Hommagen in Versen: 10 Englische Sonette über Dichter

Der Dialog zwischen Dichtern ist so alt wie der Vers selbst. Oftmals nimmt dieser Dialog die Form einer direkten Anrede oder einer nachdenklichen Reflexion innerhalb der Grenzen eines Gedichts an. Zu den beständigsten und eindringlichsten Beispielen dafür gehören Sonette, die an oder über andere Dichter geschrieben wurden. Diese kompakten, vierzehnzeiligen Strukturen mit ihrer inhärenten Spannung und Auflösung bieten ein perfektes Gefäß für Bewunderung, Kritik, Reflexion und Vermächtnis. Sie gewähren Einblicke in die literarische Landschaft ihrer Zeit und offenbaren Einflüsse, Rivalitäten und tiefsitzenden Respekt.

Diese Erkundung befasst sich mit zehn bemerkenswerten englischen Sonetten, die sich mit dem Geist und Werk anderer Dichter auseinandersetzen. Dies ist keine erschöpfende Liste, noch eine definitive Rangliste für alle Zeiten, sondern eine kuratierte Auswahl, die die vielfältigen Arten zeigt, wie Dichter ihre Zeitgenossen und Vorgänger innerhalb der Sonettform gewürdigt, herausgefordert und von ihnen gelernt haben. Von Ehrungen tiefen Respekts bis hin zu scharfen Kritiken beleuchten diese Gedichte die kontinuierliche, sich entwickelnde Tradition des englischen Verses und die Vernetzung seiner Schaffenden.

10. „When I Behold the Greatest“ von Robinson Jeffers (1887-1962)

When I behold the greatest and most wise
Fall out of heaven, wings not by pride struck numb
Like Satan’s, but to gain some humbler crumb
Of pittance from penurious granaries;
And when I see under each new disguise
The same cowardice of custom, the same dumb
Devil that drove our Wordsworth to become
Apologist of kings and priests and lies;
And how a man may find in all he loathes
Contentment after all, and so endear it
By cowardly craft it grows his inmost own;—
Then I renew my faith with firmer oaths,
And bind with more tremendous vows a spirit
That, often fallen, never has lain prone.

Analyse

Robinson Jeffers, bekannt für seinen robusten Individualismus und seine scharfe Kritik an der modernen Gesellschaft, richtet hier seinen Blick auf die wahrgenommenen Fehler angesehener Persönlichkeiten, insbesondere auf William Wordsworth. Das Sonett beginnt mit einem eindrucksvollen Bild einst großer Individuen, die „aus dem Himmel fallen“, nicht durch luziferischen Stolz, sondern durch eine alltäglichere, entmutigende Kapitulation für weltlichen Gewinn. Dies setzt einen Ton der Ernüchterung über Kompromisse.

Das spezifische Ziel von Jeffers‘ Zorn wird im zweiten Quartett deutlich: Wordsworth, den Jeffers als Verräter seiner frühen Prinzipien von Freiheit und Wahrheit ansieht, indem er nach Annahme der Position des Poet Laureate zum „Apologist of kings and priests and lies“ (Apologeten von Königen und Priestern und Lügen) wurde. Jeffers betrachtet dies als Unterwerfung unter „cowardice of custom“ (Feigheit der Gewohnheit) und einen „dumb Devil“ (stummen Teufel), der den einst radikalen Dichter korrumpierte. Das Sestett reflektiert die Fähigkeit von Individuen, mit dem zufrieden zu werden, was sie einst verachteten, und ihre Kompromisse durch „cowardly craft“ (feiges Handwerk) zu verinnerlichen. Diese düstere Beobachtung dient als Auftakt zu Jeffers‘ eigener Bekräftigung. Das Gedicht schließt damit, dass Jeffers sein Engagement für seinen unabhängigen Geist erneuert und seine Entschlossenheit der wahrgenommenen Fehlbarkeit anderer gegenüberstellt. Es ist eine trotzige Erklärung künstlerischer Integrität und Widerstand gegen Kompromisse, gerahmt vom enttäuschenden Beispiel eines gefeierten Vorgängers. Das Sonett ist weniger eine direkte Anrede als vielmehr die Verwendung von Wordsworth als warnendes Beispiel zur Stärkung von Jeffers‘ eigener künstlerischer und ethischer Haltung.

9. “To Wordsworth” von Percy Shelley (1792-1822)

Shelley

Poet of Nature, thou hast wept to know
That things depart which never may return:
Childhood and youth, friendship and love’s first glow,
Have fled like sweet dreams, leaving thee to mourn.
These common woes I feel. One loss is mine
Which thou too feel’st, yet I alone deplore.
Thou wert as a lone star, whose light did shine
On some frail bark in winter’s midnight roar:
Thou hast like to a rock-built refuge stood
Above the blind and battling multitude:
In honored poverty thy voice did weave
Songs consecrate to truth and liberty,—
Deserting these, thou leavest me to grieve,
Thus having been, that thou shouldst cease to be.

Analyse

Percy Shelleys Sonett an Wordsworth ist eine eher elegische, wenn auch immer noch kritische Auseinandersetzung als die von Jeffers. Es beginnt mit der Anerkennung gemeinsamer menschlicher Erfahrungen – des Vergehen von Jugend, Liebe und Freundschaft –, die Wordsworth als „Poet of Nature“ (Dichter der Natur) zutiefst verstand und ausdrückte. Shelley schwenkt jedoch zu einer anderen Art von Verlust über, einem, der ihm einzigartig ist (obwohl er behauptet, Wordsworth fühle ihn auch), dem Verlust von Wordsworths früherem Selbst.

Shelley erinnert lebhaft an Wordsworths frühere Periode, als er ein „lone star“ (einsamer Stern) war, ein leitendes Licht für diejenigen, die durch schwierige Zeiten navigierten („frail bark in winter’s midnight roar“ – zerbrechliche Barke im winterlichen Mitternachtsgebrüll). Er lobt Wordsworth als „rock-built refuge“ (felsenfeste Zuflucht), der abseits der konformistischen, kämpfenden Masse steht, seine Stimme webte aus einer Position „honored poverty“ (ehrenhafter Armut) „Songs consecrate to truth and liberty“ (Lieder, die der Wahrheit und Freiheit geweiht sind). Der Wendepunkt, die Volta, kommt abrupt mit „Deserting these“ (Diese verlassend). Dies ist die Quelle von Shelleys Kummer – dass Wordsworth, der diese Ideale verkörperte, nun aufgehört hat, sie zu repräsentieren („cease to be“ – aufhören zu sein, in der Art, die Shelley am wichtigsten war). Das Gedicht ist eine Klage über den wahrgenommenen ideologischen Verrat eines poetischen Helden. Es unterstreicht die Tiefe von Shelleys früherer Bewunderung und macht die nachfolgende Enttäuschung und das Gefühl des Verlusts umso eindringlicher. Es ist ein eindrucksvolles Beispiel dafür, wie ein romantischer Dichter mit dem sich entwickelnden Weg eines anderen ringt, und hebt den hohen Stellenwert hervor, den Dichter den Prinzipien der Wahrheit und Freiheit beimaßen.

8. “Poets and Their Bibliographies” von Lord Alfred Tennyson (1809-1892)

Tennyson

Old poets foster’d under friendlier skies,
Old Virgil who would write ten lines, they say,
At dawn, and lavish all the golden day
To make them wealthier in the readers’ eyes;
And you, old popular Horace, you the wise
Adviser of the nine-years-ponder’d lay,
And you, that wear a wreath of sweeter bay,
Catullus, whose dead songster never dies;
If, glancing downward on the kindly sphere
That once had roll’d you round and round the sun,
You see your Art still shrined in human shelves,
You should be jubilant that you flourish’d here
Before the Love of Letters, overdone,
Had swamped the sacred poets with themselves.

Analyse

Tennysons Sonett wendet sich von Zeitgenossen der Romantik ab und den klassischen Giganten Roms zu: Virgil, Horaz und Catull. Das Gedicht ist eine Hommage an ihr akribisches Handwerk und ihr bleibendes Vermächtnis, im Gegensatz zu einem wahrgenommenen modernen Übermaß oder einer Selbstgefälligkeit in der literarischen Welt. Er stellt sich diese „Old poets“ (Alten Dichter) liebevoll vor, wie sie unter einem günstigeren, weniger überladenen „friendlier skies“ (freundlicheren Himmel) gediehen.

Tennyson bezieht sich auf bekannte Anekdoten über ihre Schreibgewohnheiten – Virgils mühsame Überarbeitung einiger Zeilen jeden Tag, Horaz‘ Rat, ein Werk neun Jahre ruhen zu lassen, bevor es veröffentlicht wird („nine-years-ponder’d lay“ – neunjährig bedachtes Lied), und Catull, dessen Dichtung trotz seines Todes weiterlebt („whose dead songster never dies“ – dessen tote Sängernatur nie stirbt). Die Verwendung von „songster“ (Sängernatur) für einen Dichter ist eine charmante Note. Das Sestett verschiebt den Fokus und stellt sich vor, wie diese antiken Dichter auf die moderne Welt herabblicken. Tennyson legt nahe, sie sollten „jubilant“ (jubelnd) sein, dass sie lebten und arbeiteten, bevor die zeitgenössische Literaturszene, seiner Meinung nach, „swamped the sacred poets with themselves“ (die heiligen Dichter mit sich selbst überschwemmte). Diese letzte Phrase ist etwas mehrdeutig, scheint aber einen Verlust des Fokus zu beklagen, vielleicht eine Besessenheit mit dem Leben oder den Persönlichkeiten der Dichter anstatt mit der Kunst selbst, oder vielleicht einfach ein überwältigendes Volumen geringerer Werke, die die wirklich „sacred“ (heilige) Poesie überschatten. Es ist eine Reflexion über den Wert zeitloser Kunst und die potenziellen Fallstricke der aufkeimenden, stärker kommerziell ausgerichteten literarischen Kultur von Tennysons Zeit.

7. “To John Keats” von Amy Lowell (1874-1925)

Lowell

Great master! Boyish, sympathetic man!
Whose orbed and ripened genius lightly hung
From life’s slim, twisted tendril and there swung
In crimson-sphered completeness; guardian
Of crystal portals through whose openings fan
The spiced winds which blew when earth was young,
Scattering wreaths of stars, as Jove once flung
A golden shower from heights cerulean.
Crumbled before thy majesty we bow.
Forget thy empurpled state, thy panoply
Of greatness, and be merciful and near;
A youth who trudged the highroad we tread now
Singing the miles behind him; so may we
Faint throbbings of thy music overhear.

Analyse

Amy Lowells Sonett ist eine lebhafte und überschwängliche Hommage an John Keats, die ihn sowohl als monumentalen „Great master!“ (Großer Meister!) als auch als zugänglichen, „Boyish, sympathetic man!“ (Knabehaften, sympathischen Mann!) darstellt. Die Eröffnungszeilen verwenden reiche, fast synästhetische Bilder und beschreiben Keats‘ Genie als eine perfekt geformte, „crimson-sphered completeness“ (purpurfarbene kugelförmige Vollkommenheit), die zart an der „slim, twisted tendril“ (schlanken, verdrehten Ranke) seines kurzen Lebens hängt und dort schwingt. Dieses Metapher suggeriert sowohl die Zerbrechlichkeit seiner Existenz als auch die lebendige Reife seiner Kunst.

Lowell erhöht Keats weiter, indem sie ihn als „guardian / Of crystal portals“ (Wächter / kristallener Portale) darstellt, was impliziert, dass sein Werk Zugang zu einem Reich ursprünglicher Schönheit und antiken Wunders bietet („spiced winds which blew when earth was young“ – gewürzte Winde, die wehten, als die Erde jung war). Die mythologische Anspielung auf Jupiter, der Sterne zerstreut, verstärkt das Gefühl göttlicher, kreativer Kraft, die mit Keats verbunden ist. Das Sestett wechselt zu einem persönlicheren, fast bittenden Ton. Lowell und ihre Zeitgenossen „bow“ (verneigen sich) vor Keats‘ „majesty“ (Majestät), flehen ihn aber an, seinen erhobenen, fast königlichen Status („empurpled state“ – purpurfarbener Zustand, „panoply / Of greatness“ – Panoplie / der Größe) abzulegen und „merciful and near“ (barmherzig und nahe) zu sein. Sie wünscht sich, eine Verbindung zu dem jüngeren, menschlichen Keats herzustellen, dem „youth who trudged the highroad we tread now“ (Jugendlichen, der jetzt die Landstraße beschritt, die wir gehen). Das Gedicht schließt mit der Hoffnung, dass sie, indem sie sich an seine Reise erinnern und „singing the miles behind him“ (die Meilen hinter sich singend), noch die schwachen, inspirierenden Echos seiner poetischen „music“ (Musik) überhören können. Es ist ein leidenschaftlicher Ausdruck der Bewunderung und eine Sehnsucht nach Verbindung mit einem literarischen Idol, dessen Leben tragisch kurz war, dessen Einfluss aber tiefgreifend war.

6. “On Sitting down to Read King Lear Once Again” von John Keats (1795-1821)

Porträt von John Keats aus dem Jahr 1819

John Keats

O golden tongued Romance, with serene lute!
Fair plumed Syren, Queen of far-away!
Leave melodizing on this wintry day,
Shut up thine olden pages, and be mute:
Adieu! for, once again, the fierce dispute
Betwixt damnation and impassion’d clay
Must I burn through; once more humbly assay
The bitter-sweet of this Shakespearian fruit:
Chief Poet! and ye clouds of Albion,
Begetters of our deep eternal theme!
When through the old oak Forest I am gone,
Let me not wander in a barren dream,
But, when I am consumed in the fire,
Give me new Phoenix wings to fly at my desire.

Analyse

John Keats‘ Sonett ist weniger eine direkte Anrede an einen Dichter als vielmehr eine dramatische Erklärung über die Kraft und Natur der Poesie, die insbesondere den Reiz der „Romance“ (Romantik) mit der tiefgründigen Intensität der Shakespeare’schen Tragödie kontrastiert. Das Gedicht beginnt mit der Personifizierung der „Romance“ als schöne, verführerische Figur („golden tongued“ – goldzüngig, „serene lute“ – heitere Laute, „Fair plumed Syren“ – schön gefiederte Sirene). Keats erkennt ihren Charme an, verabschiedet sich aber entschieden von ihr und befiehlt ihr, „Shut up thine olden pages, and be mute“ (Deine alten Seiten zuzuschlagen und stumm zu sein).

Der Grund für diese Abweisung ist die bevorstehende Rückkehr zu einer anspruchsvolleren, aber wesentlichen literarischen Erfahrung: dem Lesen von Shakespeares König Lear. Keats beschreibt diese Aufgabe als einen „fierce dispute / Betwixt damnation and impassion’d clay“ (heftigen Streit / zwischen Verdammung und leidenschaftlichem Lehm), einen brennenden, schwierigen Prozess des Ringens mit tiefem menschlichem Leid und Sterblichkeit. Er nennt es das „bitter-sweet of this Shakespearian fruit“ (bitter-süße dieser Shakespeare’schen Frucht), womit er seine Schwierigkeit und seine letztendliche lohnende Wahrheit anerkennt. Er spricht dann Shakespeare direkt als „Chief Poet!“ (Oberster Dichter!) an und ruft die Quellen englischer poetischer Inspiration an („ye clouds of Albion“ – ihr Wolken von Albion). Das Sestett wendet sich nach innen und drückt eine persönliche Bitte aus. Das Lesen von Lear wird mit einem Weg durch einen dunklen „old oak Forest“ (alten Eichenwald) verglichen. Keats hofft, dass diese intensive Auseinandersetzung keine fruchtlose Unternehmung sein wird („barren dream“ – unfruchtbarer Traum), sondern vielmehr eine transformative, fast fegefeuerartige Erfahrung („consumed in the fire“ – im Feuer verzehrt). Das Gedicht schließt mit dem eindringlichen Bild des Phönix, der aus der Asche steigt, was die Hoffnung symbolisiert, dass diese schwierige literarische Begegnung ihm erneute kreative Energie und Einsicht verleihen wird („new Phoenix wings to fly at my desire“ – neue Phönixflügel, um nach meinem Wunsch zu fliegen). Es ist ein Zeugnis des tiefgreifenden Einflusses, den Shakespeare auf Keats hatte, und der transformativen Kraft, sich mit großer, anspruchsvoller Kunst auseinanderzusetzen.

5. “Dante” von Henry Wadsworth Longfellow (1807-1882)

Henry Wadsworth Longfellow, fotografiert im Jahr 1868

Longfellow

Tuscan, that wanderest through the realms of gloom,
With thoughtful pace, and sad, majestic eyes,
Stern thoughts and awful from thy soul arise,
Like Farinata from his fiery tomb.
Thy sacred song is like the trump of doom;
Yet in thy heart what human sympathies,
What soft compassion glows, as in the skies
The tender stars their clouded lamps relume!
Methinks I see thee stand, with pallid cheeks,
By Fra Hilario in his diocese,
As up the convent-walls, in golden streaks,
The ascending sunbeams mark the day’s decrease,
And, as he asks what there the stranger seeks,
Thy voice along the cloister whispers, “Peace!”

Analyse

Henry Wadsworth Longfellow, ein bedeutender Übersetzer Dantes ins Englische, bietet ein Sonett, das die düstere Majestät und tiefgründige Menschlichkeit des italienischen Dichters einfängt. Er spricht Dante direkt als „Tuscan“ (Toskaner) an und ordnet ihn sofort geografisch und historisch ein. Die Eröffnungszeilen beschwören die Atmosphäre des Inferno herauf und stellen sich Dante vor, wie er mit „thoughtful pace“ (nachdenklichem Schritt) und „sad, majestic eyes“ (traurigen, majestätischen Augen) durch „realms of gloom“ (Reiche des Dunkels) wandert. Longfellow hebt die formidable Natur von Dantes Denken hervor und vergleicht die „Stern thoughts and awful“ (strengen und furchterregenden Gedanken), die aus seiner Seele aufsteigen, mit dem trotzigen Auftreten von Farinata aus seinem „fiery tomb“ (feurigen Grab) in Canto X des Inferno.

Das Gedicht gleicht diese Darstellung von Strenge und Urteil („Thy sacred song is like the trump of doom“ – Dein heiliges Lied ist wie die Posaune des Gerichts) mit der Anerkennung von Dantes tiefen „human sympathies“ (menschlichen Sympathien) und „soft compassion“ (sanftem Mitgefühl) aus. Dieses Mitgefühl wird wunderschön durch das Bild der „tender stars their clouded lamps relume!“ (zarten Sterne, die ihre bewölkten Lampen wieder anzünden!) illustriert – was suggeriert, dass selbst inmitten der Dunkelheit Momente zarten Lichts durchscheinen, ähnlich wie Dantes Fähigkeit zum Mitleid inmitten der Schrecken der Hölle. Das Sestett wechselt zu einer spezifischen, ergreifenden Szene – einer fiktionalisierten Begegnung zwischen Dante und Fra Hilario in einem Kreuzgang, basierend auf historischen Berichten über Dantes Wanderungen. Während der Tag verblasst („ascending sunbeams mark the day’s decrease“ – aufsteigende Sonnenstrahlen markieren das Abnehmen des Tages), fragt Fra Hilario Dante, was er dort suche. Das Sonett schließt mit Dantes leiser, resonanter Antwort, die „Peace!“ (Frieden!) entlang der Kreuzgangmauern flüstert. Dieses Ende fasst Longfellows Sicht auf Dante zusammen – eine Seele, die die Tiefen des Leidens und der Sünde erforschte, deren letztendliche Suche, vielleicht verstärkt durch sein eigenes Exil und seine Trauer, jedoch nach innerem Frieden war.

Illustration, die Dante im Zusammenhang mit Astronomie zeigt

Dante, dessen Werk Poesie, Theologie und Wissenschaft verband, dargestellt in einer Illustration.

4. “Chaucer” von Henry Wadsworth Longfellow (1807-1882)

An old man in a lodge within a park;
The chamber walls depicted all around
With portraitures of huntsman, hawk, and hound,
And the hurt deer. He listeneth to the lark,
Whose song comes with the sunshine through the dark
Of painted glass in leaden lattice bound;
He listeneth and he laugheth at the sound,
Then writeth in a book like any clerk.
He is the poet of the dawn, who wrote
The Canterbury Tales, and his old age
Made beautiful with song; and as I read
I hear the crowing cock, I hear the note
Of lark and linnet, and from every page
Rise odors of ploughed field or flowery mead.

Analyse

Im Gegensatz zum schwerfälligen, gotischen Ton seines „Dante“-Sonetts ist Longfellows Hommage an Geoffrey Chaucer voller Licht, Wärme und rustikaler Details. Das Gedicht zeichnet ein lebhaftes, fast idyllisches Bild von Chaucer in seinen späteren Jahren, einem „old man in a lodge within a park“ (alten Mann in einer Lodge in einem Park). Longfellow stellt sich Chaucer vor, umgeben von Szenen des Landlebens – Jagdbildern an den Wänden – und eingestimmt auf die Geräusche und Anblicke der Natur.

Das Gedicht betont Chaucers Verbindung zur natürlichen Welt und seine fröhliche Gemütsart. Er lauscht der „lark“ (Lerche), „Whose song comes with the sunshine“ (Deren Gesang mit dem Sonnenschein kommt) durchs Fenster, und bezeichnenderweise „he listeneth and he laugheth at the sound“ (er lauscht und er lacht über das Geräusch). Dieses Lachen, zusammen mit seinem einfachen Akt des Schreibens „like any clerk“ (wie jeder Schreiber), stellt Chaucer nicht als distanzierte, strenge Figur dar, sondern als zugänglich und fröhlich. Longfellow erklärt ihn zum „poet of the dawn“ (Dichter der Morgenröte), ein Titel, der seine Rolle bei der Einführung einer neuen Vitalität und Realismus in die englische Poesie suggeriert, insbesondere durch Die Canterbury Tales. Die letzten Zeilen drücken den sensorischen Reichtum aus, den Longfellow in Chaucers Werk findet. Das Lesen Chaucers ist eine multisensorische Erfahrung: das Hören des „crowing cock“ (krähenden Hahns), der Lieder der Vögel und sogar das Riechen der Erde („odors of ploughed field or flowery mead“ – Gerüche gepflügten Feldes oder blühender Wiese). Das Gedicht schafft es, die frische, lebendige und erdige Qualität zu vermitteln, die einen Großteil von Chaucers Werk ausmacht, und feiert ihn als einen Dichter, der tief im Leben und in der Sprache seiner Zeit verwurzelt war und dessen Werk sich weiterhin lebendig und unmittelbar anfühlt.

3. “To an American Painter Departing for Europe” von William Cullen Bryant (1794-1878)

Porträt von William Cullen Bryant

William Cullen Bryant, Dichter und Journalist.

Thine eyes shall see the light of distant skies:
Yet, Cole! thy heart shall bear to Europe’s strand
A living image of thy native land,
Such as on thy own glorious canvass lies.
Lone lakes—savannahs where the bison roves—
Rocks rich with summer garlands—solemn streams—
Skies, where the desert eagle wheels and screams—
Spring bloom and autumn blaze of boundless groves—
Fair scenes shall greet thee where thou goest—fair,
But different—everywhere the trace of men,
Paths, homes, graves, ruins, from the lowest glen
To where life shrinks from the fierce Alpine air.
Gaze on them, till the tears shall dim thy sight,
But keep that earlier, wilder image bright.

Analyse

William Cullen Bryant richtet dieses Sonett nicht an einen Dichterkollegen, sondern an seinen Freund, den Maler Thomas Cole, eine Schlüsselfigur der Hudson River School. Da Cole jedoch auch ein Schriftsteller war und ihre künstlerischen Ziele übereinstimmten (die Größe der amerikanischen Landschaft einzufangen), funktioniert das Gedicht im Geiste von Dichtern, die sich an verwandte Künstler wenden. Bryant nimmt Coles Reise nach Europa vorweg, wo er auf berühmte Landschaften treffen wird („distant skies“ – ferne Himmel). Doch die zentrale Botschaft ist eine patriotische Bitte: dass Cole „A living image of thy native land“ (Ein lebendiges Bild deines Heimatlandes) in seinem Herzen und seiner Kunst trage, insbesondere die Landschaften Amerikas, die er auf seiner „glorious canvass“ (herrlichen Leinwand) darstellte.

Bryant bietet dann einen kraftvollen, weitreichenden Katalog amerikanischer Szenen, an die sich Cole erinnern muss: „Lone lakes“ (Einsame Seen), „savannahs where the bison roves“ (Savannen, wo der Bison streift), „Rocks rich with summer garlands“ (Felsen reich an Sommergirlanden), „solemn streams“ (feierliche Ströme), dramatische Himmel und weite Wälder. Diese Aufzählung betont die Größe, Wildheit und natürliche Schönheit Amerikas und kontrastiert sie mit der europäischen Landschaft, die im Sestett beschrieben wird. Europas Szenen werden als „Fair“ (Schön) anerkannt, aber entscheidend ist, dass sie „different“ (anders) sind. Sie sind geprägt von der allgegenwärtigen „trace of men“ (Spur der Menschen) – „Paths, homes, graves, ruins“ (Pfade, Häuser, Gräber, Ruinen). Anders als die weite, ungezähmte amerikanische Wildnis trägt die europäische Landschaft den schweren Abdruck menschlicher Geschichte und Besiedlung, vom niedrigsten Tal bis zu den höchsten Bergen. Bryant ermutigt Cole, die Schönheit Europas zu schätzen („Gaze on them, till the tears shall dim thy sight“ – Blicke auf sie, bis die Tränen deinen Blick trüben werden), aber die letzte, dringende Anweisung ist, „keep that earlier, wilder image bright“ (Dieses frühere, wildere Bild hell zu halten). Das Sonett ist eine Feier des einzigartigen, ungezähmten Geistes der amerikanischen Landschaft, interpretiert von ihren Künstlern, und ein Aufruf, diese unverwechselbare Vision inmitten der Last der europäischen Kunsttradition zu bewahren.

2. “Scorn Not the Sonnet” von William Wordsworth (1770-1850)

Porträt von William Wordsworth

William Wordsworth, eine führende Figur der englischen Romantik.

Scorn not the Sonnet; Critic, you have frowned,
Mindless of its just honours; with this key
Shakespeare unlocked his heart; the melody
Of this small lute gave ease to Petrarch’s wound;
A thousand times this pipe did Tasso sound;
With it Camöens soothed an exile’s grief;
The Sonnet glittered a gay myrtle leaf
Amid the cypress with which Dante crowned
His visionary brow: a glow-worm lamp,
It cheered mild Spenser, called from Faery-land
To struggle through dark ways; and, when a damp
Fell round the path of Milton, in his hand
The Thing became a trumpet; whence he blew
Soul-animating strains—alas, too few!

Analyse

Nachdem er von Shelley und Jeffers kritisiert wurde, ist es passend, dass William Wordsworth mit einem Sonett, das eine kraftvolle Verteidigung und Feier genau der Form ist, die er verwendet, hoch auf dieser Liste erscheint. Implizit an einen „Critic“ (Kritiker) gerichtet, der das Sonett „frowned“ (verachtet) hat, macht sich Wordsworth daran, seine „just honours“ (gerechten Ehren) zu behaupten, indem er die großen Dichter auflistet, die es gemeistert haben und denen es diente. Das Gedicht wird zu einem schnellen Katalog europäischer Literaturriesen und der Art und Weise, wie das Sonett sie befähigte.

Wordsworth erklärt, dass Shakespeare mit dem Sonett „unlocked his heart“ (sein Herz aufschloss), was dessen Fähigkeit zum persönlichen Ausdruck suggeriert. Für Petrarch, den Erfinder der Form, war es eine „melody“ (Melodie), die Petrarchs „wound“ (Wunde) linderte (vermutlich durch unerwiderte Liebe). Tasso und Camöens benutzten es wiederholt („A thousand times this pipe did Tasso sound“ – Tasso ließ dieses Rohr tausendmal erklingen), um ihre Kämpfe auszudrücken, wobei Camöens Trost von „exile’s grief“ (der Trauer des Exils) fand. Das Sonett wird mit einem „gay myrtle leaf“ (fröhlichen Myrthenblatt – Symbol für Liebe oder Poesie) verglichen, das im Kontrast zur Grab-„cypress“ (Zypresse) steht, mit der Dante seine „visionary brow“ (visionäre Stirn) krönte, was darauf hindeutet, dass selbst in seiner strengen Vision Dante Platz für die Anmut des Sonetts fand. Für Spenser war es eine führende „glow-worm lamp“ (Glühwürmchenlampe), die ihm half, sich durch dunkle Wege zu kämpfen. Und als eine „damp / Fell round the path of Milton“ (Feuchtigkeit / auf Miltons Weg fiel), verwandelte sich in seiner Hand „The Thing“ (Das Ding) in eine „trumpet“ (Trompete), aus der er „Soul-animating strains“ (Seele belebende Klänge) blies – „alas, too few!“ (leider zu wenige!). Das Gedicht ist eine brillante, prägnante Geschichte der Kraft und Vielseitigkeit des Sonetts, die durch die Verknüpfung mit dem Leben und Werk seiner größten Praktiker über Jahrhunderte und Sprachen hinweg verteidigt wird. Es ist ein direktes Argument für den bleibenden Wert der Form durch die Autorität derjenigen, die sie am effektivsten nutzten.

1. “On First Looking into Chapman’s Homer” von John Keats (1795-1821)

Much have I travell’d in the realms of gold,
And many goodly states and kingdoms seen;
Round many western islands have I been
Which bards in fealty to Apollo hold.
Oft of one wide expanse had I been told
That deep-brow’d Homer ruled as his demesne;
Yet did I never breathe its pure serene
Till I heard Chapman speak out loud and bold:
Then felt I like some watcher of the skies
When a new planet swims into his ken;
Or like stout Cortez when with eagle eyes
He star’d at the Pacific—and all his men
Look’d at each other with a wild surmise—
Silent, upon a peak in Darien.

Analyse

John Keats‘ berühmtestes Sonett ist eine tiefgründige und aufregende Erzählung über die Erfahrung, ein großes literarisches Werk durch Übersetzung zu entdecken. Obwohl das Gedicht vordergründig von Homers Epen handelt, ist der zentrale Auslöser und Gegenstand innerhalb der Erzählung George Chapmans Übersetzung aus dem 17. Jahrhundert. Keats hatte Homer in anderen Versionen gelesen, aber es war Chapmans Wiedergabe, die die wahrhaft offenbarende Erfahrung bot. Das Gedicht ist somit eine Hommage sowohl an den ursprünglichen Dichter als auch an den Übersetzer, dessen Werk ihm jenes Genie erschloss.

Das einleitende Oktett beschreibt Keats‘ früheres ausgiebiges Lesen („Much have I travell’d in the realms of gold“ – Viel reiste ich in den Reichen des Goldes), das Besuchen vieler „goodly states and kingdoms“ (schöner Staaten und Königreiche) und „western islands“ (westlicher Inseln – vielleicht in Anlehnung an europäische Literaturen oder spezifische Dichter), die Barden in Treue zu Apollo halten. Ihm war oft von einem „one wide expanse“ (einer weiten Ausdehnung) erzählt worden, die der „deep-brow’d“ (tiefstirnige) Homer als sein Reich beherrschte. Doch er atmete nie deren „pure serene“ (pure Heiterkeit), bis er „Chapman speak out loud and bold“ (Chapman laut und kühn sprechen) hörte. Dieser einzelne Satz markiert den Übergang von Erwartung und Hörensagen zu direkter, wirkungsvoller Erfahrung. Das Sestett fängt die Größe dieser Offenbarung durch zwei kraftvolle Vergleiche ein. Erstens fühlt sich Keats wie ein „watcher of the skies“ (Beobachter der Himmel), wenn „a new planet swims into his ken“ (ein neuer Planet in seinen Gesichtskreis schwimmt), ein Bild plötzlicher, immenser Wissens- und Perspektiverweiterung. Zweitens, und am berühmtesten, vergleicht er sein Gefühl mit dem des „stout Cortez“ (obwohl historisch Balboa) und seiner Männer, die „Silent, upon a peak in Darien“ (Schweigend auf einem Gipfel in Darien) stehen und auf den neu entdeckten Pazifischen Ozean starren. Dieses Bild vermittelt ein Gefühl atemberaubender Entdeckung, Weite und Ehrfurcht, das einen mit „wild surmise“ (wilder Vermutung) sprachlos zurücklässt. Das Sonett artikuliert perfekt die transformative Kraft des Lesens und Übersetzens und feiert den Moment, in dem eine große literarische Welt durch das Können eines anderen Künstlers für den Leser endlich erschlossen wird. Es ist ein zeitloses Zeugnis für die Kette des Einflusses und der Wertschätzung, die Dichter über Generationen hinweg verbindet.