10 Sonnets Anglais : Hommages Mémorables Entre Poètes

La conversation entre poètes est aussi ancienne que le vers lui-même. Souvent, ce dialogue prend la forme d’une adresse directe ou d’une réflexion contemplative au sein d’un poème. Parmi les exemples les plus durables et puissants de cela figurent les sonnets écrits à ou sur d’autres poètes. Ces structures compactes de quatorze vers, avec leur tension et résolution inhérentes, offrent un écrin parfait pour l’admiration, la critique, la réflexion et la mémoire. Ils donnent un aperçu des paysages littéraires de leur époque, révélant influences, rivalités et un profond respect.

Cette exploration plonge dans dix sonnets anglais remarquables qui dialoguent avec l’esprit et l’œuvre d’autres poètes. Ce n’est pas une liste exhaustive, ni un classement définitif, mais plutôt une sélection choisie qui met en lumière les diverses manières dont les poètes ont commémoré, défié et appris de leurs contemporains et prédécesseurs au sein de la forme du sonnet. Des hommages de profond respect aux critiques acerbes, ces poèmes soulignent la tradition continue et évolutive du vers anglais et l’interconnexion de ses praticiens.

10. « When I Behold the Greatest » par Robinson Jeffers (1887-1962)

When I behold the greatest and most wise
Fall out of heaven, wings not by pride struck numb
Like Satan’s, but to gain some humbler crumb
Of pittance from penurious granaries;
And when I see under each new disguise
The same cowardice of custom, the same dumb
Devil that drove our Wordsworth to become
Apologist of kings and priests and lies;
And how a man may find in all he loathes
Contentment after all, and so endear it
By cowardly craft it grows his inmost own;—
Then I renew my faith with firmer oaths,
And bind with more tremendous vows a spirit
That, often fallen, never has lain prone.

Analyse

Robinson Jeffers, connu pour son individualisme robuste et ses critiques sévères de la société moderne, porte ici son regard sur les échecs perçus de figures estimées, citant spécifiquement William Wordsworth. Le sonnet s’ouvre sur une image frappante d’individus autrefois grands qui « tombent du ciel », non pas par une fierté luciférienne, mais par une capitulation plus banale et décourageante pour un gain terrestre. Cela instaure un ton de désillusion face au compromis.

La cible spécifique de la colère de Jeffers devient claire dans le deuxième quatrain : Wordsworth, que Jeffers considère comme ayant trahi ses principes initules de liberté et de vérité en devenant un « apologiste des rois, des prêtres et des mensonges » après avoir accepté le poste de poète lauréat. Jeffers voit cela comme une soumission à la « lâcheté de la coutume » et à un « démon muet » qui a corrompu le poète autrefois radical. Le sestet reflète la capacité des individus à se contenter de ce qu’ils détestaient autrefois, intériorisant leurs compromis par un « artisanat lâche ». Cette sombre observation sert de prélude à la réaffirmation de Jeffers lui-même. Le poème se termine avec Jeffers renouvelant son engagement envers son esprit indépendant, contrastant sa résolution avec la faillibilité perçue des autres. C’est une déclaration de défi d’intégrité artistique et de résistance au compromis, encadrée par l’exemple décevant d’un prédécesseur célèbre. Le sonnet est moins une adresse directe qu’une utilisation de Wordsworth comme un avertissement pour renforcer la propre position artistique et éthique de Jeffers.

9. “To Wordsworth” par Percy Shelley (1792-1822)

Shelley

Poet of Nature, thou hast wept to know
That things depart which never may return:
Childhood and youth, friendship and love’s first glow,
Have fled like sweet dreams, leaving thee to mourn.
These common woes I feel. One loss is mine
Which thou too feel’st, yet I alone deplore.
Thou wert as a lone star, whose light did shine
On some frail bark in winter’s midnight roar:
Thou hast like to a rock-built refuge stood
Above the blind and battling multitude:
In honored poverty thy voice did weave
Songs consecrate to truth and liberty,–
Deserting these, thou leavest me to grieve,
Thus having been, that thou shouldst cease to be.

Analyse

Le sonnet de Percy Shelley à Wordsworth est un engagement plus élégiaque, bien que toujours critique, que celui de Jeffers. Il commence par la reconnaissance d’une expérience humaine partagée – le passage de la jeunesse, de l’amour et de l’amitié – que Wordsworth, en tant que « Poète de la Nature », comprenait et exprimait profondément. Cependant, Shelley pivote vers un autre type de perte, unique à lui (bien qu’il affirme que Wordsworth la ressent aussi) : la perte de l’ancien Wordsworth.

Shelley se souvient vivement de la période antérieure de Wordsworth, où il était une « étoile solitaire », une lumière guidant ceux qui naviguaient dans des temps difficiles (« frêle barque dans le rugissement de minuit hivernal »). Il loue Wordsworth comme un « refuge bâti sur le roc », se tenant à l’écart de la multitude conformiste et en difficulté, sa voix tissant des « chants consacrés à la vérité et à la liberté » depuis une position de « pauvreté honorable ». Le point de bascule, la Volta, arrive brusquement avec « Les désertant ». C’est la source du chagrin de Shelley – que Wordsworth, ayant incarné ces idéaux, ait maintenant cessé de les représenter (« cesser d’être » de la manière qui importait le plus à Shelley). Le poème est une lamentation pour la trahison idéologique perçue d’un héros poétique. Il souligne la profondeur de l’admiration antérieure de Shelley, rendant la déception et le sentiment de perte subséquents d’autant plus poignants. C’est un exemple puissant d’un poète romantique aux prises avec l’évolution du parcours d’un autre, soulignant les enjeux élevés que les poètes plaçaient sur les principes de vérité et de liberté.

8. “Poets and Their Bibliographies” par Lord Alfred Tennyson (1809-1892)

Tennyson

Old poets foster’d under friendlier skies,
Old Virgil who would write ten lines, they say,
At dawn, and lavish all the golden day
To make them wealthier in the readers’ eyes;
And you, old popular Horace, you the wise
Adviser of the nine-years-ponder’d lay,
And you, that wear a wreath of sweeter bay,
Catullus, whose dead songster never dies;
If, glancing downward on the kindly sphere
That once had roll’d you round and round the sun,
You see your Art still shrined in human shelves,
You should be jubilant that you flourish’d here
Before the Love of Letters, overdone,
Had swamped the sacred poets with themselves.

Analyse

Le sonnet de Tennyson se tourne des contemporains de l’ère romantique vers les géants classiques de Rome : Virgile, Horace et Catulle. Le poème est un hommage à leur artisanat méticuleux et à leur héritage durable, le contrastant avec un excès ou une complaisance perçue dans le monde littéraire moderne. Il imagine affectueusement ces « vieux poètes » s’épanouissant sous des « cieux plus cléments », moins encombrés.

Tennyson fait référence à des anecdotes bien connues sur leurs habitudes d’écriture – la révision minutieuse de quelques vers chaque jour par Virgile, le conseil d’Horace de laisser une œuvre reposer neuf ans avant publication (« lay mûri neuf ans »), et Catulle, dont la poésie, malgré sa mort, continue de vivre (« dont le chantre mort ne meurt jamais »). L’utilisation de « chantre » pour un poète est une touche charmante. Le sestet change de sujet, imaginant ces poètes antiques regardant le monde moderne. Tennyson suggère qu’ils devraient être « jubilants » d’avoir vécu et travaillé avant que la scène littéraire contemporaine ne soit, selon lui, « submergée par les poètes sacrés eux-mêmes ». Cette dernière phrase est quelque peu ambiguë, mais semble déplorer une perte de concentration, peut-être une obsession pour la vie ou la personnalité des poètes plutôt que l’art lui-même, ou simplement un volume écrasant d’œuvres moindres obscurcissant la poésie véritablement « sacrée ». C’est une réflexion sur la valeur de l’art intemporel et les pièges potentiels de la culture littéraire naissante et plus orientée vers le commerce de l’époque de Tennyson.

7. “To John Keats” par Amy Lowell (1874-1925)

Lowell

Great master! Boyish, sympathetic man!
Whose orbed and ripened genius lightly hung
From life’s slim, twisted tendril and there swung
In crimson-sphered completeness; guardian
Of crystal portals through whose openings fan
The spiced winds which blew when earth was young,
Scattering wreaths of stars, as Jove once flung
A golden shower from heights cerulean.
Crumbled before thy majesty we bow.
Forget thy empurpled state, thy panoply
Of greatness, and be merciful and near;
A youth who trudged the highroad we tread now
Singing the miles behind him; so may we
Faint throbbings of thy music overhear.

Analyse

Le sonnet d’Amy Lowell est un hommage vibrant et effusif à John Keats, le dépeignant à la fois comme un « Grand maître » monumental et un homme « enfantin et sympathique » auquel on peut s’identifier. Les vers d’ouverture emploient une imagerie riche, presque synesthésique, décrivant le génie de Keats comme une « complétude sphérique cramoisie » parfaitement formée, suspendue délicatement au « fin, vrillé vrille » de sa courte vie. Cette métaphore suggère à la fois la fragilité de son existence et la maturité vibrante de son art.

Lowell élève Keats davantage en le présentant comme un « gardien / De portails de cristal », impliquant que son œuvre offre un accès à un royaume de beauté primale et de merveille antique (« vents épicés qui soufflaient quand la terre était jeune »). L’allusion mythologique à Jupiter lançant des étoiles renforce le sentiment de pouvoir divin et créatif associé à Keats. Le sestet passe à un ton plus personnel, presque suppliant. Lowell et ses contemporains « s’inclinent » devant la « majesté » de Keats, mais le supplient de se défaire de son statut élevé, presque royal (« état empourpré », « panoplie / De grandeur ») et de devenir « miséricordieux et proche ». Elle désire se connecter avec le jeune Keats, humain, le « jeune homme qui a parcouru la grand-route que nous suivons maintenant ». Le poème se termine par l’espoir qu’en se souvenant de son parcours et en « chantant les milles derrière lui », ils puissent encore entendre les faibles échos inspirants de sa « musique » poétique. C’est une expression passionnée d’admiration et un désir de connexion avec une idole littéraire dont la vie fut tragiquement courte mais dont l’influence fut profonde.

6. “On Sitting down to Read King Lear Once Again” par John Keats (1795-1821)

Portrait de John Keats, peint vers 1819

John Keats

O golden tongued Romance, with serene lute!
Fair plumed Syren, Queen of far-away!
Leave melodizing on this wintry day,
Shut up thine olden pages, and be mute:
Adieu! for, once again, the fierce dispute
Betwixt damnation and impassion’d clay
Must I burn through; once more humbly assay
The bitter-sweet of this Shakespearian fruit:
Chief Poet! and ye clouds of Albion,
Begetters of our deep eternal theme!
When through the old oak Forest I am gone,
Let me not wander in a barren dream,
But, when I am consumed in the fire,
Give me new Phoenix wings to fly at my desire.

Analyse

Le sonnet de John Keats est moins une adresse directe à un poète qu’une déclaration dramatique sur le pouvoir et la nature de la poésie, contrastant spécifiquement l’attrait de la « Romance » avec l’intensité profonde de la tragédie shakespearienne. Le poème s’ouvre en personnifiant la « Romance » comme une figure belle et séduisante (« langue d’or », « luth serein », « Sirène au beau plumage »). Keats reconnaît son charme mais lui fait résolument ses adieux, lui ordonnant de « Fermer tes anciennes pages, et être muette ».

La raison de ce renvoi est le retour imminent à une expérience littéraire plus exigeante, mais essentielle : la lecture du Roi Lear de Shakespeare. Keats décrit cette tâche comme une « féroce dispute / Entre la damnation et l’argile passionnée », un processus ardent et difficile de confrontation avec la souffrance humaine profonde et la mortalité. Il l’appelle le « doux-amer de ce fruit shakespearien », reconnaissant sa difficulté et sa vérité finalement gratifiante. Il s’adresse ensuite directement à Shakespeare en tant que « Chef Poète ! » et invoque les sources d’inspiration poétique anglaise (« vous les nuages d’Albion »). Le sestet se tourne vers l’intérieur, exprimant une supplique personnelle. La lecture de Lear est comparée à un passage à travers une sombre « vieille forêt de chênes ». Keats espère que cet engagement intense ne sera pas une entreprise infructueuse (« rêve stérile »), mais plutôt une expérience transformative, presque purgatorielle (« consumé par le feu »). Le poème se termine par la puissante image du Phénix, renaissant de ses cendres, symbolisant l’espoir que cette rencontre littéraire difficile lui accordera une énergie créative et une perspicacité renouvelées (« de nouvelles ailes de Phénix pour voler à mon désir »). C’est un témoignage de l’impact profond que Shakespeare a eu sur Keats et du pouvoir transformateur de l’engagement avec un art grand et stimulant.

5. “Dante” par Henry Wadsworth Longfellow (1807-1882)

Portrait de Henry Wadsworth Longfellow, photographié par Julia Margaret Cameron en 1868

Longfellow

Tuscan, that wanderest through the realms of gloom,
With thoughtful pace, and sad, majestic eyes,
Stern thoughts and awful from thy soul arise,
Like Farinata from his fiery tomb.
Thy sacred song is like the trump of doom;
Yet in thy heart what human sympathies,
What soft compassion glows, as in the skies
The tender stars their clouded lamps relume!
Methinks I see thee stand, with pallid cheeks,
By Fra Hilario in his diocese,
As up the convent-walls, in golden streaks,
The ascending sunbeams mark the day’s decrease,
And, as he asks what there the stranger seeks,
Thy voice along the cloister whispers, “Peace!”

Analyse

Henry Wadsworth Longfellow, un traducteur majeur de Dante en anglais, offre un sonnet qui capture la majesté sombre et l’humanité profonde du poète italien. Il s’adresse directement à Dante en tant que « Toscan », le plaçant immédiatement géographiquement et historiquement. Les vers d’ouverture évoquent l’atmosphère de l’Enfer, représentant Dante errant d’un « pas pensif » et avec des « yeux tristes et majestueux » à travers les « royaumes de l’ombre ». Longfellow souligne la nature formidable de la pensée de Dante, comparant les « pensées sévères et redoutables » émanant de son âme à l’émergence défiante de Farinata de sa « tombe ardente » dans le Chant X de l’Enfer.

Le poème équilibre ce portrait de sévérité et de jugement (« Ton chant sacré est comme la trompette du jugement ») avec la reconnaissance des profondes « sympathies humaines » et de la « douce compassion » de Dante. Cette compassion est magnifiquement illustrée par l’image des « tendres étoiles [qui] rallument leurs lampes voilées » – suggérant que même au milieu de l’obscurité, des moments de lumière tendre brillent, tout comme la capacité de Dante à la pitié au milieu des horreurs de l’Enfer. Le sestet passe à une scène spécifique et poignante – une rencontre fictive entre Dante et Fra Hilario dans un cloître, basée sur des récits historiques des errances de Dante. Alors que le jour décline (« les rayons ascendants du soleil marquent le déclin du jour »), Fra Hilario demande à Dante ce qu’il cherche. Le sonnet se termine par la réponse tranquille et résonnante de Dante, chuchotant « Paix ! » le long des murs du cloître. Cette fin résume la vision de Longfellow sur Dante – une âme qui a sondé les profondeurs de la souffrance et du péché, mais dont la quête ultime, peut-être intensifiée par son propre exil et sa tristesse, était la paix intérieure.

Illustration représentant Dante, symbolisant le mélange de poésie, théologie et science dans son œuvre

Dante, dont l’œuvre mêlait poésie, théologie et science, tel que représenté dans une illustration.

4. “Chaucer” par Henry Wadsworth Longfellow (1807-1882)

An old man in a lodge within a park;
The chamber walls depicted all around
With portraitures of huntsman, hawk, and hound,
And the hurt deer. He listeneth to the lark,
Whose song comes with the sunshine through the dark
Of painted glass in leaden lattice bound;
He listeneth and he laugheth at the sound,
Then writeth in a book like any clerk.
He is the poet of the dawn, who wrote
The Canterbury Tales, and his old age
Made beautiful with song; and as I read
I hear the crowing cock, I hear the note
Of lark and linnet, and from every page
Rise odors of ploughed field or flowery mead.

Analyse

Contrairement au ton lourd et gothique de son sonnet « Dante », l’hommage de Longfellow à Geoffrey Chaucer est rempli de lumière, de chaleur et de détails rustiques. Le poème brosse un tableau vivant, presque idyllique, de Chaucer dans ses dernières années, un « vieil homme dans un pavillon au sein d’un parc ». Longfellow imagine Chaucer entouré de scènes de vie champêtre – des images de chasse sur les murs – et attentif aux sons et aux vues de la nature.

Le poème souligne le lien de Chaucer avec le monde naturel et sa disposition joyeuse. Il écoute l’« alouette, / Dont le chant vient avec le soleil » à travers la fenêtre, et, de manière révélatrice, il « écoute et il rit du son ». Ce rire, aux côtés de son simple acte d’écrire « comme n’importe quel clerc », dépeint Chaucer non pas comme une figure distante et sévère, mais comme accessible et joyeux. Longfellow le déclare « le poète de l’aube », un titre suggérant son rôle dans l’apport d’une nouvelle vitalité et d’un nouveau réalisme à la poésie anglaise, en particulier à travers Les Contes de Canterbury. Les derniers vers expriment la richesse sensorielle que Longfellow trouve dans l’œuvre de Chaucer. Lire Chaucer est une expérience multisensorielle : entendre le « coq qui chante », les chants d’oiseaux, et même sentir la terre (« odeurs de champ labouré ou de prairie fleurie »). Le poème réussit à transmettre la qualité fraîche, vivante et terre-à-terre qui définit une grande partie de l’écriture de Chaucer, le célébrant comme un poète profondément enraciné dans la vie et la langue de son temps, dont l’œuvre continue de se sentir vibrante et immédiate.

3. “To an American Painter Departing for Europe” par William Cullen Bryant (1794-1878)

Portrait de William Cullen Bryant, poète et journaliste américain

William Cullen Bryant, poète et journaliste.

Thine eyes shall see the light of distant skies:
Yet, Cole! thy heart shall bear to Europe’s strand
A living image of thy native land,
Such as on thy own glorious canvass lies.
Lone lakes—savannahs where the bison roves—
Rocks rich with summer garlands—solemn streams—
Skies, where the desert eagle wheels and screams—
Spring bloom and autumn blaze of boundless groves—
Fair scenes shall greet thee where thou goest—fair,
But different—everywhere the trace of men,
Paths, homes, graves, ruins, from the lowest glen
To where life shrinks from the fierce Alpine air.
Gaze on them, till the tears shall dim thy sight,
But keep that earlier, wilder image bright.

Analyse

William Cullen Bryant adresse ce sonnet non pas à un confrère poète, mais à son ami, le peintre Thomas Cole, figure clé de l’Hudson River School. Cependant, puisque Cole était également écrivain et que leurs objectifs artistiques étaient alignés (capturer la grandeur du paysage américain), le poème fonctionne dans l’esprit des poètes s’adressant à des artistes apparentés. Bryant anticipe le voyage de Cole en Europe, où il rencontrera des paysages renommés (« cieux lointains »). Pourtant, le message central est une supplique patriotique : que Cole porte « Une image vivante de ta terre natale » dans son cœur et son art, spécifiquement les paysages d’Amérique qu’il a dépeints sur sa « glorieuse toile ».

Bryant offre ensuite un catalogue puissant et ample de scènes américaines que Cole doit se souvenir : « lacs solitaires », « savanes où rôde le bison », « rochers riches de guirlandes estivales », « cours d’eau solennels », cieux où l’aigle du désert « tournoie et crie », « floraison printanière et flamboiement automnal de bosquets illimités ». Cette énumération souligne l’échelle, la sauvagerie et la beauté naturelle de l’Amérique, la contrastant avec le paysage européen décrit dans le sestet. Les scènes d’Europe sont reconnues comme « Belles », mais, point crucial, elles sont « différentes ». Elles sont caractérisées par la « trace d’hommes » omniprésente – « Chemins, foyers, tombes, ruines » – du plus bas des vallons jusqu’où la vie se rétracte face à l’« air alpin féroce ». Contrairement à la vaste étendue sauvage américaine, le paysage européen porte la lourde empreinte de l’histoire humaine et de la colonisation. Bryant encourage Cole à apprécier la beauté de l’Europe (« Contemple-les, jusqu’à ce que les larmes voilent ta vue »), mais l’instruction finale, urgente, est de « garder cette image antérieure, plus sauvage, brillante ». Le sonnet est une célébration de l’esprit unique et indompté du paysage américain tel qu’interprété par ses artistes, et un appel à maintenir cette vision distincte au milieu du poids de la tradition artistique européenne.

2. “Scorn Not the Sonnet” par William Wordsworth (1770-1850)

Portrait de William Wordsworth, figure majeure du Romantisme anglais

William Wordsworth, une figure majeure du Romantisme anglais.

Scorn not the Sonnet; Critic, you have frowned,
Mindless of its just honours; with this key
Shakespeare unlocked his heart; the melody
Of this small lute gave ease to Petrarch’s wound;
A thousand times this pipe did Tasso sound;
With it Camöens soothed an exile’s grief;
The Sonnet glittered a gay myrtle leaf
Amid the cypress with which Dante crowned
His visionary brow: a glow-worm lamp,
It cheered mild Spenser, called from Faery-land
To struggle through dark ways; and, when a damp
Fell round the path of Milton, in his hand
The Thing became a trumpet; whence he blew
Soul-animating strains—alas, too few!

Analyse

Après avoir été critiqué par Shelley et Jeffers, il est approprié que William Wordsworth apparaisse en bonne place sur cette liste avec un sonnet qui est une défense et une célébration puissantes de la forme même qu’il utilise. Adressé implicitement à un « Critique » qui a « froncé les sourcils » devant le sonnet, Wordsworth s’attache à affirmer ses « justes honneurs » en énumérant les grands poètes qui l’ont maîtrisé et dont il a servi. Le poème devient un catalogue rapide de géants littéraires européens et des manières dont le sonnet les a rendus plus forts.

Wordsworth déclare qu’avec le sonnet, « Shakespeare a déverrouillé son cœur », suggérant sa capacité d’expression personnelle. Pour Pétrarque, l’inventeur de la forme, ce fut une « mélodie » qui apaisa sa « blessure » émotionnelle (vraisemblablement due à un amour non partagé). Tasso et Camões l’ont utilisé à plusieurs reprises (« Mille fois cette pipe a sonné Tasso ») pour exprimer leurs luttes, Camões trouvant du réconfort à sa « peine d’exil ». Le sonnet est comparé à une « feuille de myrte gaie » (symbolisant l’amour ou la poésie) contrastant avec le « cyprès » funèbre dont Dante a couronné son front visionnaire, suggérant que même dans sa vision sévère, Dante a trouvé de la place pour la grâce du sonnet. Pour Spenser, ce fut une « lampe de luciole » guidante l’aidant à naviguer dans les difficultés. L’image la plus frappante est réservée à Milton : entre ses mains, le sonnet s’est transformé d’un « petit luth » ou d’une « pipe » en une « trompette » puissante, utilisée pour sonner des « airs animant l’âme ». La lamentation finale, « hélas, trop peu ! », exprime le souhait que Milton ait écrit encore plus de sonnets. Le poème est une histoire brillante et concise du pouvoir et de la polyvalence du sonnet, défendue en le liant aux vies et aux œuvres de ses plus grands praticiens à travers les siècles et les langues. C’est un argument direct en faveur de la valeur durable de la forme par l’autorité de ceux qui l’ont utilisée le plus efficacement.

1. “On First Looking into Chapman’s Homer” par John Keats (1795-1821)

Much have I travell’d in the realms of gold,
And many goodly states and kingdoms seen;
Round many western islands have I been
Which bards in fealty to Apollo hold.
Oft of one wide expanse had I been told
That deep-brow’d Homer ruled as his demesne;
Yet did I never breathe its pure serene
Till I heard Chapman speak out loud and bold:
Then felt I like some watcher of the skies
When a new planet swims into his ken;
Or like stout Cortez when with eagle eyes
He star’d at the Pacific—and all his men
Look’d at each other with a wild surmise—
Silent, upon a peak in Darien.

Analyse

Le sonnet le plus célèbre de John Keats est un récit profond et exaltant de l’expérience de la découverte d’une grande œuvre littéraire par la traduction. Bien que le poème porte ostensiblement sur la poésie épique d’Homère, son déclencheur central et son sujet dans le récit est la traduction du XVIIe siècle par George Chapman. Keats avait lu Homère dans d’autres versions, mais c’est le rendu de Chapman qui lui a procuré l’expérience véritablement révélatrice. Le poème est donc un hommage à la fois au poète original et au traducteur dont l’œuvre a déverrouillé ce génie pour lui.

L’octet d’ouverture décrit les lectures antérieures étendues de Keats (« J’ai beaucoup voyagé dans les royaumes d’or »), visitant divers « états et royaumes » littéraires et « îles occidentales » (faisant peut-être référence aux littératures européennes ou à des poètes spécifiques). Il connaissait la réputation d’Homère, une « vaste étendue » gouvernée par le poète au « front profond ». Cependant, jusqu’à ce qu’il rencontre Chapman, l’essence véritable, le « pur serein », du monde d’Homère lui restait inaccessible. Le point de bascule, la Volta, est le moment où il a entendu « Chapman parler fort et audacieusement ». Ce seul vers marque la transition de l’anticipation et des ouï-dire à une expérience directe et percutante. Le sestet capture l’ampleur de cette révélation à travers deux comparaisons puissantes. Premièrement, Keats se sent comme un observateur des cieux découvrant une « nouvelle planète », une image d’expansion soudaine et vaste de la connaissance et de la perspective. Deuxièmement, et le plus célèbre, il compare son sentiment à celui du « vaillant Cortez » (bien que historiquement ce fut Balboa) et de ses hommes, se tenant « Silencieux, sur un pic à Darien » et fixant l’océan Pacifique nouvellement découvert. Cette image transmet un sentiment de découverte à couper le souffle, d’immensité et d’émerveillement qui laisse sans voix d’un « sauvage pressentiment ». Le sonnet articule parfaitement le pouvoir transformateur de la lecture et de la traduction, célébrant le moment où un grand monde littéraire est finalement déverrouillé pour le lecteur par le talent d’un autre artiste. C’est un témoignage intemporel de la chaîne d’influence et d’appréciation qui relie les poètes à travers les générations.