Intensitäten ihrer Liebe aufzählt. Sie beschreibt eine Liebe, die die Grenzen der Fassungskraft ihrer Seele erreicht, in den Alltag integriert ist („sun and candle-light“), frei gegeben wird und rein ist. Diese Zeilen betonen die grenzenlose und allumfassende Natur ihrer Zuneigung.

Die Volta findet zwischen der Oktave und dem Sestett (den letzten sechs Zeilen) statt. Die Sprecherin zählt weiterhin die Arten auf, wie sie liebt, und zieht Vergleiche aus ihren früheren Erfahrungen – die Intensität der Leidenschaft, die in Trauer zu finden ist, die unerschütterliche Gewissheit des kindlichen Glaubens und eine Liebe, die sie nach einer Zeit des Verlustes scheinbar wiedererlangt hat. Das Gedicht gipfelt in einer kraftvollen Erklärung, dass ihre Liebe sogar über den Tod hinausgeht, was auf ihre ewige und vervollkommnende Qualität hindeutet. Dieses Sonett ist eine tiefgründige Erkundung der Tiefe und Ausdauer der Liebe. Es könnte Sie interessieren, diese Struktur mit einer Stanze mit 6 Zeilen zu vergleichen, die in anderen Gedichtformen wie dem Sestett verwendet wird.

7. „Sonnet 75“ aus Amoretti von Edmund Spenser (Spenser’sches Sonett)

One day I wrote her name upon the strand, But came the waves and washed it away: Again I write it with a second hand, But came the tide, and made my pains his prey. Vain man, said she, that doest in vain assay, A mortal thing so to immortalize, For I myself shall like to this decay, And eek my name be wiped out likewise. Not so, (quod I) let baser things devise To die in dust, but you shall live by fame: My verse, your virtues rare shall eternize, And in the heavens write your glorious name. Where whenas death shall all the world subdue, Our love shall live, and later life renew.

Dieses Sonett, Teil von Edmund Spensers Sequenz Amoretti von 1595, liefert ein Beispiel für die Spenser’sche Sonettform. Sein Thema ähnelt Shakespeares Sonett 55 und konzentriert sich auf den Ehrgeiz, die Geliebte durch Dichtung unsterblich zu machen. Der Eröffnungsvierzeiler schildert die wiederholten, vergeblichen Versuche des Sprechers, den Namen seiner Geliebten an den Strand („strand“) zu schreiben, nur damit die Wellen ihn wegwaschen und seine Bemühungen („pains“) fruchtlos machen.

Im zweiten Vierzeiler spricht die Geliebte und bezeichnet den Sprecher als „vain“ (eitel), weil er versucht, etwas Unsterbliches zu machen („a mortal thing“), das von Natur aus vergänglich ist, genauso wie sie selbst schließlich zerfallen und ihr Name ebenfalls in Vergessenheit geraten wird.

Der dritte Vierzeiler zeigt das Gegenargument des Sprechers. Er weist die Vorstellung zurück, dass sie einfach „in dust“ (im Staub) sterben wird, und verkündet, dass sie durch „fame“ (Ruhm) Unsterblichkeit erlangen wird. Er behauptet, dass sein „verse“ (Vers) ihre „virtues rare“ (seltenen Tugenden) „eternize“ (unsterblich machen) und ihren Namen nicht in vergänglichen Sand, sondern „in the heavens“ (im Himmel) schreiben wird. Das Couplet bekräftigt dieses Versprechen und erklärt, dass selbst wenn der Tod die ganze Welt unterwirft, „Our love shall live, and later life renew“ (Unsere Liebe wird leben und späteres Leben erneuern), was die bleibende Kraft ihrer Liebe betont, wie sie in seiner Dichtung festgehalten ist. Dieses Sonett hebt den Glauben der Renaissance an die Fähigkeit des Dichters hervor, durch Verse ewiges Leben zu verleihen.

8. „When I Consider How My Light is Spent“ von John Milton (Milton’sches Sonett)

When I consider how my light is spent, Ere half my days, in this dark world and wide, And that one Talent which is death to hide Lodged with me useless, though my Soul more bent

To serve therewith my Maker, and present My true account, lest he returning chide; “Doth God exact day-labour, light denied?” I fondly ask. But patience, to prevent

That murmur, soon replies, “God doth not need Either man’s work or his own gifts; who best Bear his mild yoke, they serve him best. His state

Is Kingly. Thousands at his bidding speed And post o’er Land and Ocean without rest: They also serve who only stand and wait.”

John Miltons Sonett, das 1673 veröffentlicht wurde, ist ein Beispiel für die Milton’sche Form, die oft die petrarkische Aufteilung in Oktave und Sestett beibehält, jedoch mit weniger deutlichen Übergängen zwischen den Abschnitten. Dieses Gedicht wird häufig als „On His Blindness“ (Über seine Blindheit) betitelt und spiegelt Miltons persönliche Erfahrung mit dem Verlust des Sehvermögens wider. „Light“ (Licht) kann jedoch auch spirituelle oder intellektuelle Klarheit symbolisieren. In der Oktave (den ersten acht Zeilen) reflektiert der Sprecher mit Besorgnis („consider“), wie sein „light“ genutzt wurde („spent“), noch ehe er die Mitte seines Lebens erreicht hat. Er beklagt, dass sein wichtigstes „Talent“ – wahrscheinlich seine poetische Fähigkeit oder die Fähigkeit zu dienen – aufgrund seines Zustands „useless“ (nutzlos) erscheint, obwohl seine Seele mehr darauf bedacht ist, Gott („his Maker“) zu dienen. Er fragt, ob Gott von jemandem, dem das „light“ verweigert wird, das gleiche Maß an aktivem Dienst („day-labour“) erwartet.

Die Volta erfolgt subtil, als die innere Befragung des Sprechers in eine Antwort übergeht, die von „patience“ (Geduld) gegeben wird. Das Sestett (die letzten sechs Zeilen) präsentiert diese Antwort. Die Geduld versichert dem Sprecher, dass Gott keine spezifischen Werke oder Gaben benötigt, sondern vielmehr treue Unterwerfung schätzt („who best / Bear his mild yoke, they serve him best“ – wer am besten sein sanftes Joch trägt, dient ihm am besten). Sie betont Gottes Souveränität und die unzähligen Arten, wie ihm gedient wird, einschließlich derer, die nicht in der Lage sind, offensichtliche Handlungen zu vollziehen, sondern stattdessen „only stand and wait“ (nur stehen und warten) auf seinen Willen. Dieses Sonett untersucht Themen wie Pflicht, Glaube, körperliche Einschränkung und verschiedene Formen des Dienstes am Göttlichen. Das Erkunden verschiedener poetischer Strukturen wie dieser kann Perspektiven eröffnen, wenn man Formen wie Canto-Dichtung oder die beste Übersetzung von Dantes Göttlicher Komödie betrachtet. Dantes Göttliche Komödie schildert die mythische Reise des Dichters durch Hölle, Fegefeuer und Paradies und bietet eine andere Art von struktureller und thematischer Komplexität.

Bild, das Blindheit oder Mangel an Sehkraft symbolisiert und auf ein Beispiel eines Milton'schen Sonetts verweist.

9. „What My Lips Have Kissed, and Where, and Why“ von Edna St. Vincent Millay (Petrarkisches/Italienisches Sonett)

What lips my lips have kissed, and where, and why, I have forgotten, and what arms have lain Under my head till morning; but the rain Is full of ghosts tonight, that tap and sigh Upon the glass and listen for reply, And in my heart there stirs a quiet pain For unremembered lads that not again Will turn to me at midnight with a cry. Thus in winter stands the lonely tree, Nor knows what birds have vanished one by one, Yet knows its boughs more silent than before: I cannot say what loves have come and gone, I only know that summer sang in me A little while, that in me sings no more.

Edna St. Vincent Millay, eine prominente Dichterin des frühen zwanzigsten Jahrhunderts, bietet dieses petrarkische Sonett an, das das Thema verlorener Lieben erkundet. Die Oktave beginnt mit einem Ton der Reflexion über vergangene romantische Begegnungen. Die Sprecherin gibt offen zu, dass sie die Einzelheiten dieser vergangenen Beziehungen vergessen hat – die Identitäten derer, die sie geküsst hat, die Orte und die Gründe. Der gegenwärtige Moment, gekennzeichnet durch den klopfenden Regen („full of ghosts“), erweckt einen „quiet pain“ (stillen Schmerz) in ihrem Herzen, nicht für die vergessenen Personen selbst („unremembered lads“), sondern für die Abwesenheit der Erfahrungen, die sie repräsentierten.

Die Volta leitet das Sestett ein, das in einen Ton melancholischer Trauer über ein Gefühl übergeht, das verschwunden ist. Ein Vergleich vergleicht den gegenwärtigen Zustand der Sprecherin mit einem einsamen Baum im Winter. Der Baum erinnert sich nicht an die einzelnen Vögel, die verschwunden sind, ist sich aber der Stille auf seinen Zweigen sehr bewusst. Ebenso kann die Sprecherin die spezifischen vergangenen Lieben nicht benennen, weiß aber, dass das lebhafte Gefühl, das mit ihnen verbunden war, verschwunden ist.

Die abschließenden Zeilen offenbaren den Kern des Kummers der Sprecherin: Sie weiß nur, dass „summer sang in me / A little while, that in me sings no more“ (Sommer sang in mir / Eine Weile, der in mir nicht mehr singt). Dieses lebhafte, freudige Gefühl („summer“), das während dieser vergangenen Lieben existierte, ist es, was sie wirklich vermisst. Millays Sonett gibt dem traditionellen Thema eine moderne, introspektive Wendung und konzentriert sich auf die subjektive emotionale Erfahrung statt auf das Objekt der Zuneigung.

10. „Sonnet“ von Billy Collins (Modernes Sonett)

All we need is fourteen lines, well, thirteen now, and after this next one just a dozen to launch a little ship on love’s storm-tossed seas, then only ten more left like rows of beans. How easily it goes unless you get Elizabethan and insist the iambic bongos must be played and rhymes positioned at the ends of lines, one for every station of the cross. But hang on here while we make the turn into the final six where all will be resolved, where longing and heartache will find an end, where Laura will tell Petrarch to put down his pen, take off those crazy medieval tights, blow out the lights, and come at last to bed.

Für unser letztes Sonett-Beispiel wenden wir uns dem zeitgenössischen amerikanischen Dichter Billy Collins zu. Dieses „Sonett“, das 1999 veröffentlicht wurde, ist ein Meta-Kommentar zur Sonettform selbst und reflektiert spielerisch über ihre traditionelle Struktur und Konventionen.

Collins‘ Gedicht weist humorvoll auf die Schlüsselelemente traditioneller Sonette hin: die Anforderung von vierzehn Zeilen (wobei er beim Schreiben herunterzählt), das typische Thema der Liebe („love’s storm-tossed seas“ – auf den sturmgepeitschten Meeren der Liebe), die Verwendung des Jambischen Fünfhebers („iambic bongos“), strenge Reimschemata und die erwartete Struktur mit einer Wende („make the turn“), die zu einer Auflösung in den letzten Zeilen führt („the final six where all will be resolved“ – den letzten sechs, wo alles gelöst wird). Er bezieht sich sogar auf historische Figuren, die mit der Form verbunden sind, indem er die „Elizabethan“ (Elisabethanische) Ära und Petrarch (und seine Geliebte Laura) erwähnt.

Der Sinn dieser meta-poetischen Übung scheint darin zu liegen, das Sonett zu entmystifizieren und einem modernen Publikum zugänglich zu machen. Indem er die strengen Regeln der Form humorvoll hervorhebt, feiert und verspottet Collins sie gleichzeitig sanft und suggeriert, dass zeitgenössische Dichter die Form trotz der Tradition mit Flexibilität und Verspieltheit angehen können. Es ermutigt die Leser, das Sonett nicht nur als starres historisches Artefakt zu sehen, sondern als ein lebendiges, anpassungsfähiges Gefäß für den Ausdruck.

Ein Porträt des Dichters Billy Collins. (David Shankbone/Flickr)

Ressourcen zur Erkundung von Sonett-Beispielen

Die Sonettform ist ein Eckpfeiler der Literaturgeschichte, und zahlreiche Ressourcen können Ihnen helfen, tiefer in ihre Feinheiten einzutauchen und weitere Sonett-Beispiele zu entdecken. Wir haben eine Liste von fünf exzellenten Ressourcen zusammengestellt, um Ihr Wissen zu erweitern. Diese Auswahl umfasst Online-Plattformen, Bücher und sogar eine moderne, spielerische Herangehensweise, die die anhaltende Relevanz und Faszination des Sonetts über Jahrhunderte hinweg veranschaulicht.

The Poetry Foundation

Wenn Sie eine selbstgeführte Erkundung bevorzugen, ist die Website von The Poetry Foundation eine unschätzbare Ressource. Diese unabhängige literarische Organisation widmet sich der Bereitstellung des freien Zugangs zu allen Aspekten der Dichtung für die Öffentlichkeit. Ihr umfangreiches Online-Archiv ermöglicht es Ihnen, unzählige Sonett-Beispiele zu lesen, biografische Profile von Dichtern zu erkunden, auf Artikel und Essays über Sonette zuzugreifen und sogar Audioaufnahmen anzuhören. Die Suche nach „sonnet“ auf ihrer Website ist ein großartiger Ausgangspunkt für Entdeckungen.

Logo der Website von The Poetry Foundation, einer Ressource zum Lesen von Sonett-Beispielen.

Shakespeare’s Sonnets (shakespeares-sonnets.com)

Für alle, die sich speziell für die Sonette der elisabethanischen Ära, insbesondere Shakespeares, interessieren, ist diese Online-Ressource sehr zu empfehlen. Sie bietet den vollständigen Text aller Sonette Shakespeares, jeweils begleitet von beschreibenden Kommentaren. Die Website enthält auch Sonett-Beispiele anderer bekannter elisabethanischer Dichter wie Edmund Spenser und Philip Sidney. Ihre konsistente Struktur – vollständiger Text, kurze Übersicht und Zeile-für-Zeile-Erklärung für jedes Sonett – macht sie benutzerfreundlich und zu einem soliden Werkzeug für den Beginn der Sonettanalyse.

The Making of A Sonnet: A Norton Anthology

Getreu dem Ruf der Norton Anthologien ist dieses Buch eine umfassende Ressource. Es verfolgt die Entwicklung des Sonetts über fünf Jahrhunderte und analysiert bedeutende Dichter und historische Entwicklungen, die die Form prägten. Die Anthologie enthält 300 Sonette und bietet ein breites Spektrum an Beispielen. Sie ist eine wertvolle Ressource für Studenten und Dozenten und bietet Material zum Studium sowie Anregungen für Diskussionen und das Schreiben.

Pop Sonnets: Shakespearean Spins On Your Favorite Songs

Dieses Buch bietet einen unterhaltsamen und ansprechenden Ansatz für das Sonett. Pop Sonnets interpretiert 100 beliebte Songs als Shakespeare’sche Sonette neu und schlägt eine Brücke zwischen traditioneller Dichtung und zeitgenössischer Kultur. Seine humorvolle Herangehensweise zeigt die Anpassungsfähigkeit der Sonettform und kann ein inspirierendes Werkzeug für kreatives Schreiben oder dafür sein, Sonette für Studenten und allgemeine Leser zugänglicher zu machen.

Shakespeare’s Sonnets, Retold

Ein weiterer zeitgenössischer Ansatz ist dieses Buch, das Shakespeares kompletten Sonettzyklus in moderne Sprache umschreibt, während versucht wird, den ursprünglichen Rhythmus und die Reimschemata beizubehalten. Es bietet einen zugänglichen Einstieg für Leser, die die Essenz von Shakespeares Sonetten schätzen, aber die elisabethanische Sprache als herausfordernd empfinden. Es ermöglicht eine andere Art der Auseinandersetzung mit diesen klassischen Sonett-Beispielen und ist eine nützliche Ressource für Pädagogen, die innovative Unterrichtsmaterialien suchen.

Was erwartet Sie als Nächstes bei der Erkundung von Sonetten?

Nachdem Sie diese Analysen gelesen haben, fragen Sie sich vielleicht, wie Sie selbst an die Interpretation von Dichtung herangehen können. Dies erfordert die Entwicklung analytischer Fähigkeiten und die Vertrautheit mit poetischen Werkzeugen. Erwägen Sie, literarische Stilmittel und Elemente zu erkunden, die häufig in Gedichten zu finden sind. Das Verständnis von Konzepten wie Bildsprache, Metapher, Vergleich und Klangmitteln kann Ihre Fähigkeit, Sonett-Beispiele und andere Gedichte zu analysieren, erheblich verbessern. Ressourcen zur literarischen Analyse können Ihnen Rahmenbedingungen und Techniken anbieten, um Ihr Lesen zu vertiefen.

Auch die Analyse, wie andere Gedichte interpretieren, ist äußerst hilfreich. Es gibt viele Beispiele für eingehende Analysen, die Sie Schritt für Schritt durch den Prozess führen. Indem Sie beobachten, wie Experten Themen identifizieren, Strukturen analysieren und Sprache interpretieren, können Sie Ihr eigenes analytisches Selbstvertrauen aufbauen. Der Schlüssel liegt in der Übung und der aktiven Auseinandersetzung mit dem Text.