10 bedeutende englische Sonette über Dichter

Viele Gedichte werden geschrieben, um Momente, Emotionen oder Ideen zu verewigen. Eine besondere Untergruppe existiert, in der Dichter ihren Blick nicht nur nach innen oder nach außen auf die Welt richten, sondern auf ihre Weggefährten in Versen. Dies sind Gedichte über andere Dichter, und die Sonettform hat sich mit ihrer strukturierten Intensität über Jahrhunderte der englischen Literatur hinweg als ein wirkungsvolles Gefäß für solche Huldigungen, Kritiken und Reflexionen erwiesen.

Diese Erkundung präsentiert zehn bedeutende englische Sonette, die sich direkt oder indirekt mit anderen Dichtern und ihren Werken beschäftigen. Diese sind nicht erschöpfend und stellen eine Auswahl dar, die die reiche Tradition des poetischen Dialogs hervorhebt. Von leidenschaftlicher Bewunderung bis zu spitzer Kritik offenbaren diese Werke, wie Dichter sich selbst und ihre Zeitgenossen innerhalb der weiten, andauernden Konversation der Poesie sehen.

10. „When I Behold the Greatest“ von Robinson Jeffers (1887-1962)

When I behold the greatest and most wise
Fall out of heaven, wings not by pride struck numb
Like Satan’s, but to gain some humbler crumb
Of pittance from penurious granaries;
And when I see under each new disguise
The same cowardice of custom, the same dumb
Devil that drove our Wordsworth to become
Apologist of kings and priests and lies;
And how a man may find in all he loathes
Contentment after all, and so endear it
By cowardly craft it grows his inmost own;—
Then I renew my faith with firmer oaths,
And bind with more tremendous vows a spirit
That, often fallen, never has lain prone.

Analyse

Jeffers liefert in diesem Sonett eine kraftvolle, sogar bittere Kritik. Obwohl der Titel sich nicht namentlich an einen bestimmten Dichter richtet, macht die Erwähnung „our Wordsworth“ (unser Wordsworth) in Zeile 7 das Ziel klar. Jeffers drückt seine Bestürzung über wahrgenommene Kompromisse aus, die angesehene Persönlichkeiten („the greatest and most wise“) für materiellen Gewinn oder gesellschaftliche Akzeptanz eingehen, und stellt dies der unerschütterlichen Integrität gegenüber, die er in sich selbst anstrebt. Das Bild der Flügel, die „not by pride struck numb / Like Satan’s“ (nicht durch Stolz betäubt wie Satans), deutet auf einen Fall hin, der durch etwas weniger Großes und Alltäglicheres motiviert ist als Luzifers Rebellion – das Streben nach „humbler crumb[s]“ (bescheideneren Krümeln).

Der Fokus des Sonetts richtet sich auf Wordsworth, den Jeffers als Verräter seines früheren revolutionären Geistes sieht, indem er zum „Apologist of kings and priests and lies“ (Verteidiger von Königen und Priestern und Lügen) wurde. Dies stimmt mit Kritiken von Zeitgenossen wie Shelley überein, die Wordsworths Annahme des Dichterlorbeers und seine konservativeren Ansichten als Verrat an seinem jugendlichen Radikalismus betrachteten. Jeffers verwendet starke, urteilende Sprache („cowardice of custom“ – Feigheit der Gewohnheit, „dumb Devil“ – stummer Teufel, „cowardly craft“ – feige List), um seine Missbilligung auszudrücken. Das Gedicht ist letztlich eine Erklärung der persönlichen Entschlossenheit, eine Verpflichtung, standhaft und unabhängig zu bleiben, selbst wenn man die wahrgenommenen Kompromisse anderer miterlebt. Es ist ein Zeugnis künstlerischer Integrität und Widerstandsfähigkeit gegenüber äußerem Druck.

9. „To Wordsworth“ von Percy Shelley (1792-1822)

Shelley

Poet of Nature, thou hast wept to know
That things depart which never may return:
Childhood and youth, friendship and love’s first glow,
Have fled like sweet dreams, leaving thee to mourn.
These common woes I feel. One loss is mine
Which thou too feel’st, yet I alone deplore.
Thou wert as a lone star, whose light did shine
On some frail bark in winter’s midnight roar:
Thou hast like to a rock-built refuge stood
Above the blind and battling multitude:
In honored poverty thy voice did weave
Songs consecrate to truth and liberty,–
Deserting these, thou leavest me to grieve,
Thus having been, that thou shouldst cease to be.

Analyse

Shelleys Sonett ist eine ergreifende Klage über das, was er als Wordsworths ideologischen Fall wahrnahm. Es beginnt mit der Anerkennung der universellen Sorgen, die Wordsworth so schön einfing – die Vergänglichkeit von Jugend, Liebe und den frühen Freuden des Lebens. Shelley behauptet, diese „common woes“ (gemeinsamen Sorgen) zu teilen, identifiziert aber einen tieferen Verlust, den er allein auf schmerzliche Weise empfindet: Wordsworths Abkehr von seinen früheren Prinzipien.

Das Sestett verschiebt sich von geteiltem menschlichem Kummer zu Shelleys spezifischer Enttäuschung. Er erinnert sich an Wordsworths früheres Bild als führendes Licht („a lone star“ – ein einsamer Stern) und unerschütterliche Präsenz („a rock-built refuge“ – eine Felsenschutzburg), die der chaotischen Welt („the blind and battling multitude“ – der blinden und kämpfenden Menge) Wahrheit und Freiheit bot. Der Verweis auf „honored poverty“ (ehrenwerte Armut) kontrastiert subtil mit späteren materiellen Gewinnen und spiegelt das Gefühl in Jeffers‘ Kritik wider. Für Shelley war Wordsworths frühere Poesie „consecrate to truth and liberty“ (der Wahrheit und Freiheit geweiht), und seine Aufgabe dieser Ideale ist ein tief persönlicher Verrat. Die berühmte Schlusszeile, „Thus having been, that thou shouldst cease to be“ (So gewesen zu sein, dass du aufhören solltest zu sein), drückt ein starkes Gefühl der Trauer aus und betrauert nicht den physischen Tod Wordsworths, sondern den Tod des Dichters, den Shelley bewunderte und an den er glaubte. Es ist ein aufrichtiger Ausdruck enttäuschter Idealismus von einem Romantiker zum anderen.

8. „Poets and Their Bibliographies“ von Lord Alfred Tennyson (1809-1892)

Porträt des Dichters Alfred, Lord Tennyson

Old poets foster’d under friendlier skies,
Old Virgil who would write ten lines, they say,
At dawn, and lavish all the golden day
To make them wealthier in the readers’ eyes;
And you, old popular Horace, you the wise
Adviser of the nine-years-ponder’d lay,
And you, that wear a wreath of sweeter bay,
Catullus, whose dead songster never dies;
If, glancing downward on the kindly sphere
That once had roll’d you round and round the sun,
You see your Art still shrined in human shelves,
You should be jubilant that you flourish’d here
Before the Love of Letters, overdone,
Had swamped the sacred poets with themselves.

Analyse

Tennysons Sonett ist eine direkte Ansprache an klassische römische Dichter: Vergil, Horaz und Catull. Er beschwört ihre legendäre Hingabe an ihr Handwerk herauf und bezieht sich auf Anekdoten über ihren Schaffensprozess – Vergils sorgfältige Überarbeitung von nur zehn Zeilen und Horaz‘ Rat, ein Werk neun Jahre ruhen zu lassen, bevor es veröffentlicht wird. Catull wird für sein anhaltendes Vermächtnis gelobt, sein „dead songster“ (toter Sänger – der sich entweder auf seine Poesie oder vielleicht den Spatz seines berühmten Gedichts bezieht), der „never dies“ (nie stirbt). Tennyson bewundert offensichtlich die Handwerkskunst und die bleibende Wirkung dieser antiken Meister.

Das Sonett verschiebt sich im Sestett und stellt sich vor, wie diese Dichter vom Himmel herabblicken auf ihre fortwährende Präsenz in der Literatur, „shrined in human shelves“ (verehrt in menschlichen Regalen). Der Vergleichspunkt ist Tennysons eigenes Zeitalter. Er deutet an, dass sie dankbar sein sollten, dass sie lebten und schrieben, bevor eine Zeit kam, in der die „Love of Letters, overdone“ (überzogene Liebe zur Literatur) oder vielleicht eine übermäßige Konzentration auf biografische Details und Selbstdarstellung drohte, die Poesie selbst zu überschatten. Der Ausdruck „swamped the sacred poets with themselves“ (überschwemmte die heiligen Dichter mit sich selbst) ist mehrdeutig, impliziert aber eine moderne Beschäftigung mit der Persönlichkeit oder Lebensgeschichte des Dichters statt mit der reinen Kunst. Tennyson kontrastiert die Zeitlosigkeit, die die Römer durch engagierte Handwerkskunst erreichten, mit einer wahrgenommenen modernen Tendenz zur Selbstabsorption, die von der Poesie ablenkt. Es ist eine Reflexion über das Wesen des literarischen Vermächtnisses und die Gefahren des Egos in der Kunst.

7. „To John Keats“ von Amy Lowell (1874-1925)

Lowell

Great master! Boyish, sympathetic man!
Whose orbed and ripened genius lightly hung
From life’s slim, twisted tendril and there swung
In crimson-sphered completeness; guardian
Of crystal portals through whose openings fan
The spiced winds which blew when earth was young,
Scattering wreaths of stars, as Jove once flung
A golden shower from heights cerulean.
Crumbled before thy majesty we bow.
Forget thy empurpled state, thy panoply
Of greatness, and be merciful and near;
A youth who trudged the highroad we tread now
Singing the miles behind him; so may we
Faint throbbings of thy music overhear.

Analyse

Amy Lowells Sonett ist eine leidenschaftliche Hommage an John Keats, die ihn sowohl als „Great master!“ (Großer Meister!) als auch als einen zugänglichen, „Boyish, sympathetic man!“ (jungenhaften, sympathischen Mann!) darstellt. Die Eröffnungszeilen verwenden reiche, organische Bilder („orbed and ripened genius“ – kugelförmiges und reifes Genie, „slim, twisted tendril“ – schlanker, gedrehter Ranke, „crimson-sphered completeness“ – purpurkugelähnliche Vollständigkeit), um die wahrgenommene Perfektion und das natürliche Entstehen von Keats‘ Talent zu beschreiben, was darauf hindeutet, dass sein Genie in seinem kurzen Leben vollständig und schön erblühte.

Lowell erhebt Keats zu einem nahezu mythischen Status und stellt ihn als „guardian / Of crystal portals“ (Wächter kristallener Portale) dar, dessen Werk die Leser in ein ursprüngliches, magisches Reich versetzt, gefüllt mit „spiced winds“ (gewürzten Winden) und verstreuten „wreaths of stars“ (Sternenkränzen). Dies erinnert an die üppige, sinnliche und oft mythologische Welt von Keats‘ eigener Poesie. Das Oktett etabliert seine ferne, majestätische Größe, bevor das Sestett ihn näher bringt. Lowell lädt Keats ein, seinen „empurpled state“ (purpurnen Zustand) und seine „panoply / Of greatness“ (Rüstung der Größe) abzulegen, um zugänglich zu werden. Sie stellt ihn sich als Mitreisenden vor, „A youth who trudged the highroad we tread now“ (Ein Jugendlicher, der die Landstraße entlang stapfte, auf der wir jetzt gehen), was eine gemeinsame Reise und einen gemeinsamen Kampf in der Welt der Poesie andeutet. Die Hoffnung ist, dass zeitgenössische Dichter durch die Verbindung mit diesem Bild von Keats immer noch Echos („Faint throbbings“) seiner inspirierenden „music“ (Musik) aufschnappen könnten. Es ist ein Gedicht, das Ehrfurcht vor einem Meister der Vergangenheit mit dem Wunsch nach anhaltender Inspiration und Verbindung über Generationen hinweg in Einklang bringt.

6. „On Sitting down to Read King Lear Once Again“ von John Keats (1795-1821)

Porträt von John Keats

O golden tongued Romance, with serene lute!
Fair plumed Syren, Queen of far-away!
Leave melodizing on this wintry day,
Shut up thine olden pages, and be mute:
Adieu! for, once again, the fierce dispute
Betwixt damnation and impassion’d clay
Must I burn through; once more humbly assay
The bitter-sweet of this Shakespearian fruit:
Chief Poet! and ye clouds of Albion,
Begetters of our deep eternal theme!
When through the old oak Forest I am gone,
Let me not wander in a barren dream,
But, when I am consumed in the fire,
Give me new Phoenix wings to fly at my desire.

Analyse

Dieses Sonett ist faszinierend, weil es scheinbar vom Lesen von Shakespeares König Lear, einem Drama, handelt, aber als Abwendung von einer Art Poesie (Romance) zu einer anderen (Shakespeares Drama, hier mit poetischer Ehrfurcht behandelt) gestaltet ist. Keats verabschiedet sich von der „golden tongued Romance“ (goldzüngigen Romanze), personifiziert als „Fair plumed Syren“ (schön gefiederte Sirene), assoziiert mit sanfter Musik und fernen, idealisierten Reichen („far-away“). Dies deutet auf eine bewusste Entscheidung hin, den Komfort und die Schönheiten der Romantik, vielleicht seinen eigenen früheren Stil oder das Genre selbst, hinter sich zu lassen.

Der Grund für diese Abkehr ist die anspruchsvolle Aufgabe, sich erneut mit König Lear auseinanderzusetzen. Keats beschreibt den Kernkonflikt des Stücks als den „fierce dispute / Betwixt damnation and impassion’d clay“ (heftigen Streit / zwischen Verdammnis und leidenschaftlichem Ton), was seine intensive, menschliche und tragische Natur hervorhebt. Das Lesen ist ein Akt der Prüfung, etwas, das er „burn through“ (durchbrennen) und „humbly assay“ (demütig versuchen) muss, wobei er die Schwierigkeit und Tiefe von Shakespeares Werk anerkennt. Die Verschiebung erfolgt dramatisch an der Volta, mit einer direkten Ansprache an den „Chief Poet!“ (Obersten Dichter!) – eindeutig Shakespeare – und die „clouds of Albion“ (Wolken Britanniens), was Shakespeare als Quelle des tiefen poetischen Erbes Britanniens darstellt. Die letzten Zeilen drücken den Wunsch nach transformativer Erkenntnis aus. Das Lesen von Lear wird als verzehrendes Feuer beschrieben; Keats sucht nicht nur das Stück zu verstehen, sondern durch die Erfahrung wiedergeboren zu werden, mit „new Phoenix wings to fly at my desire“ (neuen Phönixflügeln, um nach meinem Wunsch zu fliegen) ausgestattet zu werden, was darauf hindeutet, dass die Auseinandersetzung mit solch mächtiger Kunst eine tiefgreifende, fast mystische Befreiung und Erneuerung des Geistes ermöglicht. Es ist ein Sonett über die transformative Kraft der Konfrontation mit herausfordernder, großer Kunst.

5. „Dante“ von Henry Wadsworth Longfellow (1807-1882)

Porträt von Henry Wadsworth Longfellow, fotografiert von Julia Margaret Cameron

Tuscan, that wanderest through the realms of gloom,
With thoughtful pace, and sad, majestic eyes,
Stern thoughts and awful from thy soul arise,
Like Farinata from his fiery tomb.
Thy sacred song is like the trump of doom;
Yet in thy heart what human sympathies,
What soft compassion glows, as in the skies
The tender stars their clouded lamps relume!
Methinks I see thee stand, with pallid cheeks,
By Fra Hilario in his diocese,
As up the convent-walls, in golden streaks,
The ascending sunbeams mark the day’s decrease,
And, as he asks what there the stranger seeks,
Thy voice along the cloister whispers, “Peace!”

Analyse

Longfellow, ein bedeutender Übersetzer Dantes, bietet ein tief empfundenes Porträt des italienischen Meisters. Das Sonett stellt sofort Dantes Verbindung zu Leid und Feierlichkeit her und spricht ihn als den „Tuscan“ (Toskaner) an, der „through the realms of gloom“ (durch die Reiche der Düsternis) wandert – ein klarer Hinweis auf die Inferno. Longfellow erfasst die strenge, gewichtige Natur von Dantes Vision und vergleicht die mächtigen Gedanken, die aus seiner Seele aufsteigen, mit der imposanten Figur von Farinata, der aus seinem Feuertombau aufsteigt. Dantes Poesie wird als ein gewaltiger, fast erschreckender Klang beschrieben, „like the trump of doom“ (wie die Posaune des Jüngsten Gerichts).

Das Oktett schwenkt jedoch um, um die tiefen „human sympathies“ (menschlichen Sympathien) und „soft compassion“ (sanfte Barmherzigkeit) anzuerkennen, die Dantes Werk ebenfalls kennzeichnen, besonders deutlich in Momenten innerhalb der Commedia trotz ihrer strengen Urteile. Das Bild der „tender stars their clouded lamps relume“ (zarten Sterne, die ihre verhangenen Lampen wieder entzünden) bietet einen Gegenpunkt sanften Lichts inmitten der Düsternis. Das Sestett wechselt zu einer spezifischen, vielleicht imaginären Szene: Dante steht mit „pallid cheeks“ (blassen Wangen) bei Fra Hilario in dessen Diözese, während die aufsteigenden Sonnenstrahlen als „golden streaks“ (goldene Streifen) die Klostermauern hinaufwandern und den Tagesschluss markieren. Und als dieser fragt, was der Fremde dort sucht, flüstert Dantes Stimme entlang des Kreuzgangs: „Peace!“ (Friede!). Dieses Schlussbild ist zutiefst bewegend und deutet darauf hin, dass trotz oder wegen seiner erschütternden Reise durch die Reiche des Jenseits Dantes ultimativer Wunsch und vielleicht die ultimative Botschaft, die aus seinem Werk gewonnen wird, Friede ist. Es ist ein Sonett, das die komplexe Dualität von Dantes Vision zusammenfasst: strenge Gerechtigkeit gepaart mit tiefer, sehnsüchtiger Barmherzigkeit.

Darstellung von Dante Alighieri

4. „Chaucer“ von Henry Wadsworth Longfellow (1807-1882)

An old man in a lodge within a park;
The chamber walls depicted all around
With portraitures of huntsman, hawk, and hound,
And the hurt deer. He listeneth to the lark,
Whose song comes with the sunshine through the dark
Of painted glass in leaden lattice bound;
He listeneth and he laugheth at the sound,
Then writeth in a book like any clerk.
He is the poet of the dawn, who wrote
The Canterbury Tales, and his old age
Made beautiful with song; and as I read
I hear the crowing cock, I hear the note
Of lark and linnet, and from every page
Rise odors of ploughed field or flowery mead.

Analyse

Im Gegensatz zur düsteren Intensität seines Sonetts über Dante präsentiert Longfellow eine warme, idyllische Darstellung von Geoffrey Chaucer. Er stellt sich Chaucer als einen „old man in a lodge within a park“ (alten Mann in einer Hütte in einem Park) vor, umgeben von ländlichen Szenen, die an den Wänden abgebildet sind und das lebendige, erdige Gewebe der Canterbury Tales widerspiegeln. Dieser Schauplatz ist einer des Friedens und der rustikalen Schönheit.

Longfellow konzentriert sich auf Chaucers Verbindung zur Natur und zum alltäglichen Leben und stellt ihn dar, wie er dem Lied der Lerche lauscht, das „comes with the sunshine through the dark / Of painted glass“ (mit dem Sonnenschein durch das Dunkel / bemalten Glases kommt), ein schönes Bild, das das durch Kunstfertigkeit gefilterte Licht mit dem natürlichen Klang kontrastiert. Chaucers Reaktion – er „listeneth and he laugheth at the sound, / Then writeth in a book like any clerk“ (lauscht und er lacht über den Klang, / Dann schreibt er in ein Buch wie jeder Schreiber) – fängt ein Gefühl von Herzlichkeit, beobachtendem Humor und fleißiger Handwerkskunst ein. Der Titel „poet of the dawn“ (Dichter der Morgenröte) deutet auf Chaucers grundlegende Rolle in der englischen Literatur hin, die eine neue Ära einläutete. Das Gedicht schließt mit der Beschreibung der sinnlichen Erfahrung beim Lesen von Chaucers Werk und hebt dessen Fähigkeit hervor, den Leser in die englische Landschaft zu entführen, die Sinne mit den Klängen der Vögel und den „odors of ploughed field or flowery mead“ (Düften gepflügter Felder oder blumiger Wiesen) zu erfüllen. Es ist eine Feier von Chaucers Vitalität, seiner Verbindung zur natürlichen Welt und der eindringlichen Qualität seiner Poesie.

3. „To an American Painter Departing for Europe“ von William Cullen Bryant (1794-1878)

Porträt von William Cullen Bryant

Thine eyes shall see the light of distant skies:
Yet, Cole! thy heart shall bear to Europe’s strand
A living image of thy native land,
Such as on thy own glorious canvass lies.
Lone lakes—savannahs where the bison roves—
Rocks rich with summer garlands—solemn streams—
Skies, where the desert eagle wheels and screams—
Spring bloom and autumn blaze of boundless groves—
Fair scenes shall greet thee where thou goest—fair,
But different—everywhere the trace of men,
Paths, homes, graves, ruins, from the lowest glen
To where life shrinks from the fierce Alpine air.
Gaze on them, till the tears shall dim thy sight,
But keep that earlier, wilder image bright.

Analyse

William Cullen Bryants Sonett ist an seinen Freund, den Maler Thomas Cole, gerichtet, als Cole sich auf eine Reise nach Europa vorbereitet. Obwohl Cole Maler war, schrieb er auch Gedichte, was zum Thema dieser Liste passt. Das Gedicht dient Bryant als patriotische Ermahnung an Cole, die einzigartige Schönheit der amerikanischen Landschaft im Ausland nicht zu vergessen. Das Oktett ist eine Feier dieser Landschaft und listet ikonische amerikanische Szenen auf: „Lone lakes“ (Einsame Seen), „savannahs where the bison roves“ (Savannen, wo der Bison streift), „solemn streams“ (feierliche Flüsse) und die weiten Himmel der Wildnis. Bryant deutet an, dass Cole ein „image“ (Bild) dieses Landes in seinem Herzen trägt, das die Größe widerspiegelt, die in Coles eigenen Gemälden dargestellt ist.

Das Sestett kontrastiert die europäische Landschaft mit der amerikanischen. Europas Szenen werden als „fair“ (schön) anerkannt, aber kritisch betrachtet, sind sie gekennzeichnet durch „everywhere the trace of men“ (überall die Spuren von Menschen). Dies wird detailliert mit einer schnellen, fast atemlosen Liste: „Paths, homes, graves, ruins“ (Pfade, Häuser, Gräber, Ruinen), was die historische Tiefe und den menschlichen Fußabdruck auf dem europäischen Land hervorhebt. Im Gegensatz dazu wird die im Oktett gefeierte amerikanische Landschaft implizit als wilder dargestellt, weniger berührt von menschlicher Geschichte und Besiedlung. Bryant rät Cole, Europa zu beobachten und wertzuschätzen („Gaze on them, till the tears shall dim thy sight“ – Blicke auf sie, bis die Tränen deine Sicht trüben), fleht ihn aber an, das „earlier, wilder image bright“ (frühere, wildere Bild hell) zu halten – das Bild des ungezähmten Amerikas. Es ist ein Sonett, das eine eigenständige amerikanische Identität artikuliert, die mit ihrer natürlichen Wildnis verbunden ist, und einen Künstler ermutigt, seiner nationalen Inspirationsquelle treu zu bleiben.

2. „Scorn Not the Sonnet“ von William Wordsworth (1770-1850)

Porträt von William Wordsworth von Benjamin Robert Haydon

Scorn not the Sonnet; Critic, you have frowned,
Mindless of its just honours; with this key
Shakespeare unlocked his heart; the melody
Of this small lute gave ease to Petrarch’s wound;
A thousand times this pipe did Tasso sound;
With it Camöens soothed an exile’s grief;
The Sonnet glittered a gay myrtle leaf
Amid the cypress with which Dante crowned
His visionary brow: a glow-worm lamp,
It cheered mild Spenser, called from Faery-land
To struggle through dark ways; and, when a damp
Fell round the path of Milton, in his hand
The Thing became a trumpet; whence he blew
Soul-animating strains—alas, too few!

Analyse

Wordsworths Sonett ist eine robuste Verteidigung und Feier der Sonettform selbst, die sich zunächst an einen abweisenden „Critic“ (Kritiker) richtet. Seine wahre Kraft liegt jedoch in der Parade illustrer Dichter aus verschiedenen Epochen und Nationen, die das Sonett zu tiefgreifender Wirkung nutzten. Wordsworth widerlegt das „frown“ (Stirnrunzeln) des Kritikers, indem er eine Reihe von Meistern auflistet und illustriert, wie das Sonett ihnen diente.

Er präsentiert das Sonett als ein vielseitiges und mächtiges Werkzeug: Es war der „key“ (Schlüssel), mit dem Shakespeare sein Innerstes offenbarte, die „melody“ (Melodie), die Petrarchs liebeskranke „wound“ (Wunde) linderte, das Instrument („pipe“ – Pfeife), das Tasso tausendmal erklingen ließ, und der Trost, der Camões im Exil „soothed“ (besänftigte). Das Sonett wird lebhaft als ein „gay myrtle leaf“ (fröhliches Myrtenblatt) dargestellt, das im Kontrast zur düsteren Zypresse steht, die Dantes visionäre Stirn krönt, was darauf hindeutet, dass es Momente des Lichts oder der Klarheit selbst in den ernstesten Visionen bot. Es war eine bescheidene „glow-worm lamp“ (Glühwürmchenlampe), die den milden Spenser auf seinem Weg durch dunkle Pfade aufmunterte, als er aus dem Feenland gerufen wurde; und als „a damp / Fell round the path of Milton“ (Feuchtigkeit / den Weg Miltons umgab), wurde das Ding in seiner Hand zu „a trumpet“ (einer Trompete), mit der er „Soul-animating strains“ (seelbeseelende Klänge) blies – ach, zu wenige! Durch die Berufung auf diese Giganten – Shakespeare, Petrarch, Tasso, Camões, Dante, Spenser und Milton – demonstriert Wordsworth die anhaltende Kraft, Flexibilität und Abstammung des Sonetts. Das Gedicht ist ein direktes Argument gegen die Abweisung der Form und behauptet ihre historische Bedeutung und ihre Fähigkeit, die tiefsten menschlichen Erfahrungen auszudrücken.

1. „On First Looking into Chapman’s Homer“ von John Keats (1795-1821)

Much have I travell’d in the realms of gold,
And many goodly states and kingdoms seen;
Round many western islands have I been
Which bards in fealty to Apollo hold.
Oft of one wide expanse had I been told
That deep-brow’d Homer ruled as his demesne;
Yet did I never breathe its pure serene
Till I heard Chapman speak out loud and bold:
Then felt I like some watcher of the skies
When a new planet swims into his ken;
Or like stout Cortez when with eagle eyes
He star’d at the Pacific—and all his men
Look’d at each other with a wild surmise—
Silent, upon a peak in Darien.

Analyse

Vielleicht das berühmteste Sonett über die Begegnung mit dem Werk eines anderen Dichters, beschreibt Keats‘ Gedicht den tiefgreifenden Einfluss, den das Lesen von George Chapmans Übersetzung der Epen Homers aus dem 17. Jahrhundert auf ihn hatte. Das Oktett etabliert Keats‘ frühere Erfahrung mit Literatur („realms of gold“ – Reiche des Goldes, „states and kingdoms“ – Staaten und Königreiche, „western islands“ – westliche Inseln), was darauf hindeutet, dass er bereits belesen und mit der literarischen Landschaft vertraut war, einschließlich Erzählungen über Homer („deep-brow’d Homer ruled as his demesne“ – der tiefbrauige Homer beherrschte als sein Reich). Dennoch gibt er ausdrücklich an, dass er Homers Welt („never breathe its pure serene“ – nie dessen reine Ruhe atmete) erst vollständig erlebt hatte, als er Chapman hörte.

Die Volta in Zeile 9 markiert eine dramatische Verschiebung und fängt den Moment der Offenbarung ein. Die Erfahrung wird mit zwei mächtigen Entdeckungsereignissen verglichen: einem Astronomen, der einen „new planet“ (neuen Planeten) in seinem Blickfeld entdeckt, und dem Entdecker „stout Cortez“ (obwohl es historisch Balboa war), der mit „eagle eyes“ (Adleraugen) vom Gipfel in Darien auf den Pazifischen Ozean blickt. Diese Vergleiche vermitteln die überwältigende, ehrfurchtgebietende Natur der Entdeckung. Das Schlussbild von Cortez und seinen Männern, die sich mit „wild surmise“ (wilder Vermutung) schweigend ansehen, unterstreicht den unsagbaren Einfluss der Erfahrung, die sie sprachlos macht angesichts der schieren Größe dessen, was sie begegnet sind. Keats‘ Sonett ist ein zeitloses Zeugnis für die transformative Kraft großer Literatur und Übersetzung und stellt den Akt des Lesens als einen Akt der Erkundung und tiefgreifenden persönlichen Entdeckung dar, der bisher unbekannte Welten offenbart und das Verständnis des Lesers für das Erhabene erweitert.

Diese zehn Sonette bieten Einblicke in die komplexen Beziehungen, die Dichter zu ihren Vorgängern und Zeitgenossen haben. Sie sind Dialoge über Zeit und Raum hinweg und drücken Bewunderung, Kritik und eine gemeinsame Hingabe an die Kunst der Poesie aus.